miércoles, 27 de diciembre de 2023

Ojo Awards: Lo mejor de 2023

2023 ha sido una pesadilla para los grandes estudios de Hollywood gracias a una larga huelga de guionistas y actores, pero también por tener enfrentar un periodo de desinterés a nivel mundial en sus películas que ha generado una ola de fracasos monumental que ni el analista más pesimista hubiera previsto. Sin embargo, dentro de todo este caos el cine de terror ha podido encontrar una área de oportunidad que hasta hace no mucho parecía que se le había cerrado y afortunadamente eso ha llevado a que exista un flujo de películas constante debido a que es de los pocos géneros que parecen ser redituables, dejándonos con un año que ha traído regresos triunfales, la reivindicación del slasher y también varias sorpresas.

En cuanto a los números en taquilla hubo grandes éxitos como Five Nights at Freddy's ($288 millones de dólares), The Nun II ($268), Insidious: The Red Door ($189), Scream VI ($168), Evil Dead Rise ($146), The Exorcist: Believer ($135), Saw X ($110) o Talk to Me ($97). Aunque también tuvimos un par de grandes fracasos como Haunted Mansion ($111) y Renfield ($26.7).

Y bueno… ya para no darle más vueltas al asunto, aquí dejo lo que en lo que en mi opinión fue de lo mejor en este año por medio de la onceava edición de los Ojo Awards. Los cuales, como siempre, están basados exclusivamente en todas las películas de las que escribí en el blog a lo largo de los 365 días del año.

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Mejor Maquillaje: Evil Dead Rise

2.- Malum
3.- The Last Voyage of the Demeter


Mejores Efectos Especiales: Evil Dead Rise

2.- Renfield
3.- Thanksgiving


Mejor Score: Saw X

2.- Haunted Mansion
3.- Insidious: The Red Door


Mejor Dirección de Arte: Haunted Mansion

2.- The Last Voyage of the Demeter
3.- The Pope’s Exorcist


Mejor Fotografía: The Nun II

2.- Evil Dead Rise
3.- The Boogeyman


Mejor Actriz: Alyssa Sutherland (Evil Dead Rise)

2.- Kaitlyn Dever (No One Will Save You)
3.- Kiernan Shipka (Totally Killer)


Mejor Actor: Tobin Bell (Saw X)

2.- Ezequiel Rodríguez (Cuando acecha la maldad)
3.- Nicholas Hoult (Renfield)


Mejor Director: Lee Cronin (Evil Dead Rise)

2.- Eli Roth (Thanksgiving)
3.- Demián Rugna (Cuando acecha la maldad)


Mejor Guión: Cuando acecha la maldad

2.- Talk to Me
3.- Thanksgiving



Mejor Película: Evil Dead Rise

Honestamente este año no me resultó nada complicado hacer la elección, ya que aunque al menos con cuatro películas tuve muy buenas experiencias, ninguna me dejó con un nivel de satisfacción tan grande como Evil Dead Rise.

Una nueva entrega de una franquicia cuyos estándares de calidad son elevados y que no desentona en lo absoluto al ofrecernos una historia que funciona más como una extensión que como un reinicio para poder expandir su mundo sin sacrificar lo que ya conocemos. Jugando con el tema maternal de una forma perversa para ofrecer un show lleno de brutalidad y espectacularidad que se te queda en la cabeza por bastante tiempo.


Top 10

1- Evil Dead Rise
2- Thanksgiving
3- Saw X
4- Cuando acecha la maldad
5- Talk to Me
6- Scream VI
7- The Boogeyman
8- Totally Killer
9- Hell House LLC Origins: The Carmichael Manor
10- Renfield

Mención honorífica: No One Will Save You, Malum

viernes, 22 de diciembre de 2023

Crítica: It’s a Wondeful Knife (2023)


Película dirigida por Tyler MacIntyre (Tragedy Girls) y escrita por Michael Kennedy. Se estrenó de manera limitada en cines dentro de los Estados Unidos a inicios de noviembre, mientras que su salida en VOD se dio el pasado 1 de diciembre.

Sinopsis:

Después de salvar a su pueblo de un asesino en serie, la vida de Winnie Carruthers (Jane Widdop) es de todo menos maravillosa. Harta de su situación pide nunca haber nacido y para su sorpresa su deseo se cumple… aunque este nuevo universo alterno es mucho peor sin ella.


Comentarios generales:

Sorprendentemente 2023 ha resultado ser un año de reivindicación para los slasher, tal vez no al grado de regresarlos a sus viejos días de gloria, pero si para demostrar que este subgénero tiene todavía mucha más vida de la que a veces se piensa. Y cerrando el año nos encontramos una película como It’s a Wondeful Knife que solo viene a confirmar dicha tendencia.

Y lo hace de una manera similar a lo que vimos en “Totally Killer” tan solo un par de meses atrás al integrar un elemento ajeno (los universos alternos) para que la historia pueda tener un toque de frescura sin dejar de lado la esencia del slasher. Ofreciéndole a MacIntyre la oportunidad de construir una primera media hora ágil con la que incluso se puede dar el lujo de revelar la identidad del asesino y así cambiar por completo la dinámica al poner a Winnie en una situación compleja al generarle dudas con respecto a su acto heroico que justifiquen su deseo de no haber nacido.

Llevándonos así a un segundo acto que automáticamente maneja un tono mucho más oscuro y depresivo en el que la meta ya no es revelar quién es el asesino, sino ver cómo nuestra protagonista puede exponerlo públicamente en un mundo en el que su palabra no tiene ningún tipo de peso. Algo que ocasiona que las acciones no se vayan por un camino tan lineal y con ello se pueda recurrir tanto a momentos de comedia como a otros de mayor seriedad, tratándole de brindar cierta variedad a unas escenas de riesgo que siguen patrones estándar para cumplir con la cuota de violencia y sangre necesarias.

Dejando con esto el camino puesto para alguna que otra sorpresa durante una parte final que, si bien no es mala, tampoco te deja satisfecho al 100%. Más que nada porque la manera en la que resuelven el problema se siente demasiado acelerada y por ello algo que debería de ser más intenso se termina quedando como algo de mero trámite para darle vía libre a un desenlace feliz.

En cuanto actuaciones, la verdad es que Jane Widdop lo hace bien y logra que su fantasiosa situación resulte lo más convincente posible. Además se encuentra rodeada de actores como Justin Long (Henry Waters), Katharine Isabelle (Gale Prescott) o Joel McHale (David Carruthers) que la cobijan de buena manera.

Mientras que en producción tenemos una buena factura: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte está bien cuidada, el score es buen complemento, el trabajo de sonido no presenta fallos, los efectos son de buena calidad y la labor de maquillaje es discreta.

Opinión final: It’s a Wondeful Knife me gustó. Slasher entretenido para verlo durante estas fiestas navideñas.

Ojometro:
****

martes, 19 de diciembre de 2023

Crítica: Fear the Night (2023)


Película escrita y dirigida por Neil LaBute (House of Darkness). Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos durante el mes de julio, mientras que en México llegó a la salas de cine el pasado 14 de diciembre.

Sinopsis:

Tess (Maggie Q) es una veterana de la guerra en Irak que asiste a la despedida de soltera de su hermana menor en una casa remota que le pertenece a sus padres. Sin embargo, cuando un grupo de encapuchados las ataca, ella tendrá que sacar a relucir su experiencia en el campo de batalla para que puedan sobrevivir.


