Crítica: Never After Dark (2026)

Película escrita y dirigida por Dave Boyle. Se estrenó en cines dentro de Japón a mediados de año, mientras que su salida en VOD se dio el pasado 27 de octubre.

Sinopsis:

Airi (Moeka Hoshi) es una médium que ayuda a exorcizar a las almas perdidas. Aunque durante un trabajo dentro de una casa aislada se topará con una peligrosa entidad cuyos orígenes se encuentran llenos de oscuros secretos y la pondrá frente a una amenaza inesperada.

Comentarios generales:

No son pocas las personas que piensan que el cine de terror japonés lleva estancado desde hace varios años y ante el crecimiento exponencial del cine de terror coreano (e incluso el tailandés) esa percepción solo se ha magnificado en tiempos recientes. Por ello es que con cada nueva producción japonesa existen dudas respecto a lo que puede llegar a ofrecer y no generan tanta expectativa, pero Never After Dark es uno de esos ejemplos que demuestran que siempre habrá películas que valen la pena.

Ya que lo traído por Boyle, si bien no presenta nada particularmente nuevo, al menos trata de reinventar un poco las ideas convencionales del cine de terror japonés y nos pone frente una historia sobrenatural en la que hay fantasmas, pero estos no son los que definen todo lo que ocurre. Lo cual conlleva a que la primera mitad de la película no sea la más emocionante debido a que se prioriza la construcción del misterio bajo un ritmo pausado con el que no es necesario sobreexplotar al espíritu y brinda el espacio necesario para establecer a Airi como una alma solitaria de personalidad rebelde que, en realidad, nunca está sola.

Siendo precisamente ese comportamiento rebelde el medio principal para ir incrementando el nivel de tensión conforme ella ignora cada una de las señales o consejos que se le van cruzando en su camino y eso desencadena algunas de las escenas de mayor intensidad en este punto. Llevándonos por una serie de sucesos que hacen suponer que el misterio va hacia determinada dirección, pero de a poco se van dando situaciones que cambian por completo el rumbo de las cosas para que exista un agradable factor sorpresa con el que se puede construir una parte final mucho más potente.

La cual indudablemente cumple con su cuota de sangre para que la amenaza resulte mucho más seria; sin embargo, su principal fortaleza radica en que logra combinar elementos sobrenaturales con violencia más “terrenal” sin que se sienta como algo forzado dentro de un desenlace cuya meta es ser de todo, menos uno alegre.

En lo que se refiere a las actuaciones tenemos a una Moeka Hoshi que no lo hace mal, tal vez no sea tan carismática pero muestra un buen rango emocional para lograr que su personaje vaya generándote mayor empatía conforme avanzan los minutos. Mientras que el grupo de secundarios cumple con roles no tan demandantes.

Y en cuanto a producción nos encontramos con una factura de buen nivel: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte está bien cuidada, el score es agradable, el trabajo de sonido no tiene fallos, los efectos están bien hechos y la labor de maquillaje resulta efectiva.

Opinión final: Never After Dark me gustó. Buena película de fantasmas que trata de salirse un poco del típico estilo del cine de terror japonés.

Ojometro:
****

Crítica: Crawlers (2026)

Película dirigida por Ángel Gómez Hernández, cuyo guión fue escrito por Jayson Rothwell. Se estrenó en cines dentro de los Estados Unidos a mediados de octubre, mientras que su salida en VOD se dio justo este 10 de noviembre.

Sinopsis:

Los residentes de los apartamentos Paradiso Palms luchan contra una mortal invasión de arañas y su única esperanza de supervivencia recae en Serena (Matilda Lutz), la astuta administradora del edificio.  

Comentarios generales:

Cuando se trata de hacer películas sobre arañas por lo general solo hay dos opciones viables: volverlas gigantes o convertirlas en una amenaza dentro de un espacio reducido. Por ello es que no existe mucha variedad en este tipo de producciones y eso las vuelve poco atractivas para muchas personas, siendo este el caso más probable con Crawlers.

Ya que lo traído por Ángel Gómez Hernández difícilmente va a satisfacer a aquellos que busquen una experiencia con ideas frescas dado a que su única meta es entretenerte por medio de la historia más estándar posible sobre arañas asesinas. Lo cual de inicio puede que no sea tan fácil de percibir debido a que la presentación de los personajes es un tanto desangelada y la manera de establecer la presencia de las arañas en el edificio carece del impacto necesario como para lograr que se puedan considerar un peligro lo suficientemente interesante que pueda sostener lo que está por venir.

