miércoles, 31 de diciembre de 2014

Ojo Awards: Lo mejor del 2014

Sin duda el 2014 significó un tipo de retroceso con respecto al año pasado si consideramos que los números en taquilla no fueron tan buenos y porque la mayoría de los trabajos mainstream no terminaron por convencer a los fans. Realmente los estrenos más importantes del año quedaron a deber salvo algunas excepciones como The Purge: Anarchy o Oculus; algo que, junto con la ausencia de nuevas entregas de franquicias establecidas o remakes de peso, hizo que la cosecha se sintiera mucho más pobre de lo que realmente fue.

Sin embargo, del otro lado de la moneda está la escena independiente o de producciones mucho más pequeñas que simplemente explotaron durante estos doce meses; captando el interés del público y en muchos casos ofreciendo lo mejor del género. Demostrando así que tal vez las puertas de los grandes estudios nunca vuelvan a estar abiertas como hace 30 años para el género de terror, pero que con los nuevos medios de distribución eso ya no importa demasiado.

Y bueno… ya para no darle más vueltas al asunto aquí dejo lo que en lo que en mi opinión personal fue lo mejor en este año por medio de la tercera edición de los Ojo Awards. Los cuales, como siempre, están basados única y exclusivamente en todas las películas de las cuales escribí en el blog a lo largo de los 365 días del año.


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Mejor Maquillaje: Cabin Fever: Patient Zero

2014 fue un año flojo dentro de este apartado en términos generales, pero afortunadamente el equipo liderado por Vincent Guastini nos regaló un trabajo que eclipsa incluso a la misma historia a la que le da vida. Y es que el trabajo de maquillaje en Cabin Fever: Patient Zero es por mucho el principal protagonista de la película; no solo por seguir la línea grotesca de sus antecesoras, sino por expandirlo mucho más allá de manera extremadamente gráfica.

2.- Dead Snow 2: Red vs. Dead
3.- Dracula Untold


Mejores Efectos Especiales: Dracula Untold


Puede que Dracula Untold no fuera lo que muchos esperábamos, pero sin lugar a dudas es una de las grandes películas del año dentro del apartado técnico. Estamos hablando de un trabajo titánico en donde los efectos son vitales y además exageradamente diversos: escaladas por impresionantes montañas, reconstrucciones de castillos, grandes batallas, transformaciones y hordas de murciélagos utilizados como una poderosa arma son solo algunas de las cosas que por medio del CGI vemos hacerse realidad de manera espectacular.

2.- Dead Snow 2: Red vs. Dead
3.- WER


Mejor Score: Only Lovers Left Alive

Decir que el score de Only Lovers Left Alive es bueno sería quedarme corto, la mejor palabra para describirlo sería sublime. El trabajo de la banda SQÜRL, combinado con las composiciones de Jozef van Wissem, son simplemente el ALMA de la película; brindándole siempre algo extra con ese toque depresivo que encaja con el tono oscuro de la historia. Convirtiéndola no solo en una grata experiencia visual, sino en un exquisito viaje sonoro. 

2.- Grand Piano
3.- Asmodexia


Mejor Dirección de Arte: Las Brujas de Zugarramurdi

Esta fue otra categoría un tanto flaca a lo largo del año, pero eso no quiere decir que la calidad disminuyera y Las Brujas de Zugarramurdi son el mejor ejemplo de eso. Ya que el último trabajo Álex de la Iglesia ha contado con cantidad de decorados realmente enorme que no solo se limitaron a elaboraciones dentro de un set, sino además en locaciones externas donde se tuvieron que realizar un numero importante de intervenciones para darles vida; siendo por mucho la gran mansión de las brujas el mejor ejemplo de esto.

2.- Dracula Untold
3.- The Babadook


Mejor Cinematografía: The Babadook

Una de las principales razones por las que The Babadook resulta tan efectiva sin duda alguna es por la tremenda labor de Radoslaw Ladczuk con el trabajo de fotografía. Desde el primer instante sabes que esto será una experiencia por demás tétrica gracias al estilo gótico y un tanto deprimente que logra crear por medio de tonos oscuros/grises que acentúan mucho más las claras referencias al cine expresionista alemán que abundan en la película.

2.- Jessabelle
3.- Only Lovers Left Alive


Mejor Actriz: Essie Davis (The Babadook)

The Babadook ha sido la película del género que mejor aceptación ha tenido entre la crítica, aunque me parece que nada de eso sería posible sin la soberbia actuación de Essie Davis. Su personaje de Amelia es un carrusel de emociones explosivo que no solo sirve como contrapeso de un niño odioso sin igual, sino que además nos expone una situación compleja por medio de una locura extrema para lograr un tipo especial de odio con la mayor credibilidad posible.

2.- Jill Larson (The Taking of Deborah Logan)
3.- Aubrey Plaza (Life After Beth)


Mejor Actor: Gavin Brown (Found)

Found es una pequeña joya del 2014 y resulta sorprendente que gran parte de su éxito se deba a un niño de 13 años de edad. Y es que Gavin Brown es el mayor responsable de que esta historia te impacte fuertemente desde su propia perspectiva; regalando una frialdad muy convincente que va haciendo de su transformación de un niño inocente a uno con muchos problemas no solo en una aterradora, sino también una cuya naturaleza no luce tan ajena.

2.- Elijah Wood (Grand Piano)
3.- Daniel Radcliffe (Horns)


Mejor Director: Clif Prowse / Derek Lee (Afflicted)

Seguramente la mayoría ya sabe que el found footage no es mi fuerte, así que esto puede caer por sorpresa, pero cuando una película de este tipo hace algo bien lo tengo que decir. Afflicted puede que no presente muchas cosas innovadoras, pero la manera en que este par maneja cada aspecto es de resaltar: nunca pretenden esconder nada, para ser una FF vez prácticamente todo de manera clara y demuestran un manejo de los tiempos espectacular que ayuda a que cada situación se sienta relevante y te deje con la sensación de que cada escena es importante.
 
2.- Manuel Carballo (The Returned)
3.- James DeMonaco (The Purge: Anarchy)


Mejor Guión: The Returned

Películas bajo un mundo post-apocalíptico zombie hay muchas, pero hasta donde yo recuerdo ninguna con un escenario en el que la infección ha sido curada; aunque The Returned es algo más que eso. Ya que aquí nos presentan un panorama que cuestiona la idea de que las cosas regresaran a la normalidad y muestra que tal vez los seres humanos simplemente no estén preparados para eso; poniendo en juego varios dilemas morales en el proceso.

2.- Found
3.- Shock Value


Mejor Película: The Returned

A diferencia de los dos años anteriores en donde me fue bastante sencillo hacer la elección a la mejor película, en esta ocasión la verdad me resultó todo un dolor de cabeza poder realizarla porque no hubo ningún trabajo que a mi juicio resaltara muy por encima del resto. Cualquiera del top bien pudo serlo, pero al final me decante por aquella que me dejó el mejor sabor de boca durante un mayor lapso de tiempo.