Comentarios generales:

Los finales de año suelen ser de los periodos más complicados para escribir debido a que el cine de terror no es precisamente el más cotizado para estas fechas, pero afortunadamente en México la oferta casi nunca desaparece y en estos días llegó Fear the Night. Una película de la cual no me acordaba que iba a salir y que por lo mismo no sabía que esperar de esta, lo cual probablemente fue lo mejor porque en realidad no me ofreció mucho que haya valido la pena.

Y es que lo traído por LaBute es el ejemplo perfecto de una película genérica en toda la regla, donde está tan preocupado por hacer lucir a su protagonista que al final se le olvida construir una historia competente con la que se puedan mostrar sus habilidades militares de manera entretenida. Aferrándose al concepto de invasión de hogar pensando que con eso será suficiente, pero lo cierto es que durante la primera media hora no ocurre nada que te genere interés al sobrecargarla de un drama entre hermanas cuyo aporte es nulo y solo termina fungiendo como vil relleno hasta que ocurre la primera muerte.

Siendo este tal vez el único momento en el que se puede tener un poco de sustento emocional para el personaje de Tess y donde se logra sacudir la pasividad predominante por medio del caos que trae consigo el inicio del ataque. Lo malo es que esto solo dura unos pocos minutos antes de que se vuelva a caer en una dinámica aburrida en la que nuestra protagonista toma el mando pero realmente nunca se atreven a ponerla en situaciones de apremio que puedan generar un nivel de intensidad mayor, limitando la violencia y construyendo escenas demasiado predecibles que no añaden nada en la búsqueda de tensión ante el riesgo que supuestamente se vive dentro de la casa.

Dejándonos así una parte final que, además de revelar un motivo demasiado absurdo para justificar el conflicto, también falla en su búsqueda por alcanzar ciertos niveles de potencia con la que se pueda vender la idea de que el conflicto llevará a algo brutal. Y gracias a eso no solo tenemos una pelea decisiva desangelada, sino también un cierre que se siente un totalmente fuera de lugar.

En cuanto a las actuaciones realmente la única que importa es la de Maggie Q, a quien en el afán por volverla una Rambo versión femenina la dejan con un personaje unidimensional que la priva del carisma necesario para que te importe lo que hace. Mientras que en producción nos encontramos con algo discreto: el trabajo de fotografía cumple, la dirección de arte es simple, el score no aporta gran cosa, el trabajo de sonido es limpio y todo lo referente a efectos/maquillaje es bastante discreto.

Opinión final: Fear the Night es mediocre. Película genérica que trata de empoderar a su protagonista sin demasiado éxito.

Ojometro:
**

viernes, 15 de diciembre de 2023

Crítica: The Conference (2023)

Producción sueca dirigida por Patrik Eklund, quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a Thomas Moldestad. Se estrenó en Netflix a nivel mundial el pasado 13 de octubre.  

Sinopsis:

Una conferencia de trabajo en equipo se transforma en una pesadilla cuando acusaciones de corrupción empiezan a relucir y arruinan el ambiente laboral. Y al mismo tiempo, un misterioso asesino empieza a matar a todos los participantes.


Comentarios generales:

Es común que los slasher que se producen fuera de los Estados Unidos tomen como referencia precisamente a los más significativos de dicho país y por lo consiguiente son productos que tienen un estilo estadounidense muy marcado que provoca cierta falta de identidad. Es algo normal, pero con The Conference se podía percibir en el trailer que ese no sería su caso y afortunadamente dicha percepción se cumplió. 

Esto porque lo traído por Eklund propone no solo un slasher como tal, sino también una comedia de humor negro que no se tienta el corazón al momento de exponer la hipocresía de las conferencias para fortalecer el trabajo en equipo y también los negocios turbios que existen detrás de grandes construcciones. Lo cual podría resultar poco interesante en un inicio gracias a que esto lleva a que los primeros 30/35 minutos de la película se sustenten fuertemente en la interacción de un grupo de personajes intergeneracional cuyas personalidades son en su mayoría excéntricas; sin embargo, esta carga hacía lo ridículo no afecta demasiado porque el humor acido complementa el hecho de que la aparición del asesino no es tan llamativa.

Aunque una vez que se establece plenamente su presencia las cosas toman un rumbo bastante sangriento en el que las muertes se vuelven más violentas conforme pasan los minutos, logrando así una dinámica estándar que hace que todo se desarrolle de manera ágil y existan pocos momentos de pesadez. Lo malo es que también llega un punto en el que se nota cierto estancamiento que obliga empezar a extender las persecuciones de manera innecesaria, llevando a algunas situaciones que simplemente no son tan efectivas como se esperaría y dejan la sensación de que no se sabe realmente cómo revelar la identidad del asesino.

Algo que se puede comprobar durante la parte final debido a que esto se da de la forma más random posible, pero tampoco es como que afecte demasiado al desenlace. Uno que opta por la comedia de corte sangriento para resolver los problemas y la verdad es que termina funcionándole dicha apuesta al proporcionar un cierre lo suficientemente intenso y contundente.

Las actuaciones son sólidas por medio de un elenco bien elegido en el que cada actor cumple su rol sin contratiempos para que no todo recaiga en un solo personaje. Mientras que en producción se tiene una factura de buen nivel: el trabajo de fotografía es efectivo, la dirección de arte está bien cuidada, el score no es nada del otro mundo, el trabajo de sonido cumple, los efectos son de buena calidad y la labor de maquillaje es efectiva.

Opinión final: The Conference está entretenida. Slasher disfrutable para pasar el rato viendo violencia, sangre y un peculiar "trabajo en equipo".

Ojometro:
***

martes, 12 de diciembre de 2023

Crítica: It Lives Inside (2023)

Película escrita y dirigida por Bishal Dutta. Se estrenó en cines dentro de los Estados Unidos durante el mes de septiembre, mientras que hizo lo propio en México el pasado 7 de diciembre; aunque también ya salió en formato físico y VOD durante el mes de noviembre.

Sinopsis:

Sam (Megan Suri) es una adolescente hindú/estadounidense con conflictos por su identidad cultural y las cosas empeoran cuando su antigua amiga de la infancia la busca para pedir su ayuda, sin saber que liberará a una identidad demoniaca que se alimenta de su soledad.


Comentarios generales:

Por más que la premisa luzca familiar, lo cierto es que siempre me va a llamar la atención cuando una película trata de exponer otra cultura debido a que eso le brinda una frescura que es complicada de encontrar en determinadas propuestas y en el caso de It Lives Inside es indudable que ese factor era lo que la hacía destacar por encima de otras. Aunque probablemente también representó su mayor obstáculo para poder ser algo más importante.

Ya que lo presentado por Dutta pretende utilizar el folclore hindú de una manera recurrente sin comprometerse al 100% con eso y como resultado deja una historia adolescente con destellos de oscuridad interesantes que jamás logra salirse de lo convencional. Y mucho se debe a que los primeros 35/40 minutos de la película son un tanto desabridos, donde todo el tema del demonio está presente de manera superficial y se deja que sean los problemas juveniles los que predominen para tratar de profundizar sobre las dificultades que viven los hijos de migrantes con los choques de identidad, así como la siempre complicada transición a la adolescencia.

