Crítica: Buddy (2026)

Película dirigida por Casper Kelly (Mandy), quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a Jamie King. Se estrenó en cines dentro de los Estados Unidos durante el mes de agosto, mientras que su salida en VOD se dio el pasado 13 de octubre y su salida en formato físico está confirmada para el próximo 8 de diciembre.

Sinopsis:

En el colorido mundo de "¡Es Buddy!", un grupo de niños pasa sus días cantando, bailando y ayudando a su amigo Buddy a repartir alegría. Pero cuando un niño se niega a seguirles el juego, el enorme unicornio naranja se enfada y empiezan a aparecer grietas en este mundo aparentemente perfecto.

Comentarios generales:

No se necesita ser alguien muy perspicaz para saber a qué popular personaje infantil de los 90s utiliza Buddy como referencia y por eso mismo es que la película llamó tanto la atención siendo una producción pequeña. Simplemente existe un morbo infinito por poder ver a versiones retorcidas de lo que era aquel dinosaurio morado en su época de mayor fama y sin duda este proyecto es el que nos ha regalado la mejor de todas hasta el momento.

Y mucho de esto se debe a que Kelly y King entienden a la perfección que no solo basta con parodiar al personaje central, sino que todo el entorno es importante para lograr una mejor inmersión dentro de esta clase de historias. Por lo cual los primeros 30 minutos se encuentran totalmente situados dentro del pintoresco show de TV para que rápidamente se pueda presentar un marcado contraste con respecto a la personalidad psicópata de Buddy y en base a eso ir construyendo una problemática sencilla que va incrementando su nivel de intensidad conforme las muertes se empiezan a dar en pantalla.

Brindándole así un ritmo agradable a las acciones y, sobre todo, estableciendo un tono de total desesperanza para las víctimas dentro de una atmósfera colorida que genera una sensación de rareza muy peculiar. Aunque también hay que decir que una vez pasada la primera mitad de la película las cosas se estancan un poco debido a que no existe demasiada profundización con respecto al show y, cuando se introducen nuevos personajes con la supuesta intención de hacerlo, su aporte es ínfimo y por lo consiguiente se tienen algunos minutos en los que sientes que lo presentado no va hacia ningún lado. 

Algo que afortunadamente logran corregir durante una parte final en la que predomina el caos y no disminuye en lo absoluto el riesgo para el elenco infantil. Ayudando con esto a mantener a Buddy como un verdadero maniático con el que se puede llevar a cabo un desenlace que deja preguntas sin responder, pero que es lo suficientemente violento y exagerado como para satisfacer al espectador. 

Las actuaciones están bien, Keegan-Michael Key como la voz de Buddy hace un trabajo impecable y los niños en general cumplen con sus propósitos de buena forma. Aunque la presencia tan intrascendente de Cristin Milioti (Grace), Topher Grace (Ben) y Clint Howard (George) deja un sabor un poco amargo considerando que pudieron tener un mucho mejor uso.

Y en cuanto a producción se puede ver una buena factura: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte impecable, el score es buen complemento, el trabajo de sonido no tiene fallos, los efectos son de buena calidad y la labor de maquillaje cumple.

Opinión final: Buddy me gustó. Película que sabe aprovechar el eterno morbo para poder brindar una experiencia divertida.   

Ojometro:
****

Crítica: V/H/S/Mixtape (2026)

Novena entrega de la franquicia, la cual cuenta con la participación de seis distintos directores. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 3 de octubre, aunque no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Antología con seis nuevas historias en donde la música y el sonido se convierten en la fuente de todos los horrores posibles.

Comentarios generales:

Durante sus 14 años de existencia ha sido evidente que V/H/S es una franquicia compleja de sostener en cuanto al estándar de calidad se refiere y mucho más desde que decidieron volverla anual en 2021. Sin embargo, tras dos entregas muy bien recibidas parecía que la estabilidad por fin había llegado y eso generó un nivel de confianza un tanto atípico, la cual V/H/S/Mixtape se ha encargado de destrozar en un poco más de noventa minutos.  

