Crítica: Starry Eyes (2014)

Película escrita y dirigida por la dupla Kevin Kolsch / Dennis Widmyer, quienes después de algunos años de ausencia regresan al género. Se estrenó el pasado 14 de noviembre dentro de los Estados Unidos vía iTunes y diversas plataformas digitales.

Sinopsis:

Sarah Walker (Alexandra Essoe) está determinada a ser la próxima gran estrella de Hollywood, pero en ese proceso se ve atrapada en un trabajo sin futuro, amistades tóxicas y cientos de castings sin éxito. Esto hasta que un día asiste a una audición por parte de un viejo estudio donde consigue el papel principal, aunque se dará cuenta que con dicha oportunidad también vendrán extrañas ramificaciones que la cambiarán tanto física como mentalmente.

Comentarios generales:

La búsqueda de fama en Hollywood a cualquier costo es un tema muy utilizado dentro del cine, no solo en el género de terror, sino en muchos otros que lo ven como una plataforma ideal para expresar su visión sobre algo que lleva años presente en el mundo laboral en general. Por ello Starry Eyes es un trabajo con el cual seguramente muchos se identificarán de algún modo e incluso por breves momentos les hará cuestionarse sobre si esto es una película de terror.

Y es que Kolsch y Widmyer hacen un retrato muy convincente sobre una actriz que en su deseo por querer brillar tiene que vivir situaciones poco sanas, rodeada de individuos que en su mayoría no le aportan nada a pesar de que ellos mismos buscan, en teoría, lo mismo que ella: grandeza. Desde un inicio sabemos que Sarah no es alguien común, lo cual provoca que el espectador sienta bastante afecto por ella a pesar de su comportamiento por demás extraño y sus decisiones que a todas luces parecen precipitadas dadas las rarezas suscitadas en las audiciones; presentando así un conflicto personal que la ve tratando de hacer lo que piensa que es correcto, pero termina por caer en una trampa mucho más siniestra.

Todo bajo un ritmo muy bien controlado, más pausado que ágil, pero que nunca llega a sentirse pesado y ayuda bastante a digerir la lenta transformación de la protagonista, quien pasa de ser una sexy soñadora a un cuerpo que sufre de una dolorosa descomposición constante (muy similar al que vimos en Contracted el año pasado). Probablemente su punto flaco es que no existe mucha explicación con respecto al estudio/secta que hay detrás de lo que le ocurre; si, sabemos que está sufriendo de algún tipo de nuevo renacer, pero ¿por qué? Simplemente nos brindan algunos símbolos y la presencia de individuos con un carácter peculiar, sin la certeza de saber si son algo más que simples humanos fascinados con lo oculto.

El final es potente, muy bueno en realidad. Después de prácticamente una hora de estar dosificando las cosas los directores quitan el freno de mano para que esto quede lo más brutal posible; con mucha sangre y violencia que terminan dándole un sentido muy oscuro a la transformación de Sarah.

En las actuaciones Alexandra Essoe hace un buen trabajo en general, por momentos se nota algo perdida pero cuando empieza sus etapa de decadencia la verdad ofrece grandes cosas; mientras que el resto del elenco ofrece poco o nada para destacar, salvo el look extraño de algunos miembros del estudio. La producción es bastante sólida: el estilo visual que impone el trabajo de fotografía logra una combinación entre lo deprimente y lo bizarro muy interesante, el score tiene un estilo retro increíble que encaja a la perfección con lo que sucede en pantalla y los efectos de maquillaje están geniales durante la transformación; además los amantes del gore quedarán complacidos con el clímax.

Opinión final: Starry Eyes me gustó. Puede parecer un tanto simple, pero si uno no solo se enfoca en lo obvio la disfrutará bastante.  

Ojometro:

**** 

Crítica: The Canal (2014)

Producción irlandesa escrita y dirigida por Ivan Kavanagh (Tin Can Man). Se estrenó de manera limitada en cines, VOD y diversas plataformas digitales el pasado 10 de octubre dentro de los Estados Unidos. Aún no existe información sobre si será distribuida en formato físico o si llegará a otros países.

Sinopsis:

David (Rupert Evans) trabaja como archivador de viejas películas y un día encuentra una de 1902 que muestra un mortal asesinato ocurrido en su casa. Al mismo tiempo empieza a sospechar que su esposa lo está engañando con alguien más, la cual una noche desaparece y cree que algo súper natural vinculado con dichos asesinatos tiene que ver… aunque para las autoridades él es el principal sospechoso.

Comentarios generales:

Existen películas que suelen ser muy obvias en su progreso y aun así terminan generando grandes sensaciones por diferentes causas que al final convierten la experiencia en una mucho más placentera. The Canal sin duda es una de ellas, aunque en este caso dicha predictibilidad terminó por hacer que no la disfrutara de manera plena.

Lo que tenemos aquí es un trabajo que presenta muchos puntos verdaderamente altos en su realización gracias a que Kavanagh logra generar una atmósfera realmente impresionante que desde el primer instante transmite una sensación de soledad/locura como pocas y que ayuda a establecer rápidamente el tono general de la historia. La cual, dicho sea de paso, no es para nada compleja; de hecho, es un tanto común, pero ahora presentada desde el lado de un esposo cuya salud mental se va destruyendo poco a poco ante la horrible situación que vive, cambiando la dinámica que por lo regular está más vinculada con personajes femeninos y brindándole así cierta frescura que resulta vital para que uno adquiera interés o no en lo que está por venir.

El problema es que una vez que muere la esposa la película se vuelve en extremo repetitiva, no solo porque sabes claramente qué es lo que ocurrió, sino porque el personaje de David se ve involucrado en una serie de situaciones en las cuales, más que sentir pena por él y empezar a dudar sobre su culpabilidad, provocan cierto hartazgo ante lo tremendamente ridículas que son algunas de sus acciones para demostrar que un fantasma está detrás de todo. También cuenta con cierta investigación, un tanto irrelevante, pero que ayuda a darle más contenido y gracias al ritmo fluido implementado nunca se siente cansino; además de que la implementación de ciertos sustos fáciles y flashbacks igualmente aportan cierto grado de tensión que por momentos se pierde.

El final es predecible, lo cual para muchos puede no importar pero para mí terminó afectando bastante al no presentar realmente nada que pudiera crear algo de duda. Esto a pesar de que el tercer acto en general es por mucho el más gráfico y cuenta con algunas escenas de impacto que cumplen totalmente con su cometido para que se te queden en la cabeza por su crudeza.