Generando con esto cierta pesadez que para nuestra buena suerte poco a poco se va dejando atrás conforme el demonio va tomando más protagonismo y empieza a representar una amenaza concreta tanto para nuestra protagonista como para quienes la rodean, lo cual incrementa la intensidad de manera contundente sin tener que recurrir a cosas extremas. Y además abre la puerta para implementar un tono mucho más oscuro y depresivo que vaya en sintonía con la inestabilidad emocional de Sam mientras se ve expuesta a situaciones estándar que no aportan nada extraordinario en la generación de suspenso, pero por lo menos están bien construidas como para proporcionar cierta espectacularidad rumbo a la parte final.

Una que ciertamente funciona porque se involucra de mayor forma a los demás personajes y sabe incrementar la sensación de riesgo sin sacrificar la violencia necesaria para ello. Dándole sentido a determinados detalles que se habían expuesto en los minutos previos y también dejando un desenlace que, si bien aparenta ser feliz, lo cierto es que no lo es tanto por la toma de decisiones de Sam para solucionar un problema que parece no tener fin.

Las actuaciones están bien, Megan Suri hace un trabajo sólido como esta chica con muchos conflictos y en general el resto del elenco la sabe arropar. Mientras que en producción tenemos cosas para destacar: el trabajo de fotografía es bueno, la dirección de arte simple, el score es agradable, cuenta con un trabajo de sonido limpio, los efectos son cumplidores y la labor de maquillaje efectiva.

Opinión final: It Lives Inside es aceptable. Película con destellos interesantes que puede ser una buena opción cuando no tengan otra cosa que ver.

Ojometro:
***

viernes, 8 de diciembre de 2023

Crítica: Suitable Flesh (2023)

Película basada en The Thing on the Doorstep de H. P. Lovecraft, la cual está dirigida por Joe Lynch (Wrong Turn 2, Mayhem) y escrita por Dennis Paoli. Se estrenó de manera limitada en cines y VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 27 de octubre, aunque no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

La psiquiatra Elizabeth Derby (Heather Graham) se obsesiona sexualmente con uno de sus jóvenes pacientes, quien muestra una doble personalidad que al parecer se encuentra ligada a una antigua maldición.


Comentarios generales:

Para tratarse de una película basada en un trabajo de Lovecraft, la verdad es que Suitable Flesh pasó por debajo del radar durante la época de Halloween y en general ha logrado hacer poco ruido incluso entre los fans más recalcitrantes del amo del terror cósmico. Algo que sin duda es raro y por ello mis expectativas no eran muy altas, sobre todo porque también ya sabía qué esperar dado a que todos los proyectos en los que está involucrada Heather Graham son similares para aprovechar su sex appeal y este no ha sido la excepción.

Y es que lo traído por Lynch es una historia que se sustenta de manera importante en lo erótico y desde muy temprano te lo deja en claro, lo cual genera cierto morbo que con el pasar de los minutos se vuelve un arma de doble filo debido a que realmente nunca pretende ser tan desafiante como te hace pensar. Estableciendo una relación entre Elizabeth y Asa que lleva a momentos intensos con los que se expone el cambio de cuerpos por medio de encuentros un tanto acelerados, pero que sirven en su propósito para darle cierta claridad al nivel de peligro que representa lo que sea que los ocasiona.

Ante esto la violencia en pantalla se incrementa de manera importante conforme se va entrando al segundo acto y también se juega un poco más con el tema sexual para seguir explotando a nuestra protagonista, a pesar de que las escenas no son tan intensas como para solidificar la lujuria con la que opera la amenaza. Provocando así que las cosas vayan cayendo en un bache y sea obvio el pobre avance en el desarrollo; en especial cuando toca elaborar un poco más sobre lo que hay detrás de la maldición.

Simplemente no saben redondear dicho asunto y eso ocasiona que el ritmo tenga algunos problemas hacía una parte final que, afortunadamente, logra recomponer el rumbo. Principalmente porque vuelve a recurrir al shock de manera efectiva, pero también porque dentro de su predictibilidad hace lo suficiente como para que se pueda tener cierto caos que trate de disimular lo que parece totalmente inevitable.  

En cuanto a las actuaciones la verdad es que Heather Graham y Judah Lewis (Asa) no lo hacen mal, tienen buena química y logran que la dinámica de cambio de cuerpos funcione. Mientras que la aparición de Barbara Crampton (Dr. Daniella Upton) tiene más peso que su cameos glorificados habituales.

Y en lo que se refiere a la producción tenemos cosas competentes: el trabajo de fotografía cumple, la dirección de arte es simple, el score resulta agradable, el trabajo de sonido está bien cuidado, la labor de maquillaje es discreta y los efectos son un volado debido a que cuando son prácticos funcionan, aunque aquellos que recurren al CGI no son los mejores.

Opinión final: Suitable Flesh está aceptable. Película con buenos momentos para pasar el rato un día que no tengan nada que hacer.

Ojometro:
***

martes, 5 de diciembre de 2023

Crítica: Thanksgiving (2023)

Película dirigida por Eli Roth (Cabin Fever, Hostel) y escrita por Jeff Rendell. Se estrenó en cines dentro de los Estados Unidos el 17 de noviembre, mientras que en México hizo lo propio el pasado 30 de noviembre; recaudando hasta la fecha $36.7 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

Después de que una venta de Black Friday termina en tragedia, un brutal asesino inspirado en el “Día de Acción de Gracias” aterroriza a la comunidad de Plymouth, Massachusetts – lugar en donde nació dicha tradición.


Comentarios generales:

Podrás tener una opinión sobre Eli Roth y sus trabajos, pero es innegable que el tipo es uno de los mayores impulsores del género de terror desde hace varios años y cuando anuncia algún nuevo proyecto inmediatamente este se vuelve de los más esperados. Aunque en el caso Thanksgiving todo eso se magnificó aún más al tratarse de una película que tardó 16 años en poder hacerse realidad y por ello las expectativas eran muy grandes, incluso un tanto irreales, pero lo cierto es que lo que nos ha dejado es uno de los mejores slashers de los últimos años.

Y lo más llamativo de todo es que Roth lo logra sin tener que recurrir a cosas tan complejas o innovadoras, simplemente se enfoca en las bases y a partir de ahí nos cuenta una historia sumamente entretenida que en ningún punto te aburre. Sustentando gran parte de su efectividad en la impecable construcción de una introducción que explota el caos del famoso Viernes Negro no solo para tirar cierta critica a lo absurdo del comportamiento humano en esa “tradición”, sino también para exponernos a prácticamente todos los personajes más o menos relevantes y establecer así con claridad las motivaciones que podría tener el asesino para matarlos.

Esto último siendo algo muy importante debido a que al ser un grupo grande de individuos las opciones de sospechosos son varias y por ello mismo el misterio sobre la identidad de John Carver siempre se mantiene intacto, lo cual se complementa con una brutalidad en pantalla que hace de nuestro asesino uno por demás interesante. Ofreciéndonos así varias muertes con las que no se escatima en lo absoluto en lo visual y además mantienen una frecuencia constante que hace que el ritmo realmente nunca se vuelva cansino o se caigan en situaciones huecas que no tendrán ningún tipo de peso más adelante.

Logrando así que durante el segundo acto la sensación de riesgo siempre sea alta y puedan aprovecharla al máximo para generar un caos agradable con el que se justifique lo difícil que resulta poder detener a Carver, dando pie a una última media hora que en su simpleza todavía guarda varias cosas destacables. 

Ya que es durante la parte final donde nos topamos con el momento más perturbador de la película y por lo consiguiente la muerte más original de todas, añadiendo un shock con el que se le da impulso a un desenlace que funciona precisamente por haber sabido esconder la identidad del asesino de buena manera. Haciendo que la revelación resulte sorpresiva y esto lleve a un cierre que se puede catalogar como estándar, pero que cuenta con la intensidad necesaria para que sea efectivo y deje las bases puestas de una ya confirmada secuela.