Bajo dicho estándar sin duda la que provocó eso fue The Returned, una película bastante única dentro del género zombie que no solo resalta por su peculiar premisa, sino también por su manera de lidiar con diversos problemas post-apocalípticos que nunca antes habían sido tocados de la forma en la que se hacen aquí y que deja en claro que esta clase de trabajos pueden servir para mostrar muchas más cosas que simples (aunque divertidas) masacres. Esta estupendamente dirigida, muy bien actuada y además su factura es lo suficientemente sólida como para que la pueda nombrar la mejor película del 2014. 


Top 10:

1.- The Returned
2.- The Purge: Anarchy
3.- Dead Snow 2: Red vs. Dead
4.- Grand Piano
5.- Las Brujas de Zugarramurdi
6.- WER
7.- Housebound
8.- Shock Value
9.- The Babadook
10.- Afflicted


Mención honorífica: Found, The Taking of Deborah Logan, 13 Sins, Only Lovers Left Alive, Life After Beth

domingo, 28 de diciembre de 2014

Las peores películas del 2014

Está a punto de terminar el 2014 y no podía faltar esta prestigiosa lista sobre aquellas películas que personalmente me parecieron lo peor que vi durante el año; esos trabajos que por breves momentos me hicieron preguntarme si los veo por gusto o por el simple hecho de que me gusta sufrir intencionalmente.

Igualmente, como se instauro desde el año pasado, “El Ojo Sangrante” vuelve a tener dueño. Uno que en esta ocasión realmente no tuvo rival.

* La lista está hecha en base a lo que vi y critique en el blog, además de que no tienen ningún tipo de orden.

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Voodoo Possesion


La película promocionada en torno a Danny Trejo que… básicamente no muestra a Danny Trejo.

Jinn


La peor manera posible de introducir el lado sobrenatural de la mitología islámica a las masas.

Zellwood


Sara Jean Underwood queriendo actuar teniendo toda la ropa puesta. 

Scream Park


El homenaje que hará llorar a todos los slashers de los 80s, incluso a los peores.

The Ganzfeld Haunting


El trabajo escolar más sensualmente aburrido que se pueda ver.

Willow Creek


Una historia sobre Pie Grande en donde lo más relevante es una canción compuesta por un gordito.

Fields of the Dead 


Una película del 2008 sacada en 2014, pero que se siente de 1983 y que no tiene sentido.

Axeman


El asesino del hacha que nunca utiliza una hacha para matar a sus victimas.

SX_Tape 


Los vídeos sexuales de Paris Hilton les resultarán mucho más interesantes que esto.

Seed 2: The New Breed


Una producción traída por Uwe Boll que al parecer solo él entiende.

Vampire Academy 


Twilight conoce a Harry Potter y a Mean Girls sin mucho éxito.  

Devil’s Due


El nacimiento del anticristo más aburrido e intrascendente de toda la historia. 

Blood Lake: Attack of the Killer Lampreys


Lampreas asesinas... LAMPREAS ASESINAS!!! ¿Acaso tengo que decir más?

Dead Sea 


Mamá lamprea mitológica al rescate por las injusticias que sufrieron sus bebes. 

Leprechaun Origins


El reboot en donde pensaron de todo, menos en mostrar a la principal atracción de la franquicia.

I, Frankenstein


Nunca antes Frankenstein había sido tan detestable y sin chiste. 

The Houses October Built


Unas casas que esperemos nunca vuelvan a ver la luz; no solo en octubre, sino en todo el año. 


EL OJO SANGRANTE 2014

The Hospital 


La única película a la cual no le he dado ni una sola estrella en estos más de dos años de El Ojo del Horror, así de abominable es.

Un insulto para los fans del género que parece más un medio por parte de sus directores para mostrar algunos de sus más oscuros y perversos deseos sin preocuparse por ningún otro aspecto de lo que supuestamente es una “película”. De lo peor que he visto en mi vida. 

viernes, 26 de diciembre de 2014

Crítica: Horns (2014)

Adaptación de la novela de Joe Hill del mismo nombre publicada en 2010, la cual está dirigida por Alexandre Aja y cuyo guión fue escrito por Keith Bunin. Se estrenó tanto en cines como en VOD dentro de los Estados Unidos durante el mes de octubre, mientras que aquí en México recién llegó la semana pasada. Hasta el momento solo ha recaudado $3.1 millones de dolares. 

Sinopsis:

Después del misterioso asesinato de su novia, Ig Perrish (Daniel Radcliffe) tiene que lidiar con el odio de todo un pueblo debido a que él es el principal sospechoso y nadie parece dudar de su culpabilidad. Para empeorar las cosas, unos cuernos le empiezan a crecer; provocando que todo aquel que se le acerque se comporte de manera por demás extraña.

Comentarios generales:

Yo no he leído la novela y por ello mi interés sobre esta película se basaba exclusivamente por lo que había visto en el tráiler, provocándome mucho interés; además el último vínculo de su protagonista dentro del género no había salido del todo mal. Gracias a esto esperaba algo por lo menos entretenido que pudiera cerrar dignamente el año para las producciones importantes; sin embargo, si bien no me pareció mala, Horns nunca terminó por convencerme.

Es claro que Aja lo que pretende aquí es salirse un poco de su zona de confort de los últimos años y para ello nos regala un trabajo en donde inicia sin ningún tipo de arrepentimiento, estableciendo rápidamente un escenario hostil para el personaje central que lo convierte en uno por el cual sientas cierta empatía a pesar de las dudas existentes sobre si cometió o no el asesinato. Desarrollando no solo una historia romántica en extremo trágica, sino también una comedia negra que proporciona sin lugar a dudas los mejores momentos de la película; ofreciendo situaciones hilarantes que rayan peligrosamente en lo absurdo, pero que están tan bien manejadas que lo único que provocan es que quieras ver más y más interacciones de Perrish con habitantes del pueblo para saber sus oscuros secretos.

Esto hace que la primera hora sea muy disfrutable y se pase volando, pero una vez entrada la segunda es cuando las cosas empiezan a perder interés gracias a que poco a poco se va haciendo la inevitable transición a thriller detectivesco, lo cual en si no está mal; de hecho, es un paso lógico, pero no creo que sea bien llevado. Ciertamente la identidad del asesino no es tan complicada de descifrar si le pones atención a pequeños detalles de la infancia de los protagonistas y el abuso de los flashbacks hizo que empezara a sentirla pesada a pesar de que el ritmo se mantiene ágil.

El final no está mal ciertamente, es por mucho la parte más violenta del filme; aunque se siente que le dan demasiadas vueltas a algo que ves venir desde muchos minutos atrás. Pero igualmente Aja tiene la capacidad de darle un cierre bastante sólido a la relación romántica (que al final de cuentas es el punto central).

En las actuaciones sin duda Radcliffe puede estar tranquilo porque brinda una muy potente que finalmente lo alejará un poco de la sombra de Harry Potter, el tipo se desvive en su personaje para que simplemente no sientas odio hacia él a pesar de sus acciones; además de que los secundarios son un gran complemento en su mayoría. La producción es de buena factura: el trabajo de fotografía es notable (especialmente las partes dentro del bosque), la dirección de arte variada, tiene un buen soundtrack (aunque algo repetitivo), el trabajo de maquillaje resulta correcto y el CGI utilizado no luce mal.