En actuaciones no hay mucho que recriminar, ya que Evans en general logra sacar adelante su papel y los secundarios son un buen complemento a pesar de que todos cuentan con tiempo limitado en pantalla. La producción no decepciona: el trabajo de fotografía es el alma de la película, generando un contraste muy interesante con los tonos opacos y colores chillones de los sets, el sonido es otro punto alto y los efectos/maquillaje, si bien muy dosificados, cuando son desplegados de manera relevante resultan muy efectivos.

Opinión final: The Canal es un hit or miss dependiendo de cómo digieran su desenlace. Aún así no es un mal trabajo en lo absoluto.

Ojometro:

***

Crítica: As Above, So Below (2014)

Película dirigida por John Erick Dowdle (The Poughkeepsie Tapes), cuyo guión co-escribió junto con su hermano Drew Dowdle. Se estrenó en cines dentro de los Estados Unidos durante el mes de agosto, recaudando hasta la fecha $40.2 millones de dólares en taquilla a nivel mundial. Está disponible en formato digital desde el 18 de noviembre y su salida en físico está planeada para el 2 de diciembre.

Sinopsis:

Cuando un grupo de exploradores se aventura a entrar a las catacumbas debajo de la ciudad de Paris, estos descubren un secreto que lleva oculto durante cientos de años en la denominada ciudad de los muertos. Sin embargo, conforme más se adentran en las profundidades empezarán a enfrentar demonios del pasado que no pretenden dejarlos salir de ahí.

Comentarios generales:

Es bastante sorprendente que las catacumbas de Paris sigan sin ser lo suficientemente explotadas dentro de este género cuando por si solas brindan no solo el escenario perfecto para poder crear cosas interesantes desde el aspecto visual, sino también una amplia cantidad de opciones desde el lado creativo. De momento solo recuerdo dos trabajos que las involucren y probablemente As Above, So Below es el mejor de estos.

Los hermanos Dowdle nos traen un found footage cuyo principal atractivo en el papel son precisamente las propias catacumbas, pero en realidad con el paso de los minutos se te va revelando que existe algo mucho más complejo detrás que la convierte en una película un tanto ajena a lo convencional dentro de esta clase de historias. Evidentemente tiene todos los elementos que las caracterizan, pero lo que la hace diferente es toda la parte de acertijos y pistas que el grupo va resolviendo durante su camino, donde el propósito principal es que tú como espectador no dejes de poner atención ni un solo instante mientras se van adentrando en las profundidades de un lugar que, si bien no es lo suficientemente explotado, es vendido de manera acertada como un tipo de infierno dentro de este mundo. Además de que todo esto le brinda un dinamismo poco común.

Lamentablemente una vez que la mayoría de los acertijos importantes se ven resueltos la película cae en un bache muy notorio, empezando a dar vueltas sobre los mismos puntos una y otra vez; aunado a que la sensación claustrofóbica que supuestamente deberían de generar nunca se siente. De hecho, salvo por una escena muy bien lograda casi al inicio, esto no parece ser un punto importante a tratar y aunque si cuenta con algunos buenos sustos, así como algunas escenas de impacto bien logradas, nunca sentí que existiera ese gran momento que se te va a quedar en la cabeza durante varias horas.

El final puede resultar confuso si no se le pone suficiente atención, pero en términos generales me pareció sólido gracias a que juega más con el lado psicológico y se sale de los estándares comunes vistos en los found footage en su conclusión.

Las actuaciones son aceptables, el grupo desarrolla buena química y eso se debe a que se comportan de manera coherente la mayor parte del tiempo; aunque Perdita Weeks en su personaje de Scarlett por momentos resulta un tanto desesperante. La producción en general es pobre: el trabajo de iluminación deja mucho que desear y lo que supuestamente es la atracción principal es poco visible; el sonido es aceptable y los pequeños efectos utilizados difícilmente resaltan.

Opinión final: As Above, So Below está aceptable. No es nada excepcional pero cumple perfectamente con su cometido.

Ojometro:

***

Crítica: Wolves (2014)

Producción canadiense escrita y dirigida por David Hayter, la cual significa su primer largometraje, así como su debut dentro del género. Se estrenó en Canadá y los Estados Unidos durante el mes de octubre vía VOD; posteriormente llego a cines. Aún no se sabe si llegará a México o a otros mercados, pero considero que es posible para 2015.

Sinopsis:

Cayden (Lucas Till) es un joven que tiene la vida perfecta: es capitán del equipo de futbol de la preparatoria, tiene buenas calificaciones y una novia hermosa. Sin embargo, él sabe que algo le ocurre pero no sabe exactamente qué; hasta que una noche despierta y descubre que ha asesinado a sus padres gracias a la bestia que siempre ha llevado por dentro.

Comentarios generales:

Debo de admitir que en cuanto vi el tráiler lo primero que se me vino a la mente es que se trataba de otra película más de amor adolescente bajo la máscara de un género de terror popular, lo cual en parte si es. Aunque para ser sinceros en esta ocasión no se le da realmente mucha importancia a eso y lo que tenemos es un trabajo que me hizo recordar a aquella serie de finales de los 90s e inicios de los 2000s llamada Big Wolf on Campus, pero con un tono ligeramente más elevado y con cierta inspiración en The Howling.

Realmente Hayter nunca se propone expandir de manera importante el concepto del hombre lobo, de hecho, en su forma de traernos esta historia nunca contempla mostrar los conflictos del joven con su bestia interna y eso nos brinda una introducción rápida, sin muchas complicaciones; estableciendo así un ritmo bastante fluido desde los primeros veinte minutos que, salvo por unos breves momentos, nunca pierde. Básicamente se trata de los lobos buenos vs. los lobos malos, dejándolos encerrados en un poblado para que el conflicto sea mucho más marcado y se simpatice desde el primer instante con los que no son simples maquinas de matar.

Tiene varias escenas de acción bien hechas, igualmente cuenta con algunas muertes digamos violentas que nunca terminan por ser lo suficientemente sangrientas que uno quisiera; incluso las que supuestamente tendrían que ser las más gráficas de todas no ocurren en cámara. El punto bajo es que toda la historia de Cayden termina pasando a segundo término de manera muy rápida; si sigue teniendo relevancia, pero en su afán por querer tirarle a un público adolescente se centran más en su romance que en la relación familiar que pienso pudo darle mucho más jugo a las cosas y evitado así que se sintiera un tanto repetitiva.

La batalla final me dejó un poco decepcionado. No está mal, incluso le añaden un giro que no vi venir, pero si termina siendo muy blando en ciertos aspectos.