En lo que se refiere a las actuaciones tenemos un elenco que en términos generales lo hace bastante bien, cada quien en su rol cumple aportando ya sea estereotipos habituales o personalidades misteriosas. Aunque es innegable que Nell Verlaque (Jessica) como la final girl y Patrick Demsey (Sheriff Eric Newlon) son quienes más resaltan en primera instancia.

Mientras que en producción tenemos una factura impecable: el trabajo de fotografía es bueno, la dirección de arte está bien cuidada, el score es buen complemento, el trabajo de sonido aporta bastante a las escenas relevantes, los efectos son de primer nivel y la labor de maquillaje resulta efectiva.

Opinión final: Thanksgiving me gustó bastante. Slasher sumamente entretenido y sangriento que se alza como uno de los mejores que han salido en años recientes.

Ojometro:
*****

viernes, 1 de diciembre de 2023

Crítica: Haunting of the Queen Mary (2023)

Película dirigida por Gary Shore (Dracula Untold, Holidays), quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a Stephen Oliver. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos durante el mes de agosto, mientras que en México llegó a las salas de cine el pasado 23 de noviembre.

Sinopsis:

En Halloween de 1938 unos extraños y violentos eventos definieron para siempre la historia del Queen Mary, uno de los lugares más embrujados del planeta. Y ahora en la actualidad una familia se verá expuesta al aterrador pasado que los dueños del barco han tratado de esconder. 


Comentarios generales:

Películas de terror sobre barcos no son algo nuevo, existen desde hace mucho tiempo, pero la realidad es que no son tan comunes como algunas otras locaciones que abundan en el género y por ello suelen llamar la atención a pesar de que casi todas tratan sobre lo mismo. Simplemente pareciera que a nadie se le puede ocurrir algo nuevo con estos y Haunting of the Queen Mary sufre de ese mismo problema, incluso cuando trata de ofrecer algo más o menos “fresco”.

Ya que lo traído por Shore pretende contarnos dos historias al mismo tiempo sin saber realmente cómo entrelazarlas de forma coherente, ocasionando que se vuelva complejo el entender todo lo que ocurre al cien por ciento. Lo cual resulta en un grave problema desde un primer acto en el que se puede notar una inconsistencia muy marcada en cuanto a la manera de presentar los sucesos en ambas épocas; donde lo ocurrido en el pasado se siente mucho mejor estructurado que lo que ocurre en el presente y ante eso se empieza a caer en una dinámica en la que la mitad de las cosas parecen ser importantes y la otra mitad solo están ahí porque se tenía que rellenar el tiempo en pantalla a toda costa.

Apostando a que sea el incremento paulatino de la violencia el que pueda ocultar un poco todos estos problemas y en cierto modo lo logra por unos minutos debido a que, cuando se empiezan a mostrar las muertes del pasado, el nivel de intensidad se incrementa de forma importante para generar momentos de impacto bien logrados. Lo malo es que esta solución solo es temporal y una vez que se empiezan a realizar saltos de tiempo más constantes las cosas regresan al mismo revoltijo de ideas que no permiten desarrollar nada de manera sólida, dejando solo un caos sin sentido lleno de personajes huecos cuyas acciones no parecen llevar a ningún lado.

Ante esta situación lo que nos va quedando es una parte final en la que, de manera totalmente forzada, pretenden establecer una maldición dentro del barco que debería de explicar por qué ocurren tantas cosas extrañas. Sin embargo, esta revelación tampoco sirve para profundizar demasiado y nos deja un desenlace totalmente hueco con el que solo te quedas pensando que todo fue una pérdida de tiempo.

Sobre las actuaciones no hay mucho para destacar, tal vez Alice Eve (Anne Calder) sobresale un poco más por ser la actriz con más renombre pero su personaje no es nada memorable. Mientras que en producción tenemos las mayores fortalezas del filme: el trabajo de fotografía es bastante bueno, la dirección de arte impecable, el score cumple, el trabajo de sonido es limpio, los efectos están bien hechos y la labor de maquillaje es sólida.

Opinión final: Haunting of the Queen Mary es mediocre. Película caótica y con poco sentido que quedará en el olvido. 

Ojometro:
**

martes, 28 de noviembre de 2023

Crítica: Slotherhouse (2023)

Película dirigida por Matthew Goodhue, cuyo guión fue co-escrito por Bradley Fowler y Cady Lanigan. Se estrenó directamente en formato físico durante el mes de septiembre dentro de los Estados Unidos, mientras que hizo lo propio en VOD el pasado 15 de octubre.

Sinopsis:

Emily (Lisa Ambalavanar) se encuentra en su último año en la universidad y quiere ser elegida como presidenta de su fraternidad. Para ello decide adoptar a un tierno perezoso que le ayudará a conseguir votos, aunque nunca se imaginará que este será el responsable de una verdadera masacre.


Comentarios generales:

Como ya sabrán, ver el logo de Gravitas Ventures se ha vuelto una señal de advertencia importante gracias a la calidad tan cuestionable de las películas que han distribuido desde hace varios años. Sin embargo, cuando salió el trailer de Slotherhouse sabía que tenía que verla si o si porque era muy probable que me pudiera pasar un rato riéndome gracias a que su premisa resultaba increíblemente absurda y justo eso fue lo que ocurrió.

Ya que lo traído por Goodhue es de esos trabajos con los que uno debe de apagar su cerebro y disfrutar la poca seriedad que maneja, lo cual ciertamente durante los primeros minutos puede ser complicado debido a que el tema de la fraternidad no es precisamente el más atractivo, pero tampoco tiene que pasar demasiado tiempo para que las cosas funcionen. Más que nada porque una vez que se le da exposición continua al perezoso esto empieza a moverse hacia la dirección correcta en lo que respecta a los contrastes que este trae consigo, pasando de la ternura a la violencia en un instante y con ello ir estableciendo las bases para lo que básicamente se vuelve un slasher muy peculiar.  

Donde evidentemente hay muertes y todo eso, aunque en realidad el punto fuerte viene con el comportamiento del propio perezoso. Quien básicamente se vuelve la criatura viva más inteligente dentro de la película por un amplio margen al realizar cosas que rayan en lo ridículo y aún así funcionan porque son demasiado entretenidas de ver, dejando en segundo plano al drama juvenil que por sí mismo no aporta gran cosa pero sirve como la excusa perfecta para que el conteo de cuerpos sea elevado sin dar demasiadas explicaciones conforme se va incrementando el ritmo de las acciones.

Provocando así que la parte final sea caótica a su modo. Llena de acción, situaciones exageradas e incluso de una sutil referencia a “Halloween” para construir un enfrentamiento decisivo funcional que ve un ligero incremento en el nivel de violencia y como consecuencia de eso el cierre tiene la intensidad necesaria como para que nuestro peludo asesino pueda brillar hasta el último instante. 

Las actuaciones son lo que deben de ser en esta clase de películas tan poco serias y Lisa Ambalavanar hace lo suficiente como para que te interese como la protagonista. Mientras que en producción es de un presupuesto discreto: el trabajo de fotografía es bueno, la dirección de arte no es la gran cosa, el score resulta genérico, el trabajo de sonido no presenta fallos, los efectos cumplen y la labor de maquillaje logra su propósito.