Opinión final: Horns está meh. Tal vez sea únicamente recomendable para los fans de la novela o para aquellos que gustan de thrillers muy ligeros.

Ojometro:
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martes, 23 de diciembre de 2014

Crítica: Afflicted (2014)

Primer largometraje escrito y dirigido por la dupla Derek Lee/Clif Prowse, quienes además son los protagonistas. Se estrenó durante el mes de abril de manera limitada en cines y VOD dentro de los Estados Unidos;  mientras que su salida en formato físico se dio el 1 de julio. En muchos mercados llegará hasta el 2015.

Sinopsis:

Dos mejores amigos planean realizar el viaje de sus vidas alrededor del mundo documentando cada instante con sus cámaras para subirlo a internet; sin embargo, uno de ellos contrae una misteriosa infección en Paris. Ahora, en un lugar lejano y sin mucho tiempo, ambos tendrán que descubrir cómo combatirla antes de que sea demasiado tarde.

Comentarios generales:

Por alguna razón se me había pasado por completo checar esta película a pesar de que la tenia presupuestada desde hace al menos tres meses; tal vez fue por su formato o tal vez porque su premisa no me llamaba mucho la atención, pero me alegro haberla recordado. Ya que Afflicted es sin duda una de los trabajos más interesantes del 2014 y, sobre todo, un recordatorio de que el found footage puede ser sumamente efectivo cuando se utiliza de la manera correcta.

Y es que de inicio esto tiene absolutamente toda la pinta para ser un found footage genérico más, pero justo cuando crees que no habrá nada interesante los directores te presentan la idea detrás del “todo debe de ser filmado” e inmediatamente empiezas a ser bombardeado con buenas decisiones una y otra vez. Esto porque en lugar de regalarnos las típicas entrevistas o paseos sin sentido para consumir el mayor tiempo posible, aquí lo que vemos es una introducción de no más de 15 minutos que logra conectarte inmediatamente con los protagonistas, hacerte sentir empatía con ellos para que una vez que inicie la tragedia esta te golpee mucho más fuerte.

Sobre todo porque el tema de la infección toma un camino que nunca ves venir y aunque no es precisamente difícil descifrar de que trata una vez presentada, lo cierto es que el realismo implementado tanto para mostrar los síntomas como para lidiar con ellos hace que todo luzca por demás efectivo y provoque así una de las transformaciones más interesantes que recuerde. Esto gracias que nunca se tiene miedo a caer en lo absurdo; aquí nunca se trata de ocultar nada, te muestran todo de la manera más clara posible: el ritmo disminuye cuando hay que mostrar cambios físicos a detalle y aumenta para aquellos que tienen que ver con habilidades; bajo un manejo de la cámara sumamente estable que te permite captar prácticamente cada momento.

Esto último lo encontré vital debido a que es lo que ayuda a que casi todas las escenas importantes se sientan así, brindando además los elementos suficientes para que se puedan construir situaciones mucho más tensas de lo acostumbrado sin tener que recurrir al susto fácil cada cinco minutos.

La parte final es muy entretenida, especialmente porque cambia un poco el tono y se inclina más por la acción; regalándonos así algunas secuencias de persecución muy bien logradas, así como una conclusión que deja abierta una posible secuela.

En las actuaciones sin duda el hecho de que Lee y Prowse sean amigos en la vida real ayuda muchísimo con la química presentada en pantalla, lo cual brinda algunas escenas realmente potentes y otras muy chuscas. La producción es buena en líneas generales: la edición está muy bien cuidada, tiene un trabajo de sonido excelente y efectos simples, pero sumamente efectivos. Lo único que puede decepcionar un poco es el maquillaje considerando que no es tan espectacular para una historia de este tipo.

Opinión final: Afflicted me sorprendió gratamente. Un found footage que le agradará incluso a los mayores detractores de dicho formato.

Ojometro:
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De mi parte se les desea una feliz navidad, sea como sea que la festejen, a todos los que semana a semana se dan una vuelta por El Ojo del Horror.

sábado, 20 de diciembre de 2014

Crítica: Extraterrestrial (2014)

Película escrita y dirigida por The Vicious Brothers (Grave Encounters). Se estrenó vía VOD el 17 de octubre dentro de los Estados Unidos y en cines dentro del Reino Unido. Aquí en México es probable que llegue en 2015 con un estreno que pase totalmente inadvertido.

Sinopsis:

Un grupo de amigos va de fin de semana a una cabaña en el bosque. Lo que no saben es que en esa área han ocurrido una serie de desapariciones difíciles de explicar y cuando descubren que un ovni se ha estrellado cerca sus peores temores se harán realidad.




Comentarios generales:

Personalmente nunca he tenido una gran fascinación con los aliens u ovnis, por ello me resulta complicado encontrar interés en trabajos que los utilizan para generar terror. No es que crea que no se puede lograr eso con los aliens, pero salvo que sea una idea sumamente original casi siempre término encontrándolos aburridos o sin ningún tipo de aporte; cosa que sucede con Extraterrestrial.

Es muy claro que para esta película The Vicious Brothers tenían la intención de alejarse un poco del found footage después de que su anterior trabajo los catapultara como uno de los nuevos impulsores de dicho formato y, aunque si lo logran, lamentablemente lo hacen de la manera más genérica posible. Ya que esto es una mezcla de varios elementos característicos de diversos subgéneros que durante los primeros 20/25 minutos funcionan bien gracias a que se te presentan situaciones bastante espectaculares (la escena inicial es estupenda) y además toman un camino en donde no pretenden esconder lo que está ocurriendo; provocándote así una sensación de que esto al menos no te tendrá durante una hora aburriéndote con simples sonidos mientras la amenaza se mantiene en la oscuridad todo el tiempo.

Sin embargo, justo después de la escena de cuando se estrella el ovni las cosas se tornan repetitivas y en exceso predecibles; no aburridas, pero si en algo de muy poco interés debido a que sabes exactamente qué va a pasar en cada instante. Esto bajo un ritmo que se mantiene acelerado la mayor parte del tiempo, pero que no permite poder construir la tensión o el suspenso necesarios cuando las situaciones lo ameritan, obligando así a utilizar constantemente los sustos fáciles o un juego de luces rojas para agregarle más impacto a un conflicto que termina por estar muy cargado hacia un solo lado y nunca da espacio para poder desarrollar de manera decente otras situaciones presentadas que uno suponía iban a tener más relevancia.

La parte final se siente muy forzada. Realmente no creo que hubiera necesidad de trasladar la historia a ese escenario, no ocurre nada relevante como para poder justificarlo (aún con la tortura presentada).

Con respecto a las actuaciones no hay mucho que decir, ya que salvo por las breves apariciones de Emily Perkins y Michael Ironside nadie brinda algo digno de recordar. La producción no esta tan mal para el presupuesto que tuvo: el trabajo de sonido tiene una nota alta, la fotografía está ok y por ahí cuenta con un trabajo de maquillaje acertado en determinadas escenas. Aunque son los efectos los que más llaman la atención debido a que algunos en verdad están muy bien logrados para brindar espectacularidad y hay otros en donde el CGI luce demasiado pobre.