Las actuaciones no son nada del otro mundo pero la mayoría del elenco saca sus roles adelante sin mucho esfuerzo. En cuanto a la producción se nota que tuvo poco presupuesto, pero salvo unas muy malas escenas con el protagonista “viajando” en motocicleta, todo lo demás cumple: tiene un buen trabajo de fotografía, está bien ambientada, el score me agradó en general y los efectos son muy sencillos. Aunque como suele ser costumbre en esta clase de trabajos lo que atraerá la atención es la caracterización de los hombres lobo, la cual raya un poco en lo caricaturesco, pero que al no ser en lo absoluto digitalizada permite mostrar mucho mejor las personalidades de cada personaje.

Opinión final: Wolves está ok. Es más para pasar el rato que otra cosa y le tira a un público mucho más juvenil, lo cual puede ser del desagrado de muchos.

Ojometro:

***

Crítica: The Taking of Deborah Logan (2014)

Primer largometraje del director Adam Robitel, quien además es co-escritor del guión junto con Gavin Heffernan. Se estrenó el pasado 21 de octubre vía VOD dentro de los Estados Unidos y a inicios de noviembre salió directamente en DVD e iTunes.

Sinopsis:

Mia (Michelle Ang) ha encontrado el tema perfecto para su tesis sobre el Alzheimer y para ello decide filmar durante los próximos meses la vida de Deborah Logan (Jill Larson) y su hija durante la batalla de la primera con dicha enfermedad. Al inicio todo marcha conforme a lo planeado, pero con el paso de los días pronto se darán cuenta que Deborah empieza a experimentar cosas raras que no son consistentes con ninguno de los síntomas del Alzheimer.

Comentarios generales:

Una de las cosas que siempre he criticado sobre los found footage en los últimos años es la poca habilidad que la mayoría de dichos trabajos tienen para generar una auténtica sensación de terror e incomodidad durante gran parte de su duración. Casi todos se limitan a unos cuantos minutos mientras que el resto suele ser una ola de aburrimiento brutal, pero ese no es el caso de The Taking of Deborah Logan; tal vez el found footage mejor realizado en un buen tiempo.

Y es que Robitel y Heffernan nos traen algo diferente, no en la manera de presentar las cosas porque la película sigue el formato característico, sino en la forma de ir desarrollando la historia; esto gracias a que la primera mitad se centra en lo aterrador que puede llegar a ser el Alzheimer, sus consecuencias y sobre como no solo afecta al paciente que lo padece, sino también a todos los que están a su alrededor. Lo cual puede llegar a parecer aburrido pero nunca lo es, ya que de manera inteligente se van insertando poco a poco elementos más sobrenaturales cuyo claro propósito es ir preparando el camino para lo que viene a partir de la segunda mitad, construyendo además por medio de la relación madre-hija algunos momentos en verdad desgarradores; donde de manera muy sutil también nos empiezan a vender la idea de que Deborah es alguien aterradora por sí misma: con una sola mirada es capaz de incomodar al espectador.

Todo fluye de buena manera, no tiene muchos lapsos cansinos y justo cuando piensas que se puede empezar a caer se integran de manera total elementos vinculados con un asesino serial, fantasmas y mitología ligada a las víboras que terminan por darle mucho mayor complejidad a las cosas. Evidentemente sabemos que Deborah no solo está enferma desde temprano en el filme, pero todo esto le añade mucha mayor sustancia para volver los orígenes de esta maldad en algo verdaderamente intrigante y darle un giro que se salga de lo convencional. Combinándolo con varios sucesos que gráficamente puede que no sean tan impactantes, pero que generan una sensación de tensión muy fuerte cada que la protagonista termina por escaparse en las noches.

Igualmente tiene un grado de sensatez pocas veces vista en el found footage: los motivos de la grabación continua están bien justificados o cuando las cosas se ponen peligrosas uno de los personajes decide irse y no regresar. El único problema que le encontré en este aspecto fue la facilidad con la que Deborah se escapa de cualquier lugar en donde este... ¿Acaso nadie podía vigilarla?

El final es realmente bueno. Presenta una persecución digamos pasiva, que no muestra nada particularmente violento, pero nos brinda sin duda alguna una de las escenas más perturbadoras y únicas de todo el año.

En cuanto a las actuaciones son Jill Larson y Anne Ramsay quienes se llevan las palmas; tienen muchísima química para que su situación te atrape desde el momento en que aparecen en pantalla, además de que la primera tiene una presencia bastante imponente. La producción está ok: realmente lo más sobresaliente en este aspecto es el trabajo de maquillaje implementado para mostrar los estragos físicos en Deborah y algunos efectos, especialmente los que están ligados con la escena mencionada arriba.

Opinión final: The Taking of Deborah Logan es un found footage que vale la pena. Tal vez de los mejores trabajos de este tipo que han salido en los últimos cinco o seis años.

Ojometro:

****

Crítica: Jessabelle (2014)

Película escrita por Ben Garant y dirigida por Kevin Greutert (Saw VI, Saw 3D). Se estrenó de manera limitada en cines, así como en VOD, dentro de los Estados Unidos el pasado 7 de noviembre. Su salida en formato físico está planeada para enero del 2015 y seguramente será por ese medio como llegará a otros mercados.

Sinopsis:

Jessie (Sarah Snook) se ve obligada a regresar con su padre a la casa donde paso su infancia después de sufrir un terrible accidente que la deja momentáneamente en silla de ruedas. Sumergida en el aburrimiento y con algunos recuerdos del pasado, pronto ella descubrirá un misterio que rodea su nacimiento, así como a un peligroso fantasma que está dispuesto a eliminarla.

Comentarios generales:

El género de terror es peculiar porque es uno donde se condena como en ningún otro el hecho de que una película siga fórmulas ya vistas, generando así una oleada de críticas negativas que por momentos me resultan muy absurdas cuando en algunos otros el reciclaje de ideas es constante y no se suele ser tan drásticos al respecto. Es por ello que Jessabelle tenía desde un inicio un panorama complicado a pesar de ser un trabajo aceptable en prácticamente todas sus líneas, esto porque se trata de uno en el que la originalidad no es precisamente su fuerte.

Lo que Greutert nos trae es una historia de misterio/suspenso a la vieja escuela cuya principal meta es tener al espectador lo más confundido posible durante la mayor parte del tiempo; llevándote por una serie de eventos trágicos que rodean a la protagonista y que desencadenan varias preguntas que con el paso de los minutos irán encontrando cierta respuesta. Aunque para esto se implementa un ritmo poco atractivo, muy pausado, en donde lo importante es ir construyendo una atmósfera desoladora por medio de sustos fáciles, así como alguna que otra situación de alto impacto para venderte la idea de que el personaje de Jessie no solo está en grave peligro, sino que además nada ni nadie puede ayudarle (esta momentáneamente invalida y sola en una casa tétrica, parece estar loca, su padre no es precisamente amoroso, todo el mundo dentro del pueblo la mira con desconfianza), lo cual se logra de manera perfecta.