Opinión final: Slotherhouse está ok. Película extremadamente absurda y a la vez entretenida que no hay que tomar tan en serio para disfrutarla.  

Ojometro:
***

viernes, 24 de noviembre de 2023

Crítica: Dear David (2023)

Película dirigida por John McPhail (Anna and the Apocalypse) y escrita por Mike Van Waes, la cual está basada en el hilo de Twitter del escritor Adam Ellis de BuzzFeed. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 13 de octubre, aunque no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Adam Ellis (Augustus Prew) es un escritor de BuzzFeed que de la noche a la mañana es acosado por un fantasma de un chico llamado David. Algo que pretende explotar para su beneficio laboral, pero pronto pondrá en riesgo su propia vida.  


Comentarios generales:

La verdad es que no tenía conocimiento del hilo de Twitter en el que está basada Dear David, pero lo cierto es que esta clase de cosas salidas de internet no son precisamente algo que llame mi atención y mucho menos me parecen una fuente confiable para realizar una película. Obvio habrá alguna que otra excepción con la cual los resultados sean positivos, pero en general no cuentan con la suficiente sustancia como para construir un buen producto y este es otro de esos ejemplos.

Y es que lo traído por McPhail es una historia a la que por medio del bullying en las redes sociales tratan de añadirle un elemento con el que el espectador pudiera sentirse ligado dado a lo común que es en la actualidad; sin embargo, esto realmente solo se utiliza como un anzuelo que con el pasar de los minutos va perdiendo relevancia. Lo cual sin duda es un problema porque ocasiona que la primera mitad de la película esté llena de inconsistencias y por lo consiguiente no se puede construir algo sólido con respecto al misterio detrás de David, dejando todo el peso en un personaje tan poco interesante como Adam y sus problemas que hacen bastante aburridas las cosas rápidamente.

En gran parte porque se utilizan los mismos recursos una y otra vez para tratar de generar dudas poco convincentes sobre la estabilidad mental de este, recurriendo además a elementos demasiado simples con los que no se logra proporcionar la tensión necesaria que logre establecer a la amenaza como una interesante. Situación que empeora durante un segundo acto en el que jamás se le brinda claridad a su origen, brincando de una idea a otra con la esperanza de que alguna de estas pueda tener cierta efectividad para ser la que conecte todo de la manera más coherente posible y, sobre todo, pueda llevar a algunos momentos de mayor peligro.

Una apuesta que evidentemente no funciona y gracias a ello la parte final carece de lógica. Aunque al menos se puede decir que con el desenlace tratan de imprimir un poco más de intensidad y lograr con ello que el enfrentamiento definitivo pueda contar con cierta “espectacularidad” en el afán de querer exponer ligeramente el lado sobrenatural de todo esto. 

Sobre las actuaciones no hay mucho para destacar, todo recae en Augustus Prew y honestamente cualquier otro actor pudo haber hecho lo mismo. Mientras que en producción tampoco vemos un presupuesto tan grande: el trabajo de fotografía cumple, la dirección de arte es discreta, el score no destaca, el trabajo de sonido es limpio, los efectos son efectivos y la labor de maquillaje no presenta gran complejidad.

Opinión final: Dear David es decepcionante. Película aburrida y sin mucho sentido con la que no se pierden de nada si no la ven.

Ojometro:
**

martes, 21 de noviembre de 2023

Crítica: She Came from the Woods (2023)

Película dirigida por Erik Bloomquist (Long Lost, Ten Minutes to Midnight), quien además comparte créditos como co-escritor del guión junto a su hermano Carson Bloomquist. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos durante el mes de julio, mientras que su salida en formato físico se dio el 25 de agosto.

Sinopsis:

En 1987 un grupo de consejeros de un campamento de verano liberan sin saberlo a un ente maldito dormido por décadas durante su última noche de trabajo.


Comentarios generales:

Que una película se desarrolle en un campamento durante la década de los 80s básicamente la encasilla en un subgénero específico, es algo inevitable con lo que todas las producciones de este tipo tienen que lidiar. Por ello es que She Came from the Woods realmente no hizo mucho ruido porque parecía un slasher más y en cierto modo lo es, aunque por lo menos trata de cambiar un poco las cosas para diferenciarse sin los resultados más memorables.

Y mucho de eso se debe a que lo presentado por Bloomquist se aferra demasiado a los elementos característicos de esa clase de películas y gracias a eso la historia durante su primera media hora es aburrida al estar más preocupada por amoríos juveniles entre los consejeros o complicadas relaciones familiares. Ocasionando con esto que la revelación de la amenaza por un momento quede en segundo plano, tardándose más de lo normal en darse y resultando un tanto descafeinada a pesar de que si se pretende añadir una buena dosis de shock por medio de muertes que se podrían considerar sorpresivas.

Por suerte, una vez que inicia la matanza las cosas mejoran y poco a poco lo que parecía ser un slasher del montón empieza a mutar en algo más inclinado hacia un terror sobrenatural con el cual se puede implementar un mucho mejor ritmo no solo en cuanto a las escenas de caos se refiere, sino también en la manera de explicar lo que hay detrás. Logrando así algunas secuencias bastante efectivas que contrarrestan el humor negro fallido que por momentos se trata de desarrollar y, sobre todo, hacer que unos personajes tan poco interesantes por lo menos te puedan llegar a preocupar de alguna manera para que las escenas de riesgo contengan una mayor dosis de intensidad.

Llevando así a situaciones cada vez más sangrientas que hacen de la parte final entretenida al ocultar por medio de estas las evidentes carencias que se presentan al momento de añadir carga emocional. Un problema que podía haber afectado el desenlace de mayor forma si consideramos el trasfondo del demonio, pero la realidad es que no lo hace y gracias a eso se tiene un cierre al cual no le sobra absolutamente nada.

Las actuaciones son lo que son, mucho estereotipo exagerado que realmente no aporta demasiado pero tampoco daña el producto en general. Mientras que en producción tenemos buenas cosas: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte sencilla, el score cumple, el trabajo de sonido no tiene fallos, los efectos prácticos están bien hechos y la labor de maquillaje es un tanto irregular.

Opinión final: She Came from the Woods está aceptable. Película para pasar el rato un día que no tengan otra cosa que ver.

Ojometro:
***

viernes, 17 de noviembre de 2023

Crítica: Cuando acecha la maldad (2023)

Producción argentina escrita y dirigida por Demián Rugna (Terrified). Se estrenó de manera limitada en cines dentro de los Estados Unidos a inicios de octubre y posteriormente el 27 del mismo mes hizo lo propio en VOD.

Sinopsis:

En una granja remota, Pedro (Ezequiel Rodríguez) y su hermano encuentran a un hombre infectado por un demonio que está a  punto de “dar a luz” al mal mismo. Asustados deciden deshacerse del cuerpo putrefacto, aunque esto solo esparcirá el caos hacia todos aquellos que les importan.


Comentarios generales:

Para este punto el encontrar propuestas sobre posesiones que resulten innovadoras es algo complicado debido a que es uno de los subgéneros más explotados que existen, así que siempre es complejo el poder generar interés por estas salvo que pertenezcan a alguna franquicia muy bien establecida. Sin embargo, de vez en cuando te vas a encontrar con una película que te sorprenda a pesar de los convencionalismos y justamente “Cuando acecha la maldad” es una de esas.