Opinión final: No diría que Extraterrestrial es mala, simplemente no te genera mucho. Opción para pasar el rato nada más.

Ojometro:
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miércoles, 17 de diciembre de 2014

Crítica: Asmodexia (2014)

Primer largometraje del director Marc Carreté, quien además de ser el productor ejecutivo también es co-escritor del guión junto con Mike Hostench. Se estrenó en diversas plataformas digitales dentro de los Estados Unidos durante el mes de septiembre y en noviembre llegó de manera limitada a cines dentro de España.

Sinopsis:

El exorcista Eloy de Palma (Lluís Marco) y su nieta Alba (Clàudia Pons) recorren durante cinco días las calles de Barcelona para ayudar a aquellos que han sido poseídos por el mal y liberar sus almas, esto mientras esperan la llegada del día de la resurrección.



Comentarios generales:

Actualmente es poco común ver películas de exorcismos que no estén filmadas bajo el formato de found footage; no es que no existan, pero cada vez son menos los trabajos bajo esta premisa que no se van por ese camino. A esto hay que agregarle que dicha temática parece estar más que gastada, donde todo (o casi todo) ya se contó y difícilmente se puede sorprender, pero afortunadamente Asmodexia deja en claro que todavía existen ideas originales allá afuera.

Ya que Carreté y Hostench nos traen básicamente una road movie en donde la meta principal no es regalarte un panorama desolador y sin vida como otros trabajos similares, sino mostrarte las experiencias de dos personajes que están destinados a algo verdaderamente grande por medio de un conjunto de exorcismos que, además de proporcionar las dosis de terror durante los poco más de 80 minutos de duración de manera más que efectiva, también son pieza fundamental para conectar poco a poco todos los hilos. Esto bajo una atmósfera bastante peculiar que se va construyendo por medio de la mezcla de escenarios contrastantes: por un lado tienes la soleada ciudad de Barcelona con ciertos puntos estratégicos para mostrar un bello panorama y, por el otro, lugares por demás tétricos, asquerosos; que lo que menos provocan es que uno se sienta cómodo al mirarlos, aunque se trate de lugares comunes.

Tiene un ritmo muy agradable que hace que nunca se vuelva pesada, incluso cuando presenta algunos lapsos en donde no pasa mucho y además añaden cierto aspecto detectivesco que se encarga de brindar un poco de calma para que los momentos de tensión no sufran de una saturación que les pueda quitar su efecto. El único “pero” que le encontré fue que su historia, si bien manejada de forma más que inteligente, termina dependiendo mucho de los flashbacks; los cuales no me parece que encajen del todo y pueden volver un tanto complejo algo que la verdad no debería de serlo.

La parte final presenta un giro genial que nunca vi venir, el cual cambia absolutamente todo y que ayuda a crear un impacto mucho mayor.

En actuaciones debo de decir que en general todo el casting hace un gran trabajo: Marco y Pons destacan por su tiempo en pantalla pero no hay nadie que desmerezca. La producción es discreta, pero bastante sólida: el trabajo de fotografía logra un estupendo balance entre las tomas soleadas en exteriores y los tonos oscuros en interiores; la dirección de arte está muy buen cuidada, el score es estupendo (por momentos eclipsa a lo que pasa en pantalla) y el trabajo de maquillaje cumple bastante bien. Lo único un tanto pobre son algunos efectos, pero son cosa menor.

Opinión final: Asmodexia es bastante buena. Sin duda una sorpresa muy grata para cerrar el año.

Ojometro:
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lunes, 15 de diciembre de 2014

Crítica: Silent Retreat (2014)

Primer largometraje de la directora Tricia Lee, quien además es la co-escritora del guión junto con Corey Brown. Se estrenó a mitad de año de manera limitada en cines dentro de Canadá y posteriormente durante el mes de septiembre salió en DVD y VOD; mientras que en los Estados Unidos salió en diversas plataformas digitales.

Sinopsis:

Janey (Chelsea Jenish) es enviada a un campamento para someterse al tratamiento de silencio y meditación en medio del bosque como parte de su rehabilitación. Estando ahí se vuelve rápidamente en alguien que rompe las reglas constantemente y gracias a eso se da cuenta que los hombres que dirigen el lugar les han estado lavando el cerebro a todas las internas; aunque eso no parece ser lo único perturbador del lugar.

Comentarios generales:

Cuando leí sobre Silent Retreat me llamó poderosamente la atención debido a que pocas propuestas dentro del género manejan el silencio como algo relevante y no sabía exactamente si esperar algo convencional o algo que se acercara de manera discreta al cine mudo. Así que después de una larga espera por fin llegó y aunque me decepcionó un poco el que dicho aspecto central fuera solo utilizado en parte, creo que en términos generales se logran buenos resultados.

Y es que esta es una película que bien se puede dividir en dos partes muy claras, siendo donde Lee se dedica exclusivamente a manejar las cosas en base al tema del silencio por mucho la más interesante.

Esto se da prácticamente durante todo el primer acto y en un breve lapso del segundo, generando una sensación de paranoia y una atmósfera de soledad increíblemente fuertes que se mezclan de manera ideal para brindarnos algunos momentos que, si bien no son precisamente aterradores, si le añaden algo distinto a las cosas; especialmente porque se toca un tema controvertido y se deja que sea el propio espectador quien saque sus conclusiones sobre lo que ocurre en dicho lugar. Aunque para hacerlo se maneja un ritmo que es lento, sin muchas prisas; el cual provoca que sientas como si lo que estuvieras viendo no llevara a ningún lado.

Luego está la otra mitad donde las cosas suben de intensidad, así como de ritmo, para introducir a una criatura peculiar que a muchos les hará recordar de cierto modo a The Descent y que dicta el inicio de la poca claridad dentro de la historia. Lo cual es una pena porque la criatura en si no es el problema, sino la poca lógica presentada para justificar su presencia: nunca te explican qué diablos es, por qué vive en el bosque o por qué te debe de importar lo que haga. De hecho, una vez que entra en la dinámica la película pierde toda su esencia y a pesar de que se hacen esfuerzos por querer integrar los aspectos iniciales estos terminan esfumándose en la violencia.

El final no está mal, es mucho más sangriento de lo que uno se imaginaria al inicio y le añaden cierta lógica al tema de la criatura.

En las actuaciones casi todo recae en Jenish y Robert Nolan, siendo este último el que brinda algunas de las mejores escenas. La producción en general tiene buena nota: la fotografía es sobria (ayuda mucho especialmente con la primera mitad) y los efectos/maquillaje son muy simples; aunque por ahí existe alguno que otro traspié con el trabajo de sonido en ciertos diálogos que se nota tuvieron que ser sobrepuestos. Mención aparte merece el score.

Opinión final: Silent Retreat me agrado. Es una pena que le agregaran algo innecesario pero en general vale la pena.