El principal problema que le encontré es que trata de mostrar muchísimas cosas sin que se profundice demasiado en una en particular: el vudú es tratado apenas con pinzas, la relación tensa entre padre e hija es irrelevante y los vídeos de la madre no parecen tener sentido (entre otras). Todo esto se presenta de manera acelerada, sin darte el tiempo suficiente para digerir cada una de las piezas y encontrarles lugar dentro de este rompecabezas; provocando así que el proceso de investigación sea poco convincente e incluso quitándole cierta fuerza a un tema con el que se podía jugar un poco más como lo es el vudú.

Aunque por otra parte las escenas que involucran al fantasma ayudan a mantener el tono inicial y para recordarte de vez en cuando que esto sigue una línea mucho más orientada al suspenso. Están muy bien hechas, no son muy gráficas o sangrientas pero logran varios momentos de terror sólido.

El final me pareció efectivo. A pesar de que podía perderse entre tanta mezcla de ideas y explicaciones aceleradas termina siendo muy claro y deja abierta la posibilidad a una secuela que no creo que se dé.

En cuanto a las actuaciones en general todo el reparto está bastante bien, pero debo de decir que Snook resultó ser una grata sorpresa debido a maneja perfectamente ese rol de chica indefensa que te hace querer que salga bien librada de toda esta serie de eventos catastróficos que la rodean. La producción es otro punto alto: la dirección de arte está bien cuidada, el sonido muy limpio y cuenta con un trabajo de maquillaje aceptable con el fantasma. Sin embargo, es el trabajo de fotografía lo que más resalta dado a que es espectacular: las tomas en exteriores son estupendas, además de que las transiciones de la realidad a la aterradora “ficción” dentro de la casa se vuelven parte fundamental.

Opinión final: Jessabelle me entretuvo y aunque no aporta nada nuevo definitivamente vale la pena darle la oportunidad.  

Ojometro:

****

Crítica: Exists (2014)

Película dirigida por Eduardo Sánchez (The Blair Witch Project), cuyo guión fue escrito por Jamie Nash. Se estrenó vía VOD el pasado 3 de octubre dentro de los Estados unidos y posteriormente vio un estreno limitado en cines. No existe información sobre si llegará a México o a otros mercados.

Sinopsis:

Cinco amigos pretenden pasar un fin de semana de fiesta dentro de los bosques de Texas y mientras se dirigen a su destino golpean algo en la oscuridad de la noche, pero no saben qué. Desconcertados siguen con su plan; sin embargo, pronto se verán acosados por una criatura que no tiene intenciones de dejarlos escapar con vida.

Comentarios generales:

Pie Grande-Found footage, una de las combinaciones mortales en años recientes que me hacen esperar lo peor cada vez que un trabajo la utiliza y que tan solo en este 2014 ha sido implementada al menos en cuatro diferentes con resultados poco satisfactorios. Aunque en este caso la dupla encargada de traernos esta película era una experimentada, con varios años trabajando juntos y con un director que regresaba al género que lo catapultó, así que había posibilidades de encontrar algo mucho mejor a lo acostumbrado.

En Exists lo que Sánchez nos trae es un filme que recoge varios aspectos viejos utilizados desde TBWP para presentar su historia con platica excesiva, caminata, alguno que otro personaje odioso o momentos random en donde el desarrollo no es precisamente el punto central; sin embargo la diferencia radica en que no espera demasiado para revelar el peligro por el cual estos amigos tendrán que pasar, además de que no cae en la trillada dinámica de mostrar teorías sobre Pie Grande que solo consumen tiempo porque si. De hecho, esta debe de ser una de las found footage en donde más rápido se da la introducción, aunque eso no significa que sea precisamente entretenida; especialmente porque casi todo se basa en gritos lejanos de la criatura y tomas desenfocadas (o nocturnas) que resultan aburridas.

Es una vez pasados los primeros 20 minutos cuando las cosas adquieren un ritmo frenético, donde no se pretende darle muchas vueltas a la historia y se va directamente a una serie de encuentros con un buen grado de tensión, más no de violencia extrema, que se encargan de establecer el tono por el resto de la película. Desafortunadamente también es en este periodo cuando se presentan algunas situaciones poco convincentes; no solo al momento de justificar la grabación de todos los hechos, sino en la inteligencia misma de Pie Grande (que es presentado como el ser más inteligente del universo).

El final me agradó gracias a que se desarrolla de día, tiene mucha acción y lo más importante, se muestra sin el mayor problema a la criatura. Esto le brinda una dinámica completamente distinta en comparación a otros trabajos, demostrando que para crear tensión extrema no se necesita tenerla oculta todo el tiempo; aunque igualmente presenta un punto difícil de asimilar como justificación para el comportamiento asesino de Pie Grande, el cual incluso para muchos puede caer en lo cómico.

Las actuaciones son promedio, en gran medida porque la mayoría de los personajes son simples bultos listos para ser eliminados con el propósito de que nadie resalte. La producción para ser una found footage no está mal: las tomas nocturnas tienen buena visibilidad, el trabajo de sonido es bastante potente en las escenas que lo ameritan y cuenta con efectos simples, pero sólidos. Aunque lo que más llamará la atención es la caracterización de Pie Grande, la cual está bien lograda en términos generales.

Opinión final: Exists debe de ser la mejor película sobre este tema que ha salido en los últimos años. No es nada espectacular, pero brinda varios momentos entretenidos.

Ojometro:

*** 

Crítica: Mockingbird (2014)

Película escrita y dirigida por Bryan Bertino (The Strangers), quien hace su regreso después de seis años de ausencia. Se estrenó a inicios de octubre dentro de los Estados Unidos por medio de diversas plataformas digitales y posteriormente el día 21 salió en formato físico, aunque no se sabe si llegará a otros mercados.

Sinopsis:

Una pareja, una estudiante y un perdedor reciben tres cámaras con la instrucción de filmar todo lo que ocurre mientras les llegan más reglas que deben de seguir. Al inicio todo es diversión, pero con el transcurso de la noche comprenderán que se encuentran dentro de un aterrador juego del cual no pueden escapar.