Ya que lo traído por Rugna se posiciona como una de las mayores sorpresas en este 2023 gracias a que logra darle frescura a una fórmula conocida sin tener que recurrir a cosas complejas y en base a eso construye una historia inquietante por la forma tan natural con la que los personajes lidian con el tema de la posesión, optando por no ocultar nada para no perder el tiempo en obviedades y así poder aprovecharlo para redondear la idea. Brindándole con esto un tono depresivo que desde el primer acto hace sentir que un suceso tan simple es en verdad riesgoso, lo cual se magnifica ante el pavor que manifiestan distintos personajes al saber que la maldad puede alcanzarlos.

Siendo esto último algo clave porque es la vía con la que el director puede exponer escenas de muertes brutales que no solo añaden el impacto inmediato por lo visual, sino también porque con estas establece sin ningún tipo de compasión que, en efecto, nadie está a salvo y así incrementar el nivel de intensidad de manera impresionante. Además de que gracias a estas muertes se clarifica cómo se manifiesta el demonio y con ello también empiezas a cuestionar si nuestro protagonista en verdad es alguien de confianza porque sus acciones son demasiado egoístas a sabiendas del riesgo que él mismo representa para sus seres queridos.

Llevándonos con ello a un segundo acto que se podría decir que es el más emocional porque precisamente es donde Pedro tiene que lidiar con las consecuencias de sus actos, pero eso no significa que el shock desaparezca. Aunque igualmente es aquí donde se profundiza un poco más con respecto a la problemática que enfrentan y las revelaciones sobre lo complejo que será frenarla para que en ningún momento desaparezca esa sensación de desesperanza rumbo a la parte final.

Una que probablemente no sea tan explosiva como se esperaría dado a que apuestan más por lo tétrico y gracias a eso el ritmo en esta parte es más tranquilo. Decisión que no afecta mucho que digamos al desenlace porque este sigue manteniendo las mismas bases y cumple a la perfección su propósito de ser desalentador sustentándose en las malas decisiones de Pedro.

En cuanto a las actuaciones tenemos un gran trabajo de Ezequiel Rodríguez por medio de un personaje bastante complejo con el que se pueden entender sus temores pero al mismo tiempo es difícil sentir empatía por él gracias a lo egoísta que resultan sus acciones. Mientras que Demián Salomón (Jimi) y el resto del elenco logran complementarlo de buena forma.

Y en lo que respecta a la producción tenemos una buena factura: el trabajo de fotografía es bastante bueno, la dirección de arte simple, el score resulta agradable, el trabajo de sonido no presenta fallos, los efectos están bien hechos y la labor de maquillaje es impecable.

Opinión final: Cuando acecha la maldad me gustó bastante. Película oscura y cruda que se les quedará en la memoria durante varios días.

Ojometro:
*****

martes, 14 de noviembre de 2023

Crítica: All Fun and Games (2023)

Película dirigida por Eren Celeboglu y Ari Costa, quienes comparten créditos como co-escritores del guión junto a JJ Braider. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos a inicios de septiembre, mientras que en México llegó a las salas de cine el pasado 9 de noviembre.

Sinopsis:

Un grupo de adolescentes en Salem, Massachusetts descubren un cuchillo maldecido con un demonio que los obligará a jugar versiones mortales de juegos para niños en los que no habrá ganadores, solo sobrevivientes.


Comentarios generales:

Los últimos meses no fueron sencillos en Hollywood gracias a las huelgas que tuvieron lugar, así que cualquier película que se haya estrenado desde mediados de julio hasta hace algunos días atrás tuvo muchas complicaciones al no poder contar con sus actores para que pudieran promocionarlas. Y en el caso de All Fun and Games esa problemática se acentuó mucho más al tratarse de un proyecto pequeño que realmente se dio a conocer de la noche a la mañana, llevándolo a que haya pasado totalmente desapercibido.

Algo que puede llegar a considerarse como mucho castigo para lo que nos traen Celeboglu y Costa debido a que se trata de una película cumplidora que en cualquier otro momento hubiera tenido un poco más de trascendencia al combinar el slasher con posesiones para salirse de lo convencional en cuanto a las historias localizadas en Salem. Preponderando la simpleza ante todo con tal de poder explotar esta combinación desde temprano sin que existan grandes dudas sobre lo que ocasiona el problema y así tratar manifestar una sensación de peligro que en ningún momento desaparezca, sin importar los altibajos que existan en el camino.

Y es que aunque nos encontramos ante algo básico lo cierto es que la primera media hora se sostiene más que nada por la atmósfera oscura que se genera, lo cual hace que no existan muchos momentos destacados y se caiga en varios lugares comunes de los problemas adolescentes; sin embargo, una vez que el personaje de Marcus es poseído esto cambia. Ya que a partir de aquí es cuando la dinámica se inclina más hacia la de un slasher sin que exista el misterio detrás de la identidad del asesino e inmediatamente la tensión se incrementa dado a que tanto la persecución como las muertes resultan efectivas en exponer el nivel de amenaza que representa, a pesar de que varias de estas apenas se ven en pantalla.

Así las cosas avanzan bajo un ritmo agradable rumbo a una última media hora que explota de manera más clara el tema de la maldición y por lo consiguiente le da más exposición a elementos sobrenaturales (así como a los juegos) para darle claridad a los origines del demonio antagonista. Brindándole con esto la oportunidad de construir escenas tétricas dentro de un espacio reducido que en algunos casos funcionan mejor que en otros, aunque si brindan lo necesario para que el desenlace sea uno depresivo y no se vaya por el camino feliz. 

Las actuaciones en general están decentes, siendo Natalia Dyer (Billie Fletcher) y Asa Butterfield (Marcus Fletcher) quienes más destacan. Mientras que en producción tenemos algunas cosas interesantes: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte no es nada para presumir, cuenta con un buen score, el trabajo de sonido está bien cuidado, los efectos cumplen y la labor de maquillaje es sencilla.

Opinión final: All Fun and Games está ok. Película para ver una tarde y olvidarla un par de semanas después. 

Ojometro:
***

viernes, 10 de noviembre de 2023

Crítica: The Jester (2023)

Película escrita y dirigida por Colin Krawchuk. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos a inicios de octubre, mientras que en México hizo lo propio en las salas de cine el pasado 2 de noviembre.

Sinopsis:

Un malévolo ente conocido como El Bufón aterroriza a los habitantes de un pequeño pueblo en la noche de Halloween, incluyendo a dos hermanas distanciadas que deben de unir fuerzas para poder derrotarlo.


Comentarios generales:

Ante el sorpresivo éxito de “Terrifier 2” y Art the Clown el año pasado era inevitable que salieran películas con un enfoque y villano similares para tratar de aprovechar un poco dicha inercia positiva dado a que así funciona esta industria. El problema es que no todo mundo puede sacar un Art the Clown de la noche a la mañana, depende muchísimo del entendimiento que se tenga sobre qué hace tan especial a dicho personaje más allá de su imagen y tristemente The Jester nunca logra comprender eso.

Ya que lo traído por Krawchuk logra acertar en cuanto al look, comportamiento y estilo de matar de El Bufón para verle potencial desde el primer minuto, pero la manera en la que justifican su existencia no es algo que resulte interesante. De hecho, desde el primer acto empieza a ser evidente que existen problemas para integrar de manera orgánica las historias de las hermanas y en el afán por querer brindarle un poco más de trasfondo a las cosas las apariciones de nuestro asesino se sienten como algo random con el simple propósito de no dejar que su presencia se pierda sabiendo que es lo único que puede mantener la atención del espectador.