Ojometro:
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sábado, 13 de diciembre de 2014

Crítica: Zombeavers (2014)

Primer largometraje del director Jordan Rubin, quien además es co-escritor del guión junto con los hermanos Al y Jon Kaplan. La película se estrenó directamente en DVD en el Reino Unido y en salas de cine dentro de países como Austria y Alemania durante el mes de octubre; mientras que su llegada al continente americano está planeada para el 2015.

Sinopsis:

Tres amigas deciden pasar un tranquilo fin de semana en el lago para alejarse de los hombres y todo lo demás; sin embargo, su apacible estancia pronto se verá interrumpida por un grupo de castores zombies que habitan el lugar.  



Comentarios generales:

Hay que admitir que con el simple hecho de ver el tráiler de Zombeavers uno ya sabe perfectamente lo que le espera, no hay mucha ciencia al respecto y eso en cierto modo es algo bueno. Lo que nunca me imagine es que una película con una premisa tan ridícula pudiera resultar tan disfrutable.

Esto en gran parte se debe a que Jordan Rubi nunca se toma en serio lo que nos está mostrando y desde la primera escena establece de manera muy clara el tono que manejará por los siguientes 75 minutos; brindándole de paso un pequeño homenaje a The Return of the Living Dead que a más de uno le agradará no solo por lo que ve, sino por lo que escucha. A partir de ahí lo que presenciamos es un trabajo que realmente no tiene mucha profundidad, de hecho, durante los primeros 20/25 minutos maneja un humor bastante estúpido que se basa mucho en el sexo y eso puede causar un poco de malestar; especialmente porque convierte a los momentos planeados para añadir cierto “misterio” en unos totalmente irrelevantes.

Sin embargo, una vez que son revelados los castores zombies las cosas se vuelven caóticas, fluidas y extremadamente hilarantes; de pronto tienes ante ti una historia que presenta todos los elementos característicos de los filmes de zombies plasmados con unas criaturas que cada vez que aparecen en pantalla te harán reír tanto por su apariencia como por su comportamiento. Convirtiendo todo lo que ocurre en algo sumamente básico que podrás descifrar la mayoría de las veces, pero que a la vez es ideal para darte una idea de que los castores son mucho más inteligentes que los humanos; jugando así con el tema de que los animales se pueden adaptar mejor a ciertas condiciones que nosotros.

Lo único malo en toda esta parte es el triangulo amoroso que muestran, ya que no aporta absolutamente nada cuando en teoría debería de generar algún tipo de conflicto relevante.

Ya para la parte final se añade una nueva amenaza que realmente no me esperaba, lo cual le brinda mucho más violencia y sangre que no le viene nada mal.

Las actuaciones están muy en el tono que exige la historia y aunque hay un par de actores que si te desesperan, la verdad no creo que termine siendo un gran daño. En producción es limitada, pero si tiene tres cosas que destacar: su score, el trabajo de maquillaje y sus efectos prácticos. El primero porque tiene un aire ochentero muy agradable; lo segundo porque logra unas caracterizaciones bastante únicas y el tercero porque termina añadiéndole cierto toque visual de serie b que con el CGI simplemente no hubiera resultado (luciría más como película de Syfy).

* Contiene una escena post créditos

Opinión final: Zombeavers es bastante cómica y disfrutable. No es ninguna maravilla, pero difícilmente les aburrirá.  

Ojometro:
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miércoles, 10 de diciembre de 2014

Crítica: Tusk (2014)

Película escrita y dirigida por Kevin Smith (Red State), la cual está inspirada en una historia contada durante un podcast que él mismo conduce. Se estrenó en cines dentro de los Estados Unidos el pasado 19 de septiembre recaudando solo 1.8 millones de dólares en taquilla. Su salida en DVD se tiene planeada para el próximo 30 de diciembre.

Sinopsis:

Cuando el conductor de podcast Wallace Bryton (Justin Long) desaparece durante un viaje por Manitoba, su novia y su mejor amigo van a dicho lugar para poder hallarlo. Lo que no saben es que Wallace probablemente ya nunca será el mismo gracias a la locura de un hombre llamado Howard Howe (Michael Parks).


Comentarios generales:

Sin duda Red State fue un debut sorpresivo por parte de Kevin Smith dentro del género, tal vez no sea la película más original o impactante pero definitivamente hizo que muchos pudiéramos darle un voto de confianza con sus próximos trabajos. Gracias a eso es que Tusk se convirtió en uno de los más intrigantes del año, no solo por ser aparentemente el inicio de una trilogía, sino porque su premisa lucia demasiado loca, ideal para generar una comedia de horror de grandes proporciones gracias al conocido estilo de su director; aunque lamentablemente todo este potencial nunca se ve reflejado.

Y es que después de haberla visto me quedó muy claro el por qué fue un tremendo fracaso en taquilla, ya que lo que nos trae Smith es una historia raquítica cuyo principal sustento se basa en mostrar una situación en extremo bizarra que simplemente no da para más. Con la cual nunca se logra establecer de manera convincente el tono que pretende manejar y provoca que durante gran parte de su duración nunca te quede claro a qué tipo de público quieren atraer: el humor manejado nunca es lo suficientemente controvertido para catalogarla como una comedia negra, mientras que claramente la cuestión del terror es casi inexistente como para poder encasillarla en ese género.

Es como si se quedara perdida en el medio justificándose solo en lo raro, sin ningún otro tipo de merito.

Cuenta con un ritmo estable que ayuda a que no se sienta tan pesada, pero eso termina importando poco cuando uno de los puntos clave (la transformación de Bryton) es dejado fuera de cámara, quitándole así el único momento de genuino interés que se logra generar de manera eficiente por medio del gran esfuerzo de Michael Parks. Lo cual es una lástima porque una vez que se revela todo lo de la morsa el grado de locura presentado en ciertas escenas resulta muy potente y te hace pensar que las cosas subirán de tono; sin embargo, en lugar de eso lo que nos presentan es una búsqueda por demás desangelada que le quita fluidez a la película e incluso termina dejando en segundo plano la idea central.

El final no presenta muchas complicaciones y aunque el humor expuesto por medio del personaje interpretado por Johnny Depp es un tanto estúpido, creo que logra ofrecer una conclusión aceptable.

En las actuaciones sin duda es Parks quien se lleva la mayor atención al ser el responsable de brindar las escenas más significativas en el lado de la locura, pero de ahí en fuera nadie más resalta, ni siquiera Depp con su “súper secreto” personaje. La producción en general tiene buena factura: el trabajo de fotografía y la dirección de arte logran establecer una atmósfera gótica atractiva, el score es sólido y el trabajo de maquillaje no creo que sea espantoso, pero el hecho de que la transformación no se muestre de manera directa le quita ciertos puntos.

Opinión final: Tusk me pareció decepcionante. Probablemente solo la recomendaría para todos aquellos que son fans de toda la vida de su director.

Ojometro:
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domingo, 7 de diciembre de 2014

Crítica: Come Back to Me (2014)

Película escrita y dirigida por Paul Leyden, la cual está basada en la novela The Resurrectionist de Wrath James White. Se estrenó de manera limitada en cines durante el mes de julio dentro de los Estados Unidos, pero un par de meses después empezó a estar disponible en algunas plataformas digitales. Aún no se sabe si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Sarah (Katie Walder) y Josh (Matt Passmore) son una feliz pareja que vive en los suburbios, pero justo después de que un peculiar vecino se muda frente a su casa ella empieza a sufrir de extrañas experiencias. Al inicio parecen simples pesadillas o sonambulismo, pero pronto se dará cuenta que lo que le ocurre es algo totalmente fuera de su comprensión.