Comentarios generales:

The Strangers fue una película que me gustó mucho en su momento y el saber que su director volvería después de todos estos años me generaba cierta emoción, esto a pesar de que Mockingbird llevaba en la congeladora un par de años (situación que por lo general no es buena señal). La premisa en el papel lucia atractiva como para poder brindar algo interesante que evocara un poco a su exitoso debut del 2008, pero definitivamente en esta ocasión no encontró el rumbo.

Ya que Bertino nos trae un found footage poco inspirador donde pretende mezclar algunos conceptos ya vistos hasta el cansancio por medio de una dinámica que en todo momento se siente obsoleta y sin imaginación, llena de situaciones que no llevan a ningún lado dentro de una historia de por si limitada. Presentando una introducción exageradamente larga dentro de una película que a duras penas alcanza los 75 minutos, la cual durante un gran porcentaje del tiempo te limita a ver a cuatro personajes que por alguna razón aceptan filmar todo por medio de cámaras viejas (esto se desarrolla a mediados de los 90s) sin la necesidad de cuestionar absolutamente nada a pesar de que es algo extraño; simplemente te dan tours por sus casas o se dedican a tener conversaciones poco interesantes que vuelven muy difícil el poder involucrarse de lleno con lo que ocurre en pantalla.

Una vez pasada esta introducción las cosas suben de intensidad ligeramente, aunque el problema radica en su presentación: la premisa del juego en si es interesante, pero no saben cómo mostrártela. Hay dos historias que son prácticamente idénticas en cuanto a ritmo y tono, mientras que la tercera, la del perdedor, adopta una postura mucho más “cómica” que termina provocando un desbalance notorio al momento de querer generar tensión; básicamente actúa como un ancla que le quita fuerza a las pocas situaciones de verdadero suspenso que logran construir y la vuelve sumamente aburrida.

El único punto positivo que le encontré fue la justificación para que se estuviera filmando en todo momento, lo cual resulta tan simple como deshabilitar el botón de encendido.

El final es muy predecible a partir de que comprendes la conexión de los eventos y eso le quita interés, además de que la “sorprendente” revelación termina sintiéndose sin ningún tipo de impacto ante lo genérica que es.

De las actuaciones hay poco que decir debido a que casi no hay material para hacerlo y los actores en realidad se limitan a los gritos comunes en esta clase de trabajos. La producción tampoco tiene mucho para resaltar: el trabajo de iluminación me pareció deficiente, el sonido está bien cuidado para que todo se pueda entender claramente, tiene un score estándar y carece prácticamente en su totalidad de efectos o maquillaje complejo.

Opinión final: Mockingbird es bastante pobre. Es una película más que olvidarán después de una o dos horas de haberla visto.

Ojometro:

**

Ranking: A Nightmare on Elm Street

El día de hoy se cumplen treinta años del estreno de A Nightmare on Elm Street, una de las películas más importantes en la historia del cine de terror creada por la mente del siempre polémico Wes Craven. 

Sin duda alguna un pilar absoluto que ayudó a popularizar el género slasher durante la década de los 80s y que además dio vida a uno de los iconos más grandes del terror como lo es Freddy Krueger.

Para celebrar esto tenía pensado escribir solo sobre la película original, pero dado a que la saga de Elm Street es bastante grande mejor decidí hacer un ranking personal sobre esta y así no dejar nada de lado. Ya que como toda franquicia de terror ha tenido desde grandes trabajos hasta bodrios insufribles que, para bien o para mal, han dejado un legado que solo unas cuantas pueden igualar tanto en cantidad como en relevancia.

Al momento de realizar el ranking tome en cuenta las nueve películas que se consideran oficiales: las seis de la línea de tiempo 1984-1991, New Nightmare, el crossover de Freddy vs. Jason y el remake de 2010. Dejando fuera otros trabajos alternos como el documental Never Sleep Again: The Elm Street Legacy o la serie de TV Freddy's Nightmares.

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9 - A Nightmare on Elm Street 2: Freddy's Revenge (1985)

Director: Jack Sholder

Recaudación: $29.9 millones

Ojometro: *

Nunca he sido fan de Freddy's Revenge, tal vez porque aquí en México la pasaban hasta el cansancio por TV totalmente censurada o porque siempre he encontrado absurdo todo el tema homoerótico que la rodea, pero simplemente no hace “click” conmigo.

Craven nunca quiso hacer una secuela y básicamente cuando saltó del barco el proyecto ya estaba condenado, especialmente porque el guión de David Chaskin tira por la borda todo lo que la primera entrega construyó. Ya que la sola idea de que Freddy mate a sus víctimas en el mundo real y no dentro de sus sueños por medio de la posesión del cuerpo de Jesse siempre me ha parecido muy estúpida debido a que le quita todo el sentido a lo que lo hacía verdaderamente aterrador, a pesar de que aquí la parte cómica todavía sigue siendo mínima.

Además, salvo por la escena de la masacre en la alberca, no tiene muchas cosas memorables. 

8 - A Nightmare on Elm Street (2010)

Director: Samuel Bayer

Recaudación: $115.6 millones

Ojometro: *

Contrario a otros remakes, con el de A Nightmare on Elm Street nunca deje de pensar que iba a ser un verdadero desastre gracias a una sola cosa: la ausencia de Robert Englund. 

Y es que a diferencia de otros slashers conocidos en donde basta con conseguir a alguien con una presencia física importante para ocultarlos detrás de una máscara, aquí la personalidad de Freddy es pieza fundamental para que funcione y aunque pienso que Jackie Early Haley no lo hace mal, simplemente no logra hacer que esta versión resalte como debería.

Lo único que le reconozco es el esfuerzo por tratar de regresarle un tono mucho más oscuro a la franquicia, pero en su afán por lograrlo crearon un trabajo que todo el tiempo se siente forzado, sin alma; hecho más que nada para explotar la popularidad del personaje y que las nuevas generaciones lo conocieran mientras la caja registradora sonaba. Además es genérica como pocas, con mucha sangre pero sin nada de imaginación con las muertes y tiene una protagonista que odió estar ahí y se nota todo el tiempo.

Simplemente hay películas que nunca debieron de existir y esta es una de esas. 

7 - A Nightmare on Elm Street 5: The Dream Child (1989)

Director: Stephen Hopkins

Recaudación: $22.1 millones

Ojometro: *

Este es un caso curioso porque de todas las entregas esta probablemente sea la que trate temas mucho más delicados para la década de los 80s, pero a la vez deja claro que Nightmare on Elm Street no era precisamente el mejor lugar para exponerlos cuando la franquicia ya se encontraba más del lado cómico que del terror.