Una estrategia que funciona por algunos minutos dado a que sus actos son por lo menos entretenidos e incluso sangrientos en ciertos casos; sin embargo, una vez que se identifica dicho patrón las cosas se vuelven monótonas dado a que realmente no se percibe un avance en el desarrollo. Y para empeorarlo aún más se empiezan a tratar temas como el duelo, el perdón o los errores del pasado de una manera tan inconsistente que con el pasar de los minutos no se sabe bien hacia qué dirección se está yendo; en especial porque cuando la película tendría que acentuar los elementos de terror mejor opta por seguir buscando la empatía hacia un par de personajes que no te podrían importar menos y por lo consiguiente el aburrimiento empieza a surgir.

Dejando así a la parte final con una labor titánica para tratar de salvar esto y que, como era de esperarse, termina fallando en el intento. Más que nada porque al haberle dado mayor prioridad a la historia de Emma se deja muy de lado a la de Jocelyn, a quien tratan de darle relevancia de manera forzada durante los minutos finales por medio de situaciones de corte un poco más sobrenatural que no tienen demasiado sentido y lo único que logran es que el desenlace se sienta como algo totalmente improvisado.

En cuanto a actuaciones la verdad es que Michael Sheffield como El Bufón no lo hace mal, tiene carisma aún sin decir una sola palabra y, tal como lo dije antes, potencial para ser alguien mucho más memorable a futuro. Lo malo es que el resto del elenco es muy débil y no logra encontrar un buen contrapeso para que funcione mejor su personaje.

Mientras que en producción se nota que fue de un presupuesto limitado: el trabajo de fotografía no es nada del otro mundo, la dirección de arte está bien, el score no resalta demasiado, el trabajo de sonido tiene algunas inconsistencias, los efectos son sencillos y la labor de maquillaje cumple con su principal propósito.

Opinión final: The Jester es decepcionante. Película con un buen villano que simplemente no sabe cómo aprovecharlo. 

Ojometro:
** 

martes, 7 de noviembre de 2023

Crítica: Five Nights at Freddy’s (2023)

Adaptación dirigida por Emma Tammi (The Wind), quien además comparte créditos como co-escritora del guión junto a Scott Cawthon y Seth Cuddeback. Se estrenó en cines tanto en México como los Estados Unidos a finales del mes de octubre, recaudando hasta la fecha $217.1 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

Mike Schmidt (Josh Hutcherson) es un problemático guardia de seguridad que para mantener la custodia de su pequeña hermana acepta cuidar el abandonado restaurante Freddy Fazbear's Pizza. Un trabajo relativamente sencillo en el que con el pasar de las noches descubrirá los oscuros secretos que guarda dicho lugar.  


Comentarios generales:

La verdad es que mi conocimiento sobre Five Nights at Freddy’s es muy limitado, no es el tipo de videojuegos que normalmente juego y las pocas veces que llegué a probarlo no llamó demasiado mi atención. Aunque de lo que si estaba muy consciente era del hecho de que se trata de todo un fenómeno cuyo potencial en cine era enorme e indudablemente generaría mucha conversación a su alrededor, lo cual esta adaptación ha logrado de una manera por demás extrema en ciertos casos.

Algo que resulta llamativo considerando que lo traído por Tammi es una película regularzona que quiere aparentar ser mucho más compleja de lo que realmente es, sobre todo durante unos primeros 35/40 minutos en los que se tiene que construir una historia que sostenga los eventos presentados. Situación que era obligatoria considerando que esto no se puede sustentar únicamente en jump scares como en el videojuego; sin embargo, el tema elegido para añadir sustancia no es el más interesante que digamos dado a que Mike como personaje tampoco lo es y ante eso la primera mitad resulta bastante aburrida dado a que cuenta con poco que destacar.

En especial porque el principal factor de interés, que son los animatronicos, tarda en ser relevante y ante las limitaciones que existen por la clasificación realmente sus aportes en un inicio carecen de impacto. Aunque una vez que estos empiezan a tener más presencia en pantalla las cosas van mejorando de manera paulatina, no tanto en cuanto al desarrollo porque ahí se sigue forzando todo con tal de que tenga cierto sentido (para los fans principalmente), sino porque al darles más exposición se logra generar una dinámica que entre lo absurdo se vuelve entretenida y por lo mismo el ritmo durante el segundo acto se transforma en uno más ágil para tratar de construir escenas con un poco de violencia que aumenten la sensación de riesgo.

Dejando así una parte final que funciona en gran medida porque ver a los animatronicos en acción es algo divertido por la extravagancia visual que representan, incluso si las revelaciones importantes que se guardan son fáciles de descifrar. Además de que es por mucho donde podemos ver mayor acción y eso es suficiente para que el desenlace tenga una dosis de intensidad correcta y así no resulte indiferente lo que ocurre.

De las actuaciones hay que decir que Josh Hutcherson está correcto en un papel que no le exige gran cosa, mientras que la presencia de Elizabeth Lail (Vanessa) y Matthew Lillard (Steve Raglan) ayuda bastante a sobrellevar las cosas. Mientras que en producción nos encontramos con una buena factura: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte está bien cuidada, el score cumple, el trabajo de sonido es impecable, los efectos son de buena calidad y la labor de maquillaje es discreta.

* Cuenta con una escena a la mitad de los créditos

Opinión final: Five Nights at Freddy’s está pasable. Película hecha más para los fans que se puede ver una tarde y olvidarla casi de inmediato.

Ojometro:
***

viernes, 3 de noviembre de 2023

Crítica: Hell House LLC Origins: The Carmichael Manor (2023)

Cuarta entrega de la franquicia, la cual está nuevamente escrita y dirigida por su creador Stephen Cognetti. Se estrenó directamente en VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 30 de octubre, aunque no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Un grupo de investigadores de casos sin resolver se hospedan en la mansión Carmichael. Aunque después de cuatro noches nunca se les ha vuelto a ver y lo que se descubre en los videos de sus cámaras es de lo más perturbador que se ha visto en las cintas Hell House.


Comentarios generales:

Si son lectores del blog desde sus inicios sabrán que el found footage no es precisamente un subgénero que disfrute de gran manera y suelen ser pocos los que logran dejarme buenas sensaciones. Así que realmente Hell House LLC Origins: The Carmichael Manor era una película de la cual no esperaba mucho tomando en cuenta que las entregas previas no habían funcionado conmigo; sin embargo, debo de decir que en esta ocasión me he llevado una muy grata sorpresa.

Y es que para esta cuarta entrega el propio Cognetti nos trae una historia que no está atada a la anterior y en cierta forma puede disfrutarse como algo aparte a pesar de que el hotel Abbadon sigue teniendo presencia en la trama, lo cual ayuda a que se tenga un poco más de libertad al momento de presentar misterios que no es que desborden originalidad, pero logran proporcionar nueva información interesante con respecto a la maldición.

Estableciendo desde muy temprano la tragedia que existe detrás de la familia Carmichael y aprovechándola para presentar una investigación cuya estructura es la estándar en este tipo de trabajos, aunque para darle cierta diferenciación se alterna por algunos lapsos con otra línea de tiempo para brindar contexto sobre los eventos perturbadores que empiezan a manifestarse dentro  la mansión. Unos que para nuestra suerte no se limitan solo a escenas nocturnas, sino también se presentan a plena luz del día con un buen nivel de efectividad para añadir bastante tensión a las cosas por medio de escenas que proporcionan una gran sensación de riesgo y logran establecer un tono oscuro con el que el camino rumbo a la parte final queda bien definido.