Comentarios generales:

Existen películas cuya rareza puede resultar tanto disfrutable como un total dolor de cabeza, esto porque muchos detalles son guardados lo más que se pueda con el propósito de que uno como espectador se sienta lo suficientemente intrigado con lo que está viendo y, por ende, provocando que exista un alto riesgo de aburrición difícil de soportar por un periodo prolongado de tiempo. Come Back to Me es de esta clase de películas, aunque el resultado es mucho mejor de lo que se podrían imaginar.

Lo que Leyden nos regala es una historia que en un inicio no parece tener mucho, la cual se centra principalmente en la pareja y con el personaje del vecino (Dale) rondando por ahí; del que sabemos que tuvo un pasado trágico pero realmente no mucho mas, salvo por su rareza perturbadora que hace que no le pierdas nunca la pista porque es obvio que guarda un secreto importante. Sin embargo, una vez que inician los problemas de Sarah es cuando las cosas empiezan a tornarse interesantes, sobre todo porque estos son manejados de manera muy inteligente para que no resulte tan sencillo entender lo que le pasa (¿Está loca? ¿Es sonámbula? ¿Alguien la acosa?) y aunque existen ciertas pistas que probablemente te puedan dar una idea de lo que ocurre, nunca son lo suficientemente convincentes como para poder descifrarlo en su totalidad.

Probablemente su mayor punto en contra es la repetitividad en la que cae a la mitad, de pronto no parece que algo importante pudiera ocurrir en la evolución de los eventos; convirtiendo el ritmo general en uno muy pausado. Esto hasta que por fin se te revela todo lo que ocurre de manera plena, sin esconder nada, lo cual ciertamente es algo muy gratificante por su originalidad (es algo que no te esperas) a pesar de que nunca encuentran la forma de poder explicar todo lo que gira en torno a los origines de las habilidades de Dale y sus extrañas obsesiones; simplemente te lo ponen ahí para que saques tus propias conclusiones cuando creo que esto pudo darle un poco más de sustancia a la historia.

La parte final es muy buena, ya que todo encaja a la perfección aún con los huecos previamente mencionados y nos brinda una última escena increíble que te toma por sorpresa.

En actuaciones Walder me pareció bastante acertada en su rol, logra por grandes lapsos reflejar una locura/depresión muy sólida; igualmente Nathan Keyes como Dale logra buenas cosas, a pesar de que su tiempo en pantalla es un tanto limitado. De la producción no hay grandes quejas, pero tampoco hay mucho que resaltar: el score es decente, la fotografía realmente no resalta y el trabajo de efectos/maquillaje resulta muy básico para un número muy de limitado escenas.

Opinión final: Come Back to Me está entretenida. Su rareza la vuelve única dentro de todo lo que ha salido en este 2014 y por eso vale la pena echarle un vistazo.

Ojometro:
***

jueves, 4 de diciembre de 2014

Crítica: [REC] 4: Apocalipsis (2014)

Cuarta entrega de la saga dirigida y co-escrita por Jaume Balagueró, quien regresa al mando después de su ausencia en Génesis. Se estrenó en España el pasado 31 de octubre y aquí en México durante la semana pasada; mientras que en los Estados Unidos llegará a cines hasta el 2015.

Sinopsis:

Ángela Vidal (Manuela Velasco), la única superviviente de la terrible infección, es evacuada del edificio por el ejército y como modo de contingencia es recluida en un barco hasta que encuentren una vacuna para el virus. Sin embargo, cuando parece que finalmente la situación ha sido controlada, el caos vuelve a desatarse y el peligro resulta mucho más aterrador.

Comentarios generales:

REC es una saga peculiar: la primera película está en mi top 15 de las mejores de la década pasada, pero REC 2 creo que es un bodrio descomunal; mientras que REC 3 es una cosa rara que bien se pudo haber evitado. Y es que contrario a muchísimos fans que aman la mezcla de infectados/posesiones que se generó a partir de la segunda entrega, yo nunca la pude digerir; de hecho, siempre he pensado que terminó por crearle un problema muy grande a la franquicia dado a que provocó la existencia de dos corrientes totalmente opuestas en donde era básicamente imposible brindarles un seguimiento adecuado al mismo tiempo, lo cual se notó con Génesis y ahora también aquí.

Ya que Balagueró con Apocalipsis lo que hace es en cierto modo regresar a las bases que sentaron el universo de REC, volviendo directamente a donde se quedo la segunda parte y a partir de ahí ofrecer una solución lo suficientemente convincente en el tema de los infectados. Desde los primeros minutos notas que su intención es generar nuevamente esa atmósfera claustrofóbica característica a pesar de que ahora el escenario presenta un poco más de complicaciones y dada la evolución que se sufrió en cuanto al formato tiene que encontrar la manera de lograr esa sensación de found footage por medio de secuencias que involucran mucho movimiento de la cámara; las cuales por momentos pueden llegar a resultar un tanto fastidiosas, pero que al final de cuentas cumplen con su propósito de manera acertada.

Aunque lo más interesante viene en el hecho de que el director prácticamente desecha de manera inmediata la cuestión de las posesiones, no la deja olvidada porque si hay alguna que otra mención (incluso un personaje que te la recuerda), pero resulta evidente que su propósito es alejarse de esta para así desarrollar mucho mejor la idea del virus. Situación que lo obliga a replantear ciertas cosas y con ello desperdiciar algunos minutos en dicho proceso; donde se siente que por más que lo intentan siguen sin proporcionarte respuestas sólidas sobre la amenaza, pero una vez solventado este problema la acción simplemente no para: el ritmo se vuelve frenético, con persecuciones y acciones sangrientas que le añaden muchísimo impacto visual.

Otra cosa para resaltar es que esta es por mucho la entrega más “seria” de todas, si tiene alguno que otro toque cómico, pero claramente se nota que esta era la parte donde tenía más injerencia Paco Plaza.

El final no está mal, regala una de las secuencias con más tensión de toda la franquicia y plantea con muchísima lógica el tema del parásito, pero no creo que sea lo suficientemente contundente para un cierre definitivo.

Con respecto a las actuaciones puedo decir que traer de regreso a Manuela Velasco fue un gran acierto, su personaje presenta una evolución notoria y básicamente es ella quien se encarga darle fuerza a este rubro. La producción en general es buena: el trabajo de fotografía es muy bueno y ayuda a recrear perfectamente el ambiente de las primeras entregas, el sonido es bestial, el trabajo de maquillaje realmente no presenta ninguna mejora con respecto a las anteriores pero sigue siendo sólido y los efectos en esta ocasión son mucho más espectaculares; especialmente en los minutos finales.