The Dream Child es una mezcla de muchas cosas que provocan que la historia en si sea un desastre total, donde no solo parece muy absurdo el tema de alimentar a un bebe por medio de almas, sino que la profundización sobre la historia de Krueger luce sumamente forzada. Además de que cuenta con el nada agradable reconocimiento de ser la película con el menor número de muertes (3) y con la que tal vez sea la actuación más pobre de Englund.

También es la clara evidencia de que el público se estaba empezando a cansar un poco, no solo de la franquicia, sino del cine de terror en general. Ya que esta es la segunda peor entrega en cuanto a recaudación en taquilla se refiere. 

6 - Freddy's Dead: The Final Nightmare (1991)

Director: Rachel Talalay

Recaudación: $34.8 millones

Ojometro: **

Si se pregunta por la peor película de la franquicia es probable que un gran número de fans mencionen esta, algo comprensible considerando que es por mucho la más cómica de todas y donde ponen a Krueger más como un bufón que otra cosa. Aún así, personalmente nunca me ha desagradado como las tres anteriores; de hecho, creo que es ese lado bufonesco lo que brinda los mejores momentos.

The Final Nightmare fue otra de las tantas entregas que tuvieron que lidiar con cambios en el guión de último minuto, lo cual genera varios huecos creativos al momento de unir todas las piezas: la historia de la hija se siente forzada, Jon Doe termina siendo irrelevante y todo el mundo parece aceptar la existencia de Freddy sin problemas, incluso sin saber de él. Aunque junto con todo eso tenemos momentos sumamente locos, muertes entretenidas, cameos y muchas frases para la posteridad.

Además se puede decir que este es el cierre definitivo de la historia original (la entrega que le siguió manejó un concepto completamente distinto) y eso generó un interés importante en su momento al tener una recaudación de 34.8 millones de dólares en taquilla, convirtiéndola así en la quinta más exitosa en ese rubro. 

5 - Freddy vs. Jason (2003)

Director: Ronny Yu

Recaudación: $114.9 millones

Ojometro: ***

¿Placer culpable? Puede ser. De hecho, este crossover me ha gustado más y más con el paso del tiempo con respecto a la primera vez que lo vi; en gran medida porque se me hace muy entretenida.

Evidentemente no tiene la mejor historia, ni tampoco podemos olvidar tan fácil el hecho de que Kelly Rowland recibe más tiempo en pantalla que Katharine Isabelle, pero para todos los que sufrimos la espera de diez largos años para ver esta película poco importa eso. Aquí lo que cuenta es ver a Freddy y a Jason destrozándose mutuamente, algo que se logra de manera estupenda debido a que cada escena en donde interactúan este par de iconos es oro puro. Ni que decir de su épica pelea final.

Es entretenimiento barato y, tal vez, un tipo de crossover que nunca más volveremos ver.

4 - A Nightmare on Elm Street 4: The Dream Master (1988)

Director: Renny Harlin

Recaudación: $49.3 millones

Ojometro: ***

Usualmente detestada por muchos por ser el claro punto en donde la franquicia tomo un enfoque más cómico, pero a mí siempre me ha gustado y considero que es la última buena entrega ligada con la historia original.

The Dream Master significa básicamente el comienzo de la segunda vida de Nightmare on Elm Street, ya que no solo termina por eliminar los vestigios que quedaron pendientes en Dream Warriors, sino que además es el cambio de estafeta en cuanto a la heroína se refiere: aquí es donde Alice toma el lugar que dejo pendiente Nancy y, en cierta forma, creo que resulta una mucho mejor contraparte para Freddy.

Tiene buenas muertes (de las entregas con mayor número junto con la 2 y 3), la forma de poner en peligro a los nuevos personajes está bien pensada y sobre todo cuenta con una gran actuación por parte de Robert Englund. Quien básicamente acepta cualquier cosa que le pidan hacer para imprimirle todo su sello personal.

Además, sin duda alguna fue el punto más alto en la popularidad de Krueger debido a que tiene el honor de ser la película de terror más taquillera de la década de los 80s (que no es cosa menor) y es la tercera dentro de toda la franquicia. 

3 - Wes Craven's New Nightmare (1994)

Director: Wes Craven

Recaudación: $19.7 millones

Ojometro: ****

A mi juicio una de las películas más subvaloradas del género, la cual terminó sufriendo los estragos que provocaron tanto The Dream Child como The Final Chapter. Y como muestra está el dato de que se trata de la película con menos recaudación de todas (aunque en críticas es de las mejor valoradas).

Un factor común que tienen los tres primeros puestos del ranking es que Wes Craven estuvo involucrado directamente con la elaboración del guión y con New Nightmare demuestra que solo él parece saber realmente como manejar a Freddy. Aunque en este caso lo que la hace tan especial es la nueva dirección que le brinda a todo el universo de Elm Street, cambiando completamente la temática para tratar de que ahora sean los propios filmes los que superen a la realidad y no los sueños; agregándole un trasfondo mucho más oscuro que limita la presencia de Krueger, pero le devuelve ese aire amenazador de la primera entrega.

Además reúne a parte del elenco original, lo que es poco común.

2 - A Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors (1987)

Director: Chuck Russell

Recaudación: $44.7 millones

Ojometro: *****

Después del desastre que significó Freddy's Revenge, New Line Cinema se tomó su tiempo para sacar una tercera entrega y para ello trajeron de vuelta a Craven (quien pretendía que esta fuera el cierre definitivo). Una decisión más que acertada, ya que si bien hubo discrepancias sobre el rumbo de la historia y una re-edición del guión, al final Dream Warriors resultó ser la perfecta mezcla de terror/comedia en toda la franquicia.

Utilizando el tema de los suicidios se vuelve a conectar todo con la original y aunque evidentemente Freddy aquí ya empieza a ser un asesino mucho más cómico, este todavía mantiene cierto aire amenazante que ayuda en demasía a darle un toque muy particular a las muertes dentro de esta entrega. Además de que por primera vez se profundiza sobre sus orígenes. 

Devolvió las bases del terror mediante los sueños, le dio a los fans el enfrentamiento final entre Nancy y Krueger, tiene unos efectos especiales muy destacados e incluso integra elementos que todavía fueron utilizados en los años posteriores como el Hypnocil, Westin Hills o el concepto de desarrollar habilidades especiales dentro de los sueños.

Mi único problema (además de The Wizard Master) es que, a pesar de que en la línea de tiempo ya han pasado siete años, la verdad es muy difícil creerte la idea de que Nancy sea doctora cuando se sigue viendo igual de joven que la mayoría de los pacientes asesinados. 