La cual resulta bastante intensa al hacer un uso inteligente de los jump scares y explotar la atmósfera para que la agonía de los personajes principales ante su inevitable destino tenga un gran impacto. Además de que también se da tiempo para profundizar un poco más sobre la maldición y con ello llenar los huecos que faltaban para comprender por qué la mansión Carmichael era un lugar tan peligroso desde un inicio.

Sobre las actuaciones hay que decir que todos cumplen, no hay nada fuera de lo común, pero tampoco nada que afecte la experiencia. Y en producción nos encontramos con un presupuesto limitado que es bien aprovechado: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte discreta, la edición es muy efectiva, el trabajo de sonido limpio y la labor de maquillaje cumple.

Opinión final: Hell House LLC Origins: The Carmichael Manor me gustó. Un found footage bien hecho que sin duda es el mejor de la franquicia.

Ojometro:
****

martes, 31 de octubre de 2023

Crítica: Hermana Muerte (2023)

Precuela dirigida por Paco Plaza (REC, Verónica) y escrita por Jorge Guerricaechevarría. Se estrenó a nivel mundial por medio de Netflix el pasado 27 de octubre.

Sinopsis:

En la España de la post-guerra, Narcisa (Aria Bedmar) es una joven novicia con habilidades milagrosas que llega a una escuela para niñas para convertirse en maestra. Aunque conforme transcurren los días y extraños eventos la perturban, los oscuros secretos que aterran a todas las habitantes del antiguo ex convento empezarán a salir a la luz.


Comentarios generales:

En 2017 “Verónica” se estableció muy por debajo del radar como una de las mejores películas de terror españolas de la década pasada, así que cuando se anunció una precuela de esta no me sorprendió del todo, pero tampoco fue una noticia que me emocionará demasiado. Más que nada porque se trataba de un proyecto para Netflix y honestamente eso en años recientes suele ser un volado que puede ir hacía cualquier parte; sin embargo, con Hermana Muerte han logrado acertar.

Ya que en lugar de solo copiar lo que funcionó en 2017, Paco Plaza opta por contarnos una nueva historia alrededor de un personaje que ya conocimos y trata de hacerla lo más distinta posible para que pueda sostenerse por sí misma. Algo que notamos desde una introducción en blanco y negro que te atrapa por su extraño formato de imagen, estableciendo rápidamente un elemento religioso que no es el más original pero sirve para darle forma a esta ola de sucesos extraños en los que se verá envuelta Narcisa desde muy temprano para ir dejando pistas con las cuales el espectador se pueda ir cuestionando si lo que ocurre es verdad o si simplemente se trata de una mala broma por parte de las niñas del convento.

Todo esto bajo un enfoque muy minimalista en el que el uso de los jumps scares es limitado y los elementos de impacto solo se utilizan en situaciones puntuales, dejando así una experiencia que pudiera llegar a sentirse pesada por algunos lapsos dado a que no existe demasiada prisa por resolver los misterios por medio de las vías más convencionales. Siendo esto un factor que provoca que durante el segundo acto se sienta un poco de repetitividad en las acciones e incluso cierta sensación de predictibilidad que, afortunadamente, desaparece una vez que se produce un momento de shock especifico cuyas repercusiones cambian por completo lo que uno espera.

Dejándonos así con una parte final realmente buena y que en cierta forma es la que incrementa los bonos de la película al ofrecer un desenlace que no solo nos trae respuestas perturbadoras, sino también una forma muy original de integrar todo el aspecto sobrenatural para poder darle un cierre sumamente intenso a las cosas.

En cuanto a las actuaciones hay que decir que Aria Bedmar lo hace muy bien, no es la interpretación más estrambótica que uno se pueda encontrar, pero no es algo que necesite considerando que el propósito general no es ser tan apantallante. Mientras que en producción tenemos una factura cuidada: el trabajo de fotografía es muy bueno, la dirección de arte discreta, el score resulta agradable, el trabajo de sonido es estupendo, los efectos son sencillos y labor de maquillaje efectiva.

Opinión final: Hermana Muerte me gustó. Precuela minimalista y muy diferente a “Verónica” que sirve como el complemento ideal para esta.

Ojometro:
****

viernes, 27 de octubre de 2023

Crítica: The Puppetman (2023)

Película dirigida por Brandon Christensen (Still/Born, Superhost), quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a Ryan Christensen. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 13 de octubre, aunque no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Un convicto sentenciado a muerte conocido como The Puppetman siempre ha mantenido su inocencia diciendo que una fuerza maligna era la que controlaba su cuerpo. Ahora, varios años después, su hija Michal (Alyson Gorske) empezará a sospechar que tal vez hay algo de verdad en lo que siempre ha dicho su padre.


Comentarios generales:

Hay películas cuya premisa es tan peculiar que realmente no sabes que esperar de ellas y eso, en lugar de parecerme negativo, es más bien un aliciente extra para verlas. Sobre todo cuando se trata de proyectos que por alguna u otra razón llegan directamente a los servicios de streaming, los cuales en muchas ocasiones terminan siendo catalogados como meros rellenos que no aportan nada y que con The Puppetman solo tenemos una reafirmación de dicho pensamiento.

Y no es tanto porque lo traído por Christensen me parezca malo (no lo es), sino porque la historia que nos presenta tenía potencial para poner sobre la mesa algo más memorable y a medio camino pierde gas conforme se van tomando menos riesgos. Algo que termina siendo sumamente frustrante debido a que los primeros 30 minutos de la película son muy efectivos en lo que proponen por medio de un misterio con tintes sobrenaturales que genera mucha curiosidad por saber que hay detrás, además de que se logra crear una atmósfera sombría que magnifica la oscuridad que rodea a nuestra protagonista y gracias a eso todos los eventos en los que se encuentra involucrada resultan interesantes porque aparentemente se están guardando algo grande.

El problema llega cuando una vez pasada esa primera media hora las cosas se empiezan a envolver en un drama con el que se trata de solidificar la idea de que Michal es víctima y victimaria a la vez, siendo este un paso lógico pero desarrollado de una manera muy pobre gracias a que en ningún punto sientes que exista un rumbo bien definido y más cuando se sacan de la manga un vinculo con un culto del que no se profundiza demasiado, quedándose estancado como una mera curiosidad. Y lo peor es que con dicha revelación se da el punto de partida para empezar a construir las escenas más intensas que establezcan a la amenaza como una omnipotente, aunque realmente ninguna de las muertes presentadas es lo suficientemente espectacular para que la sensación de peligro sea tan agobiante como debería.

Algo que se trata de corregir rumbo a la parte final y en cierta medida lo logran, lo malo es que se da ya demasiado tarde y eso evita que este efecto positivo se refleje de gran forma. Dejándonos así un desenlace que en cuanto a la idea que maneja para resolver el problema me parece refrescante, nada más que en la ejecución no añade nada que ayude a que tenga un mayor impacto.

En cuanto a las actuaciones no hay mucho que decir salvo que Alyson Gorske hace lo mínimo necesario para que su personaje no resulte tan olvidable. Mientras que en producción nos encontramos con una factura más que nada discreta: el trabajo de fotografía es bueno, la dirección de arte no resalta, el score está bien, el trabajo de sonido es de gran calidad, los efectos son bastante sencillos y la labor de maquillaje cumple.

Opinión final: The Puppetman está aceptable. Película correcta para ver un día cualquiera y después olvidarla.

Ojometro:
***