Algo que afortunadamente se va corrigiendo de a poco conforme se construyen escenas que en realidad no son tan espectaculares, pero si efectivas al momento de ir colocando las piezas en el lugar necesario para que las arañas resulten un riesgo creíble ante lo complejo que es contenerlas por la cantidad absurda que invade el lugar. Incrementando así el nivel de tensión y generando una dinámica ágil durante un segundo acto en el que se atreven a mostrar algunas muertes en pantalla para añadir cierta intensidad; sin embargo, también es un tanto decepcionante el ver que varias se dan fuera de cámara.

Gracias a esto se llega con un buen impulso a una parte final que no arriesga demasiado y se va por un camino un tanto predecible, aunque eso no evita que su resolución sea entretenida. Sobre todo porque durante el enfrentamiento final el grado de exageración es alto y eso, en lugar de ser perjudicial, te termina dejando sensaciones más positivas de lo que se esperaría.

Las actuaciones están bien, tal vez algunas son más exageradas que otras, pero cumplen. Mientras que en producción también es bastante discreta: el trabajo de fotografía no está mal, la dirección de arte es decente, el score no resalta, el trabajo de sonido es sólido, los efectos son simples y la labor de maquillaje efectiva.

Opinión final: Crawlers está ok. Película estándar de arañas asesinas para pasar el rato.

Ojometro:
***

Crítica: Buddy (2026)

Película dirigida por Casper Kelly (Mandy), quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a Jamie King. Se estrenó en cines dentro de los Estados Unidos durante el mes de agosto, mientras que su salida en VOD se dio el pasado 13 de octubre y su salida en formato físico está confirmada para el próximo 8 de diciembre.

Sinopsis:

En el colorido mundo de "¡Es Buddy!", un grupo de niños pasa sus días cantando, bailando y ayudando a su amigo Buddy a repartir alegría. Pero cuando un niño se niega a seguirles el juego, el enorme unicornio naranja se enfada y empiezan a aparecer grietas en este mundo aparentemente perfecto.

Comentarios generales:

No se necesita ser alguien muy perspicaz para saber a qué popular personaje infantil de los 90s utiliza Buddy como referencia y por eso mismo es que la película llamó tanto la atención siendo una producción pequeña. Simplemente existe un morbo infinito por poder ver a versiones retorcidas de lo que era aquel dinosaurio morado en su época de mayor fama y sin duda este proyecto es el que nos ha regalado la mejor de todas hasta el momento.

Y mucho de esto se debe a que Kelly y King entienden a la perfección que no solo basta con parodiar al personaje central, sino que todo el entorno es importante para lograr una mejor inmersión dentro de esta clase de historias. Por lo cual los primeros 30 minutos se encuentran totalmente situados dentro del pintoresco show de TV para que rápidamente se pueda presentar un marcado contraste con respecto a la personalidad psicópata de Buddy y en base a eso ir construyendo una problemática sencilla que va incrementando su nivel de intensidad conforme las muertes se empiezan a dar en pantalla.

Brindándole así un ritmo agradable a las acciones y, sobre todo, estableciendo un tono de total desesperanza para las víctimas dentro de una atmósfera colorida que genera una sensación de rareza muy peculiar. Aunque también hay que decir que una vez pasada la primera mitad de la película las cosas se estancan un poco debido a que no existe demasiada profundización con respecto al show y, cuando se introducen nuevos personajes con la supuesta intención de hacerlo, su aporte es ínfimo y por lo consiguiente se tienen algunos minutos en los que sientes que lo presentado no va hacia ningún lado. 

Algo que afortunadamente logran corregir durante una parte final en la que predomina el caos y no disminuye en lo absoluto el riesgo para el elenco infantil. Ayudando con esto a mantener a Buddy como un verdadero maniático con el que se puede llevar a cabo un desenlace que deja preguntas sin responder, pero que es lo suficientemente violento y exagerado como para satisfacer al espectador. 

Las actuaciones están bien, Keegan-Michael Key como la voz de Buddy hace un trabajo impecable y los niños en general cumplen con sus propósitos de buena forma. Aunque la presencia tan intrascendente de Cristin Milioti (Grace), Topher Grace (Ben) y Clint Howard (George) deja un sabor un poco amargo considerando que pudieron tener un mucho mejor uso.