1 - A Nightmare on Elm Street (1984)

Director: Wes Craven

Recaudación: $25.5 millones

Ojometro: *****

¿Qué más se puede decir de esta película? Ya que con A Nightmare on Elm Street uno no solo está hablando sobre la mejor entrega de la franquicia, sino también sobre una de las películas de terror más importantes, originales e influyentes de toda la historia.

Es la muestra más clara de que Wes Craven era una de las mentes más creativas de aquella época al presentarnos un concepto que jugaba todo el tiempo con la perspectiva del espectador de manera brillante; en donde la violencia gráfica era importante, pero cuyo principal sustento se daba en la idea de lo indefenso que estaba el ser humano tanto en sus sueños como en la vida real gracias a los estragos que ocasionaba el no poder dormir. 

Además, contrario al rumbo que con el paso del tiempo tomó la franquicia, aquí el terror es lo que predomina: la primera escena en donde sale Freddy me sigue pareciendo aterradora y aunque el personaje si tiene ciertas dosis de humor, este es una amenaza extremadamente potente cada vez que aparece en pantalla.

Cuenta con varias escenas memorables (incluidas dos de las muertes más espectaculares en el historial de Krueger), los efectos especiales siguen siendo muy sólidos incluso después de treinta años, catapultó a Robert Englund como un icono del género de terror y tiene el plus de ser el filme en donde debutó una mega estrella como Johnny Depp. Incluso en taquilla fue todo un éxito en su momento.

Es toda una historia de éxito y una película de la que se seguirá hablando durante décadas.

Crítica: Housebound (2014)

Producción neozelandesa escrita y dirigida por Gerard Johnstone, la cual significa su primer largometraje. Se estrenó en cines dentro de Nueva Zelanda durante el mes de septiembre y tanto en VOD, como en cines, en los Estados Unidos el pasado 17 de octubre; mientras que su salida en DVD está programada para el 18 de noviembre.

Sinopsis:

Kylie Bucknell (Morgana O'Reilly) es forzada a regresar al hogar en donde creció como parte de su arresto domiciliarlo y ahí tendrá que lidiar con su madre, quien cree firmemente que la casa está poseída. Al inicio ambas tienen fricciones por eso, pero una vez que ella empieza a escuchar extraños ruidos por las noches se cuestionará sobre si se está volviendo loca o, en efecto, hay un espíritu que no está muy feliz por su regreso.

Comentarios generales:

El cine de terror de Oceanía en los últimos años ha visto un incremento considerable en el número de producciones que suelen exportar, poco a poco se están haciendo de un mercado y sin duda eso ha hecho que las podamos seguir con más detalle. Además empiezan a diversificarse, a tomar más riesgos; siendo Housebound un ejemplo claro de ello al ser una comedia de terror que resulta mucho más inteligente de lo que su premisa te vende.

En su debut en cine Johnstone logra traernos un trabajo sólido en todas las líneas, donde se nota claramente el cuidado de cada detalle en la elaboración del guión para así poder lograr varias cosas que al inicio simplemente no te esperas, ya que esto es una comedia que no cae en convencionalismos y no solo pretende hacerte reír por medio de un humor fácil, sino que durante el trayecto tiene la capacidad de generar momentos genuinamente de terror.

Se trata de una combinación casi perfecta de ambas cosas que se va construyendo poco a poco, sin prisas, donde se te presenta un primer acto hasta cierto punto metódico, que juega con los sonidos y que no parece llevar a ningún lado fuera de las simples historias de fantasmas conocidas, pero una vez que nos muestra que no solo trata de eso empieza lo verdaderamente disfrutable. Ya que a partir del segundo acto el ritmo aumenta de manera notable y aquí es cuando el director logra establecer el tono general; de pronto toma tintes de thriller al incluir un asesinato no resuelto que cambia por completo la dinámica de las cosas. Generando situaciones que te llevan a distintos posibles escenarios para causar duda de lo que sucede en realidad: algunos cómicos, algunos otros llenos de suspenso, pero todos igual de efectivos al momento de crear un panorama amplio con respecto al tema del asesino.

Lo cual lleva a una primera gran revelación bien cuidada, tal vez un tanto predecible si se pone atención a los detalles, pero que termina por sentirse totalmente natural dentro de esta historia al generar la principal duda sobre la salud mental del personaje principal. 

El final es bastante bueno. Tiene una sorpresa y es por mucho la parte más violenta, así como sangrienta del filme.

En las actuaciones en general todo el reparto está bien, no encontré nadie que resaltara por encima de los demás. La producción es sólida: la dirección de arte dentro de la casa principal es muy buena (al igual que en la del vecino), el trabajo de sonido es sumamente importante dentro del primer acto y cumple a la perfección, además tiene un buen score. En la cuestión de efectos/maquillaje no esperen mucho, son cosas muy contadas; aunque en la parte final se ve una explosión de cabeza muy bien lograda.

Opinión final: Housebound fue una grata sorpresa. De las mejores comedias de terror no ligadas con zombies que han salido en los últimos años, véanla.

Ojometro:

*****

Crítica: The Babadook (2014)

Película escrita y dirigida por Jennifer Kent que significa su primer largometraje, así como su debut dentro del género. Se estrenó a inicios de año en cines dentro de Australia y apenas este 30 de octubre dentro de los Estados Unidos por medio de un canal de paga; aunque su salida en VOD y cines está planeada para fin de mes.

Sinopsis:

Amelia (Essie Davis) es una madre soltera que después de seis años sigue sufriendo por la muerte de su esposo y además tiene que lidiar con los miedos de su conflictivo hijo, quien está convencido de que un monstruo merodea la casa para matarlos a ambos.

Comentarios generales:

Una película de terror que hace ruido en Sundance siempre va a generar interés, eso es algo inevitable. Por ello este trabajo lo tenía como uno de los más esperados del 2014 debido a que prometía muchas cosas interesantes desde varios frentes y para mi agrado cumple en ofrecerlas casi en su totalidad.

Con The Babadook lo que pretende Kent no es llevarnos por los caminos convencionales del terror en estos últimos años, sino más bien ir construyendo el propio inspirándose en el cine expresionista por medio de una relación madre e hijo en extremo compleja. Aquí tenemos a un pequeño que es tremendamente fastidioso y cuyo comportamiento causa incomodidad en todo momento, provocando así que veamos los conflictos internos del personaje de Amelia que no solo se limitan a su salud mental, sino también a cuestionarse si verdaderamente quiere a su hijo por varios lapsos; esto bajo la construcción de una atmósfera sofocante, incluso tétrica, la cual te va marcando de manera tranquila que ocurrirá algo tarde o temprano sin que estés completamente seguro sobre si la amenaza es real o un simple producto de la imaginación (o locura) de alguno de los dos personajes principales.