Y es que con esta novena entrega se puede notar que volvieron los problemas de siempre, obligando a tener que recurrir a ciertas trampas en la conformación de la antología. Situación que termina afectando el ritmo de esta y pone evidencia que la temática elegida no fue lo suficientemente interesante como para poder lograr la cohesión necesaria entre las historias.   

En cuanto a la producción tenemos cuatro cortometrajes que mantienen una estética más o menos similar y con un manejo de efectos de una calidad competente. Aunque existen otros dos que desentonan por completo. 

Pasando a los cortos:

“Gwar is…”

No es una historia enlace como tal, sino más bien se trata de una serie de segmentos aburridos con los miembros de la banda de heavy metal Gwar haciendo muchas tonterías bajo su característico estilo “grotesco” que puede funcionar o no dependiendo de cada persona.

"Dance, Dance, Dance, Dance" (Renee Zhan)

Una historia predecible sobre marionetas asesinas cuyo principal atractivo es la presencia de Barbara Crampton y algunas creaciones por parte de la Jim Henson’s Creature Shop.

No tiene nada particularmente terrible, es funcional; sin embargo, el trabajo con la cámara no es el más eficaz y por lo mismo su mayor atractivo (las marionetas) no se puede explotar de la mejor manera al momento de exponer la masacre que desatan.

* Cuenta con una escena post créditos

“Another Cabin” (Flying Lotus)

Un corto animado con la espectacular duración de 2 minutos con 40 segundos del que, más allá de su peculiar estilo de animación, no se puede decir demasiado porque es imposible desarrollar algo interesante en tan poco tiempo. 

“Heartbeat” (David Moreau)

De todos los cortometrajes, este el único que utiliza el sonido y no la música para desarrollar su idea. El problema es que es sumamente aburrido al manejar un concepto de “creadores de contenido” que desgasta rápidamente la experiencia ante tanto dialogo vació y exploración intrascendente, evitando que uno pueda disfrutar la atmósfera claustrofóbica que logran generar.

“The Music of Mr. Sze” (Ernest Dickerson)

En gran parte se trata de una adaptación del cuento de H.P Lovecraft, “The Music of Erich Zann”.

Su primera mitad es poco memorable e incluso algo caricaturesca gracias a los personajes secundarios, pero por lo menos durante su segunda mitad logra ir desarrollando un misterio decente al que le terminan haciendo falta más minutos para poder funcionar mejor. Aunque el despliegue técnico durante su parte final resulta destacado.

“Premature Burial” (Tobias Forge)

Este es literalmente un video musical de una canción del mismo nombre interpretada por la banda Repugnant. Y aunque visualmente presenta cosas llamativas, lo cierto es que solo se utiliza como vil relleno.

“Death Tone” (RZA)

Por mucho el mejor corto de todos.

La premisa en si puede resultar algo absurda, pero su manera de sobrellevar todo el aspecto del ocultismo por medio de una serie de muertes de alto impacto hace que eso no importe demasiado. En especial cuando la dinámica general siempre mantiene al espectador atento por saber qué clase de locura hará la protagonista para lograr su objetivo, provocando una intensidad constante que se disfruta bastante.

----

Opinión final: V/H/S/Mixtape es decepcionante. Un retroceso evidente que la posiciona como una de las peores entregas de la franquicia.  

Ojometro:
**

 

Crítica: Clayface (2026)

Película dirigida por James Watkins (Eden Lake), cuyo guión fue co-escrito por Mike Flanagan y Hossein Amini. Se estrenó en cines tanto en México como los Estados Unidos los pasados 21 y 23 de octubre; recaudando hasta la fecha $46 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

Tras ser brutalmente desfigurado por un mafioso de Ciudad Gótica, Matt Hagen (Tom Rhys Harries) ve cómo su prometedora carrera en Hollywood se cae a pedazos. Obligándolo a someterse a un tratamiento que lo convertirá en un monstruo sediento de venganza que poco a poco le arrebata su identidad y su humanidad.