Y en cuanto a producción se puede ver una buena factura: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte impecable, el score es buen complemento, el trabajo de sonido no tiene fallos, los efectos son de buena calidad y la labor de maquillaje cumple.

Opinión final: Buddy me gustó. Película que sabe aprovechar el eterno morbo para poder brindar una experiencia divertida.   

Ojometro:
****

Crítica: V/H/S/Mixtape (2026)

Novena entrega de la franquicia, la cual cuenta con la participación de seis distintos directores. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 3 de octubre, aunque no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Antología con seis nuevas historias en donde la música y el sonido se convierten en la fuente de todos los horrores posibles.

Comentarios generales:

Durante sus 14 años de existencia ha sido evidente que V/H/S es una franquicia compleja de sostener en cuanto al estándar de calidad se refiere y mucho más desde que decidieron volverla anual en 2021. Sin embargo, tras dos entregas muy bien recibidas parecía que la estabilidad por fin había llegado y eso generó un nivel de confianza un tanto atípico, la cual V/H/S/Mixtape se ha encargado de destrozar en un poco más de noventa minutos.  

Y es que con esta novena entrega se puede notar que volvieron los problemas de siempre, obligando a tener que recurrir a ciertas trampas en la conformación de la antología. Situación que termina afectando el ritmo de esta y pone evidencia que la temática elegida no fue lo suficientemente interesante como para poder lograr la cohesión necesaria entre las historias.   

En cuanto a la producción tenemos cuatro cortometrajes que mantienen una estética más o menos similar y con un manejo de efectos de una calidad competente. Aunque existen otros dos que desentonan por completo. 

Pasando a los cortos:

“Gwar is…”

No es una historia enlace como tal, sino más bien se trata de una serie de segmentos aburridos con los miembros de la banda de heavy metal Gwar haciendo muchas tonterías bajo su característico estilo “grotesco” que puede funcionar o no dependiendo de cada persona.

"Dance, Dance, Dance, Dance" (Renee Zhan)

Una historia predecible sobre marionetas asesinas cuyo principal atractivo es la presencia de Barbara Crampton y algunas creaciones por parte de la Jim Henson’s Creature Shop.

No tiene nada particularmente terrible, es funcional; sin embargo, el trabajo con la cámara no es el más eficaz y por lo mismo su mayor atractivo (las marionetas) no se puede explotar de la mejor manera al momento de exponer la masacre que desatan.

* Cuenta con una escena post créditos

“Another Cabin” (Flying Lotus)

Un corto animado con la espectacular duración de 2 minutos con 40 segundos del que, más allá de su peculiar estilo de animación, no se puede decir demasiado porque es imposible desarrollar algo interesante en tan poco tiempo. 

“Heartbeat” (David Moreau)

De todos los cortometrajes, este el único que utiliza el sonido y no la música para desarrollar su idea. El problema es que es sumamente aburrido al manejar un concepto de “creadores de contenido” que desgasta rápidamente la experiencia ante tanto dialogo vació y exploración intrascendente, evitando que uno pueda disfrutar la atmósfera claustrofóbica que logran generar.

“The Music of Mr. Sze” (Ernest Dickerson)

En gran parte se trata de una adaptación del cuento de H.P Lovecraft, “The Music of Erich Zann”.

Su primera mitad es poco memorable e incluso algo caricaturesca gracias a los personajes secundarios, pero por lo menos durante su segunda mitad logra ir desarrollando un misterio decente al que le terminan haciendo falta más minutos para poder funcionar mejor. Aunque el despliegue técnico durante su parte final resulta destacado.

“Premature Burial” (Tobias Forge)

Este es literalmente un video musical de una canción del mismo nombre interpretada por la banda Repugnant. Y aunque visualmente presenta cosas llamativas, lo cierto es que solo se utiliza como vil relleno.

“Death Tone” (RZA)

Por mucho el mejor corto de todos.

La premisa en si puede resultar algo absurda, pero su manera de sobrellevar todo el aspecto del ocultismo por medio de una serie de muertes de alto impacto hace que eso no importe demasiado. En especial cuando la dinámica general siempre mantiene al espectador atento por saber qué clase de locura hará la protagonista para lograr su objetivo, provocando una intensidad constante que se disfruta bastante.

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Opinión final: V/H/S/Mixtape es decepcionante. Un retroceso evidente que la posiciona como una de las peores entregas de la franquicia.  

Ojometro:
**