Este ritmo tan pausado puede que llegue a ser un problema, al menos en mi caso llegó a fastidiar un poco (más por el personaje de Samuel), pero una vez que se establece el peligro la película fluye de manera estupenda. Realmente nunca se recurre a sustos fáciles o violencia gráfica, sino que gran parte del miedo producido aquí se realiza por medio de imágenes y sonidos; dejando todo en las sombras, solo dándote migajas sobre un ser del cual a lo mucho llegamos a ver lo más básico de su silueta mientras se encuentra asechando, esperando pacientemente a que una de sus presas se termine por quebrar para tomar el control y lograr su objetivo.

El final es bastante bueno, muy potente. El cual probablemente sea la parte de la película que se va un poco mas por lo convencional (sin que eso sea malo) para presentar una resolución un tanto sorpresiva.

En actuaciones debo de decir que Essie Davis está espectacular: es un carrusel de emociones impresionante que te hace sentir muchas cosas por su personaje; además de que tiene la suficiente fuerza y presencia para poder hacerte soportar al pequeño Noah Wiseman en su papel de Samuel.

La producción me sorprendió para lo modesta que es, especialmente todo lo que tiene que ver con la parte visual: el trabajo de fotografía logra de inicio a fin a generar un estilo gótico y por momentos deprimente en un espacio reducido que tiene claras referencias al cine expresionista alemán; la dirección de arte está muy bien cuidada. El sonido en general es sólido, mientras que los efectos son mínimos.

Opinión final: The Babadook es una buena película. A algunos les gustará más que a otros considerando su manejo del terror, pero no tiene desperdicio.

Ojometro:

****

Crítica: V/H/S: Viral (2014)

Tercera entrega (y supuestamente parte final) de la famosa antología de found footage creada en el 2012. Se estrenó vía VOD el pasado 23 de octubre y llegará de manera limitada a cines dentro de los Estados Unidos el próximo 21 de noviembre; aunque aun no hay detalles sobre si tendrá distribución a otros mercados.

Sinopsis:

Cuatro diferentes directores traen cuatro diferentes historias que de alguna u otra forma se unirán mientras se realiza una intensa persecución en un área de Los Ángeles.

Comentarios generales:

Con V/H/S/2 parecía que la franquicia iba en ascenso, todavía tenía ciertas cosas por corregir pero la opinión general era que iban por el camino correcto con un formato complicado para una antología. Por ello esta tercera parte lucia muy atractiva, ya que ahora con dos años de experimentación parecía que la formula iba a ser perfeccionada y tendríamos la versión definitiva de este concepto; sin embargo, Viral se queda muy lejos de ser eso.

“Vicious Circles” (Marcel Sarmiento)

Esta es la historia central, la cual trata de sobre un camión de helados que es perseguido por la policía de Los Ángeles. Suceso que un joven de nombre Kevin pretende captar con su cámara de vídeo para subirlo a internet y así volverse famoso, aunque las cosas no son tan sencillas como lo aparentan.

El principal problema de las dos entregas anteriores era que la historia que unía al resto de los cortos no era lo suficientemente sólida y, en ambos casos, coherente. Una situación que no cambia mucho con lo que nos trae Sarmiento debido a que esto es un auténtico desastre de inicio a fin, el cual pretende vender el concepto de la obsesión de los jóvenes por generar el nuevo gran hit de la internet sin explicarte gran cosa e insertando eventos de manera aleatoria que se desarrollan en los alrededores para tratar de convertir en algo interesante una persecución que pierde su encanto rápidamente y que al final te deja con la sensación de que nada de lo que viste tuvo sentido.

“Dante the Great” (Gregg Bishop)

Un mago fracasado se convierte de la noche a la mañana en un éxito rotundo cuando encuentra una capa que le perteneció a Harry Houdini y que le permite volver realidad cualquier ilusión que quiera. Aunque todo esto tiene un precio que debe pagar.

Cuando el primer cortometraje trata sobre un mago sabes que las cosas puede que no vayan por buen camino tratándose del terror, pero a pesar de todo término siendo el punto más entretenido de la película a pesar de su simpleza. No sigue la línea del found footage, sino que se maneja más como un falso documental donde se ve un despliegue de efectos interesante y un conflicto bien desarrollado que cuenta con una batalla final que no tiene desperdicio; lo malo es que nunca logran profundizar un poco más sobre la capa.

“Parallel Monsters” (Nacho Vigalondo)

Un inventor construye una maquina que abre la puerta a un universo alterno donde se encuentra con otra versión de él mismo. Ante la sorpresa, ambos deciden intercambiar universos por unos minutos; sin saber que existe una gran diferencia entre uno y el otro.

Este corto hablado totalmente en español es por mucho el más extraño de todos, aunque no le encontré nada interesante. El concepto del universo alterno no es malo, pero creo que al agarrar el sexo como tema central Vigalondo cae en un escenario bastante absurdo, donde no aprovecha para nada la sensación de incredulidad generada en los minutos iniciales y simplemente te deja con una serie de situaciones que no solo te provocan indiferencia, sino que además se ven de pobre calidad (los efectos son decepcionantes).

“Bonestorm” (Justin Benson y Aaron Scott Moorhead)

Un grupo de skaters de Los Ángeles utiliza una serie de cámaras para grabar sus vivencias con la patineta. Cansados de lo mismo, uno de ellos sugiere un viaje relámpago a Tijuana; del cual probablemente varios ya no regresen.

La perspectiva de este corto es casi en su totalidad en primera persona, lo cual en cierto modo le brinda un ritmo mucho más caótico que los otros dos y ayuda que la primera mitad no te aburra mientras ves al grupo de skaters hacer puras tonterías. La parte interesante llega cuando cruzan la frontera mexicana e inicia el caos sin mucha ciencia: un grupo de jóvenes luchando contra un culto satánico mexicano durante casi diez minutos que al inicio es divertido por la acción y sangre que nos ofrecen, pero que se torna repetitivo de forma muy rápida.

NOTA - Originalmente estaba programado otro corto dirigido por Todd Lincoln que tenía por nombre “Gorgeous Vortex”, pero por razones desconocidas no lo incluyeron en la edición final. Lo cual convierte a esta entrega como la más corta de todas y lo termina resintiendo, ya que cuando empieza a entrar en una dinámica aceptable concluye de manera abrupta.

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Opinión final: Viral es un gran paso para atrás en la franquicia. No estoy totalmente seguro si será el cierre de esta, pero si es así lo hace de la peor manera posible.

Ojometro:

**