Comentarios generales:

DC Studios tomó a todos por sorpresa cuando anunció que iba a producir una película de terror y, como era de esperarse, eso generó una gran cantidad de opiniones divididas que suelen ser el pan de cada día para cualquier producción que se encuentre ligada al mundo de los cómics. Sin embargo, esto no evitaba que el proyecto en si fuera interesante porque sin duda existen algunos personajes a los que se les puede sacar jugó dentro del género y Clayface es una clara muestra de ello.

Ya que lo presentado por Watkins no pretende reinventar el body horror, ni tampoco las historias de origen, pero sabe aprovechar los recursos de este subgénero para construir un personaje lo suficientemente interesante por su propia cuenta y así no tener que recurrir a elementos externos populares (entiéndase Batman). Algo que indudablemente hace que el primer acto resulte un poco pesado debido a que se toman su tiempo para establecer la tragedia que vive Matt Hagen y su desesperación por retomar su carrera, haciendo que los elementos del body horror para este punto resulten muy ligeros dado a que el camino hacía el tratamiento no contiene tantas emociones.

Siendo realmente hasta entrado el segundo acto cuando las cosas empiezan a tomar un tono más oscuro por medio de las complicaciones que sufre nuestro protagonista gracias a dicho tratamiento, no solo por lo que le provoca físicamente, sino porque en su búsqueda de venganza el aspecto psicológico también se vuelve fundamental durante el desarrollo gracias a los conflictos internos que lo aquejan. Obligando así a que las acciones vayan incrementando progresivamente el nivel de violencia y por lo mismo veamos algunas muertes llamativas que exponen las nuevas habilidades de Matt, las cuales logran ir solventando por medio de los efectos visuales y un interesante trabajo de edición que ayuda a darle mucho dinamismo a determinadas escenas.

Con todo lo anterior se llega a la parte final con una construcción muy sólida del villano, pero es aquí donde se termina por solidificar su total quiebre mental. Y aunque tal vez el desenlace no es tan espectacular, lo cierto es que todo se resuelve de manera competente y además nos brinda un cierre con Clayface perfectamente establecido para lo que sea que le espere en el DCU.  

En el tema de las actuaciones tenemos a un Tom Rhys Harries haciendo un trabajo destacado por medio de un personaje que se va rompiendo de a poco tanto física como mentalmente. Además de que se encuentra bien respaldado por un grupo de secundarios muy competentes en sus roles.  

Y en cuanto a producción, la verdad hay una gran factura a pesar del presupuesto atípico para esta clase de películas: el trabajo de fotografía es muy bueno, la dirección de arte está bien cuidada, el score es un gran complemento, el trabajo de sonido es espectacular, los efectos son de buena calidad y la labor de maquillaje resulta efectiva.

Opinión final: Clayface me gustó. Película sólida que no pretende reinventar el body horror, pero que sabe utilizarlo para presentar a un personaje bastante interesante.

Ojometro:
****

Crystal Lake: Primera temporada

El pasado 15 de octubre se estrenó Crystal Lake, la esperada serie precuela de Friday the 13th producida por A24 que representa el primer proyecto audiovisual ligado a la franquicia tras el remake de 2009. Un distintivo que colocaba un peso enorme sobre los hombros de sus creadores debido a que básicamente tenían la tarea de re-introducir la franquicia al mainstream tras años en la congeladora y honestamente creo que han hecho un trabajo por demás acertado.

En cuestión de números de audiencia todavía no hay información al respecto por parte de Peacock, ni tampoco se ha hecho algún tipo de anuncio sobre una potencial segunda temporada.

Aquí me centraré en lo positivo y negativo de la temporada, ya que de lo contrario me extendería demasiado. Así que, si aún no la han visto o no la han visto completa, ES MOMENTO QUE DEJEN DE LEER PORQUE HABRÁ SPOILERS IMPORTANTES.