Opinión final: Apocalipsis gustará o disgustará dependiendo mucho de la vertiente que más les haya atraído en las tres entregas anteriores. En mi caso siempre fui más adepto al tema del virus y por ello esta cuarta entrega me gustó, aunque entenderé perfectamente a quienes no.

Ojometro:
****

martes, 2 de diciembre de 2014

Crítica: Killer Mermaid (2014)

Producción serbia dirigida por Milan Todorovic (Zone of the Dead), cuyo guión fue escrito por Marko Backovic, Barry Keating y Milan Konjevic. Se estrenó a inicios de año en su país de origen, pero no fue sino hasta el pasado mes de septiembre que salió a la venta en DVD dentro de los Estados Unidos.

Sinopsis:

Dos jóvenes norteamericanas van de viaje al Mediterráneo para visitar a un viejo amigo y disfrutar de los placeres del lugar, pero en su visita a una isla que alberga una base militar descubren un aterrador secreto: una sirena asesina que habita el lugar. Ahora algo que se trataba solo de un simple paseo terminará siendo una batalla por sobrevivir.

Comentarios generales:

Para ser sincero, al momento que supe de esta película lo primero que se me vino a la mente fueron las producciones de Syfy debido a que al leer la sinopsis y ver el tráiler resulta inevitable pensar en eso; especialmente porque no te imaginas ningún otro lado donde pudieran utilizar a una sirena como criatura asesina. Sin embargo, para mi sorpresa Killer Mermaid siempre trata de hacer su mejor esfuerzo para ser algo más que una simple película de monstruos, aunque fracase en su intento.

La verdad es que la primera media hora no tiene mucho que destacar salvo por la revelación de que existe un peligro en el agua sin que se muestre su forma; de ahí en fuera todo se limita a ver a los protagonistas vacacionando por el paradisíaco lugar, emborrachándose, sacando a relucir problemas amorosos del pasado y a hacer un despliegue del trabajo de fotografía muy efectivo para enaltecer el bello paisaje. Realmente Todorovic se toma su tiempo para crear interés en uno, volviendo las cosas un tanto aburridas y sin muchas situaciones que destaquen en el proceso de ir generando misterio; su meta es más que nada tratar de que los personajes sean lo suficientemente agradables para que una vez que inicie la matanza sientas tristeza por ellos, pero eso realmente nunca se da.

Es una vez que entran a la isla cuando las cosas se ponen interesantes y se logra generar una dinámica que, si bien es repetitiva, resulta mucho más ágil. Por momentos se vuelve un slasher hecho y derecho, con una persecución que regala alguno que otro momento gráfico para ir preparando el camino de la revelación de la sirena, la cual no está mal, pero termina sintiéndose muy floja gracias a que nunca muestran gran cosa en cuanto a su carácter violento; dejando las muertes fuera de cámara o simplemente haciéndolas carentes de emoción (solo ahoga a sus víctimas).

El final es a mi juicio lo mejor. Tal vez no sea lo suficientemente violento pero termina por unir todas las piezas de manera coherente y deja abierta la posibilidad de una secuela que resultaría mucho más hilarante aun en su idea.

Las actuaciones no son nada para destacar, entre el ingles poco fluido y las reacciones forzadas por parte de todo el elenco es complicado encontrar algo positivo. En cuanto a la producción se nota de poco presupuesto, aunque tiene algunas cosas buenas: la fotografía como mencione antes ayuda mucho, no solo con el paisaje en exteriores, sino también dentro de la base militar al momento de generar una atmósfera mucho más siniestra; además los efectos son aceptables con respecto a la sirena, aunque evidentemente se hace mucho uso del CGI.

Opinión final: Killer Mermaid (o Nymph) resulta curiosa por su premisa, pero más allá de eso realmente no tiene mucho que ofrecer.

Ojometro:
**

domingo, 30 de noviembre de 2014

Crítica: Starry Eyes (2014)

Película escrita y dirigida por la dupla Kevin Kolsch / Dennis Widmyer, quienes después de algunos años de ausencia regresan al género. Se estrenó el pasado 14 de noviembre dentro de los Estados Unidos vía iTunes y diversas plataformas digitales.

Sinopsis:

Sarah Walker (Alexandra Essoe) está determinada a ser la próxima gran estrella de Hollywood, pero en ese proceso se ve atrapada en un trabajo sin futuro, amistades tóxicas y cientos de castings sin éxito. Esto hasta que un día asiste a una audición por parte de un viejo estudio donde consigue el papel principal, aunque se dará cuenta que con dicha oportunidad también vendrán extrañas ramificaciones que la cambiarán tanto física como mentalmente.

Comentarios generales:

La búsqueda de fama en Hollywood a cualquier costo es un tema muy utilizado dentro del cine, no solo en el género de terror, sino en muchos otros que lo ven como una plataforma ideal para expresar su visión sobre algo que lleva años presente en el mundo laboral en general. Por ello Starry Eyes es un trabajo con el cual seguramente muchos se identificarán de algún modo e incluso por breves momentos les hará cuestionarse sobre si esto es una película de terror.

Y es que Kolsch y Widmyer hacen un retrato muy convincente sobre una actriz que en su deseo por querer brillar tiene que vivir situaciones poco sanas, rodeada de individuos que en su mayoría no le aportan nada a pesar de que ellos mismos buscan, en teoría, lo mismo que ella: grandeza. Desde un inicio sabemos que Sarah no es alguien común, lo cual provoca que el espectador sienta bastante afecto por ella a pesar de su comportamiento por demás extraño y sus decisiones que a todas luces parecen precipitadas dadas las rarezas suscitadas en las audiciones; presentando así un conflicto personal que la ve tratando de hacer lo que piensa que es correcto, pero termina por caer en una trampa mucho más siniestra.

Todo bajo un ritmo muy bien controlado, más pausado que ágil, pero que nunca llega a sentirse pesado y ayuda bastante a digerir la lenta transformación de la protagonista, quien pasa de ser una sexy soñadora a un cuerpo que sufre de una dolorosa descomposición constante (muy similar al que vimos en Contracted el año pasado). Probablemente su punto flaco es que no existe mucha explicación con respecto al estudio/secta que hay detrás de lo que le ocurre; si, sabemos que está sufriendo de algún tipo de nuevo renacer, pero ¿por qué? Simplemente nos brindan algunos símbolos y la presencia de individuos con un carácter peculiar, sin la certeza de saber si son algo más que simples humanos fascinados con lo oculto.

El final es potente, muy bueno en realidad. Después de prácticamente una hora de estar dosificando las cosas los directores quitan el freno de mano para que esto quede lo más brutal posible; con mucha sangre y violencia que terminan dándole un sentido muy oscuro a la transformación de Sarah.

En las actuaciones Alexandra Essoe hace un buen trabajo en general, por momentos se nota algo perdida pero cuando empieza sus etapa de decadencia la verdad ofrece grandes cosas; mientras que el resto del elenco ofrece poco o nada para destacar, salvo el look extraño de algunos miembros del estudio. La producción es bastante sólida: el estilo visual que impone el trabajo de fotografía logra una combinación entre lo deprimente y lo bizarro muy interesante, el score tiene un estilo retro increíble que encaja a la perfección con lo que sucede en pantalla y los efectos de maquillaje están geniales durante la transformación; además los amantes del gore quedarán complacidos con el clímax.

Opinión final: Starry Eyes me gustó. Puede parecer un tanto simple, pero si uno no solo se enfoca en lo obvio la disfrutará bastante.  

Ojometro:
**** 

jueves, 27 de noviembre de 2014

Crítica: The Canal (2014)

Producción irlandesa escrita y dirigida por Ivan Kavanagh (Tin Can Man). Se estrenó de manera limitada en cines, VOD y diversas plataformas digitales el pasado 10 de octubre dentro de los Estados Unidos. Aún no existe información sobre si será distribuida en formato físico o si llegará a otros países.

Sinopsis:

David (Rupert Evans) trabaja como archivador de viejas películas y un día encuentra una de 1902 que muestra un mortal asesinato ocurrido en su casa. Al mismo tiempo empieza a sospechar que su esposa lo está engañando con alguien más, la cual una noche desaparece y cree que algo súper natural vinculado con dichos asesinatos tiene que ver… aunque para las autoridades él es el principal sospechoso.

Comentarios generales:

Existen películas que suelen ser muy obvias en su progreso y aun así terminan generando grandes sensaciones por diferentes causas que al final convierten la experiencia en una mucho más placentera. The Canal sin duda es una de ellas, aunque en este caso dicha predictibilidad terminó por hacer que no la disfrutara de manera plena.

Lo que tenemos aquí es un trabajo que presenta muchos puntos verdaderamente altos en su realización gracias a que Kavanagh logra generar una atmósfera realmente impresionante que desde el primer instante transmite una sensación de soledad/locura como pocas y que ayuda a establecer rápidamente el tono general de la historia. La cual, dicho sea de paso, no es para nada compleja; de hecho, es un tanto común, pero ahora presentada desde el lado de un esposo cuya salud mental se va destruyendo poco a poco ante la horrible situación que vive, cambiando la dinámica que por lo regular está más vinculada con personajes femeninos y brindándole así cierta frescura que resulta vital para que uno adquiera interés o no en lo que está por venir.

El problema es que una vez que muere la esposa la película se vuelve en extremo repetitiva, no solo porque sabes claramente qué es lo que ocurrió, sino porque el personaje de David se ve involucrado en una serie de situaciones en las cuales, más que sentir pena por él y empezar a dudar sobre su culpabilidad, provocan cierto hartazgo ante lo tremendamente ridículas que son algunas de sus acciones para demostrar que un fantasma está detrás de todo. También cuenta con cierta investigación, un tanto irrelevante, pero que ayuda a darle más contenido y gracias al ritmo fluido implementado nunca se siente cansino; además de que la implementación de ciertos sustos fáciles y flashbacks igualmente aportan cierto grado de tensión que por momentos se pierde.

El final es predecible, lo cual para muchos puede no importar pero para mí terminó afectando bastante al no presentar realmente nada que pudiera crear algo de duda. Esto a pesar de que el tercer acto en general es por mucho el más gráfico y cuenta con algunas escenas de impacto que cumplen totalmente con su cometido para que se te queden en la cabeza por su crudeza.

En actuaciones no hay mucho que recriminar, ya que Evans en general logra sacar adelante su papel y los secundarios son un buen complemento a pesar de que todos cuentan con tiempo limitado en pantalla. La producción no decepciona: el trabajo de fotografía es el alma de la película, generando un contraste muy interesante con los tonos opacos y colores chillones de los sets, el sonido es otro punto alto y los efectos/maquillaje, si bien muy dosificados, cuando son desplegados de manera relevante resultan muy efectivos.

Opinión final: The Canal es un hit or miss dependiendo de cómo digieran su desenlace. Aún así no es un mal trabajo en lo absoluto.

Ojometro:
***

lunes, 24 de noviembre de 2014

Crítica: As Above, So Below (2014)

Película dirigida por John Erick Dowdle (The Poughkeepsie Tapes), cuyo guión co-escribió junto con su hermano Drew Dowdle. Se estrenó en cines dentro de los Estados Unidos durante el mes de agosto, recaudando hasta la fecha $40.2 millones de dólares en taquilla a nivel mundial. Está disponible en formato digital desde el 18 de noviembre y su salida en físico está planeada para el 2 de diciembre.

Sinopsis:

Cuando un grupo de exploradores se aventura a entrar a las catacumbas debajo de la ciudad de Paris, estos descubren un secreto que lleva oculto durante cientos de años en la denominada ciudad de los muertos. Sin embargo, conforme más se adentran en las profundidades empezarán a enfrentar demonios del pasado que no pretenden dejarlos salir de ahí.

Comentarios generales:

Es bastante sorprendente que las catacumbas de Paris sigan sin ser lo suficientemente explotadas dentro de este género cuando por si solas brindan no solo el escenario perfecto para poder crear cosas interesantes desde el aspecto visual, sino también una amplia cantidad de opciones desde el lado creativo. De momento solo recuerdo dos trabajos que las involucren y probablemente As Above, So Below es el mejor de estos.

Los hermanos Dowdle nos traen un found footage cuyo principal atractivo en el papel son precisamente las propias catacumbas, pero en realidad con el paso de los minutos se te va revelando que existe algo mucho más complejo detrás que la convierte en una película un tanto ajena a lo convencional dentro de esta clase de historias. Evidentemente tiene todos los elementos que las caracterizan, pero lo que la hace diferente es toda la parte de acertijos y pistas que el grupo va resolviendo durante su camino, donde el propósito principal es que tú como espectador no dejes de poner atención ni un solo instante mientras se van adentrando en las profundidades de un lugar que, si bien no es lo suficientemente explotado, es vendido de manera acertada como un tipo de infierno dentro de este mundo. Además de que todo esto le brinda un dinamismo poco común.

Lamentablemente una vez que la mayoría de los acertijos importantes se ven resueltos la película cae en un bache muy notorio, empezando a dar vueltas sobre los mismos puntos una y otra vez; aunado a que la sensación claustrofóbica que supuestamente deberían de generar nunca se siente. De hecho, salvo por una escena muy bien lograda casi al inicio, esto no parece ser un punto importante a tratar y aunque si cuenta con algunos buenos sustos, así como algunas escenas de impacto bien logradas, nunca sentí que existiera ese gran momento que se te va a quedar en la cabeza durante varias horas.

El final puede resultar confuso si no se le pone suficiente atención, pero en términos generales me pareció sólido gracias a que juega más con el lado psicológico y se sale de los estándares comunes vistos en los found footage en su conclusión.

Las actuaciones son aceptables, el grupo desarrolla buena química y eso se debe a que se comportan de manera coherente la mayor parte del tiempo; aunque Perdita Weeks en su personaje de Scarlett por momentos resulta un tanto desesperante. La producción en general es pobre: el trabajo de iluminación deja mucho que desear y lo que supuestamente es la atracción principal es poco visible; el sonido es aceptable y los pequeños efectos utilizados difícilmente resaltan.

Opinión final: As Above, So Below está aceptable. No es nada excepcional pero cumple perfectamente con su cometido.

Ojometro:
***