----

LO POSITIVO

Linda Cardellini como Pamela Voorhees

Ante la ausencia de la versión más popular de Jason con su máscara de hockey, sin duda era fundamental encontrar a la actriz ideal para ser el rostro visible de la serie y Linda Cardellini resultó ser la opción perfecta.

Ya que su Pamela Voorhees es un personaje muy bien logrado que te atrapa de inmediato; primero como esta madre en negación y posteriormente como esa asesina de sangre fría que disfruta lo que hace mientras se quiebra mentalmente.

Conexiones con la primera Friday the 13th

Al ser una precuela había cierto temor de que A24 optara por cambiar muchas cosas para reiniciar la franquicia y aunque sin duda se toma algunas libertades con respecto al lore (por ejemplo, la muerte de Jackson y Claudette), la verdad es que mantiene una conexión sólida con la película original de 1980.

Siendo algunas de las más evidentes la presencia de personajes como Ralph o el oficial Dorf.

Exponer a Jason durante el episodio final 

Tras su ahogamiento Jason sigue estando presente en el desarrollo de la serie durante su etapa de niño por medio de flashbacks, pero también se da entender que sigue vivo por medio de las clásicas tomas en primera persona dentro del bosque. Algo que parecía que se iba a mantener así para enfocarse completamente en Pamela… hasta que llegó el episodio final.

Lo cual representa uno de los cambios más radicales con respecto a lo que conocíamos, aunque esto no solo sirve para cerrar uno de los temas más importantes de la temporada y exponer uno de los looks más representativos de Jason, sino también para dejar abierta la puerta para una segunda temporada. 

Explicación sobre la inmortalidad de Jason

Esta era una decisión arriesgada porque en realidad nunca se ha mostrado en pantalla lo que hay detrás de la inmortalidad de Jason, todos son teorías de fans o interpretaciones de las personas que han lidiado con la franquicia en algún punto. Sin embargo, aquí nos plantean un motivo relacionado con la guerra fría que de algún modo funciona.

Obvio tiene su toque absurdo, pero eso es lo que menos importa cuando hablamos de un personaje que ha revivido por medio del impacto de un rayo o tras estar congelado cientos de años.

Buen nivel de violencia y sangre en las muertes 

Friday the 13th es conocida por su elevado nivel de violencia y muertes llamativas, así que era fundamental que la serie mantuviera eso. Por lo cual fue sumamente agradable ver que en este aspecto no se contuvieron en lo más mínimo.

Episodios imperdibles:

(1) Camp Crystal
(3) Part III
(5) The New Blood
(6) Kill Them, Mommy
(7) Friday...
(8) The Final Chapter

----

LO NEGATIVO

Primera mitad algo lenta

De las pocas cosas negativas que le encontré a la serie fue el hecho que durante su primera mitad muestra un avance relativamente lento. No tanto como para arruinar la experiencia, pero si tarda un poco en explotar la fragilidad mental de Pamela y eso hace que ciertos acontecimientos de su vida no sean tan interesantes.

Sheriff Levon Brooks

Uno de los personajes originales para esta serie y honestamente el menos interesante.

Ya que su rol como interés amoroso de Pamela nunca termina de funcionar gracias a que no hay tanta química entre ellos y su estatus como figura de autoridad tampoco te convence debido a que siempre son otros (Dorf o su hermana) quienes terminan solucionando las cosas, dejándolo parado como un bueno para nada incluso en el episodio final.

----
----
----
----

Opinión final: Crystal Lake resultó ser un buen primer paso para revivir una franquicia que estuvo congelada durante 17 años. Ya sea como precuela o como cuasi historia de origen funciona bastante bien y aunque algunos de los cambios sin duda pueden resultar polémicos entre los fans, la verdad es que el producto en general te deja satisfecho y con la necesidad de querer ver más.