Crítica: Watcher (2022)

Película escrita y dirigida por Chloe Okuno (V/H/S/94), la cual está basada en el guión original de Zack Ford. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 3 de junio, aunque todavía no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Julia (Maika Monroe) se muda junto a su esposo a Bucarest y mientras se adapta a su nueva vida solitaria empieza a sospechar que un extraño que la mira desde la ventana del edificio del otro lado de la calle puede que sea un asesino serial que decapita a sus víctimas.

Comentarios generales:

Honestamente no sabía que esperar de Watcher, ya que más allá de la presencia de Maika Monroe no había mucho en el trailer que resaltara de manera particular. Simplemente parecía un thriller más de Shudder; sin embargo, una vez terminado el visionado me quedé con un buen sabor de boca debido a que se trata de una película que, más allá de su simpleza, tiene una particularidad que indudablemente brinda algunas variables con respecto a la manera de digerirla por parte del espectador.

Y es que lo traído por Okuno es probable que ofrezca distintas sensaciones dependiendo de si quien la ve es hombre o mujer, incluso probablemente eso también determine el grado de terror que se pueda a llegar a sentir. Esto porque la historia se sustenta en un temor con el que muchas mujeres tienen que lidiar día a día, magnificándolo además con el tema de la soledad y la dificultad para comunicarse en un nuevo país para establecer así un nivel de vulnerabilidad mayor durante un primer acto que realmente no contiene nada de gran impacto como para agilizar las acciones.

Algo que en realidad se mantiene durante todo el metraje, aunque el hecho de que el ritmo sea semi-lento no la vuelve aburrida y en gran parte se debe a la progresiva paranoia mostrada por Julia que hace que rara vez te termine fastidiando esto. Construyendo una dinámica entre ella y su supuesto acosador que va añadiendo pequeños momentos de tensión efectivos la mayoría de las veces para generar dudas con respecto a la veracidad de sus denuncias; sin embargo, también durante el segundo acto pueden existir ciertos momentos en los que se llega a sentir que el desarrollo se estanca un poco considerando que hay repetitividad de situaciones.

Un detalle que no afecta demasiado a una parte final que no es que goce de espectacularidad ni nada similar, más si eleva discretamente la sensación de peligro. Y lo logra por medio de interacciones que a base de puro diálogo resultan intrigantes, pero igualmente no se duda en utilizar algo de shock visual para dejar un desenlace que tenga el impacto necesario.   

En cuanto a las actuaciones hay que decir que Maika Monroe hace un buen trabajo. Su constante paranoia logra que una película que realmente no cuenta con demasiada acción te tenga interesado en todo momento por saber si lo que experimenta es real o no, mientras se ve complementada por un limitado número de secundarios que también cumplen con sus respectivos objetivos.

Y sobre la producción, es de buena factura: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte está bien cuidada, el score resalta bastante, el trabajo de sonido es limpio y lo referente a efectos/maquillaje resulta discreto.

Opinión final: Watcher me gustó. Thriller psicológico que definitivamente no es para todo el mundo, pero que no está de más darle una checada.

Ojometro:
****

Crítica: The Twin (2022)

Producción finlandesa dirigida por Taneli Mustonen (Lake Bodom), quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a Aleksi Hyvarinen. Se estrenó en cines dentro de Finlandia durante el mes de abril, mientras que en México hizo lo propio el pasado 14 de julio.

Sinopsis:

Después de un trágico accidente que le costó la vida a uno de sus gemelos, Rachel (Teresa Palmer) junto a su esposo y su hijo Elliot se mudan al otro lado del mundo para reconstruir sus vidas. Aunque pronto su tranquilidad se verá afectada cuando algo trata de apoderarse del alma de Elliot haciéndose pasar por su hermano muerto.

Comentarios generales:

En tiempos recientes Shudder se ha vuelto un actor importante para el cine de terror no solo por el hecho de ser un servicio de streaming dedicado a este, sino porque también se ha vuelto un distribuidor de películas para que lleguen a otros países en las que el servicio no está disponible. Sin embargo, muchos creen que sus propuestas son demasiado pretensiosas o simplemente se parecen demasiado una de la otra, lo cual le ha generado cierta reputación negativa entre muchos fanáticos y The Twin probablemente no haga más que avivar dichos pensamientos.

Y es que lo traído por Mustonen es un producto que no presenta demasiadas novedades más allá de la presencia de Teresa Palmer en un rol maternal, lo cual trae a la mente rápidamente a “The Cellar” (otra película de Shudder). Con una historia que no es que desborde originalidad y que durante el primer acto te hace ver que será una experiencia en la que se requerirá de mucha paciencia por parte del espectador gracias a un ritmo extremadamente lento y una dinámica de madre/hijo que resulta desesperante hasta el punto de que jamás se logra generar empatía por la situación que viven.

Algo que al menos tendría que provocar considerando el camino cuasi satánico que va tomando, donde cada acción se construye bajo dudas y misterios, pero se queda a medias ante el pobre desarrollo del resto de los personajes y porque realmente cada momento que parece relevante no lleva a ningún lado al regresar siempre al mismo punto en repetidas ocasiones con Rachel siendo histérica por todo lo que ocurre. Lo cual pretenden solventar con algunos sustos que en primera instancia resultan útiles para construir cierta atmósfera de peligro, aunque estos son utilizados de manera tan poco imaginativa que terminan por volverse intrascendentes la mayoría de las veces.

Dejando así que toda la posible efectividad de la película recaiga en una parte final que ciertamente contiene un nivel de tensión adecuado y se atreve a mostrar un poco más de violencia. Sin embargo, lo verdaderamente importante es un giro que bajo otras circunstancias probablemente hubiera funcionado de mejor manera ante lo bien camuflado que se encuentra, pero que ante lo tardado (y pesado) que resulta llegar a este punto no logra tener el impacto que debería.

En cuanto a las actuaciones, la verdad es que Teresa Palmer logra una transición efectiva ahora en el papel de madre con muchos traumas y de no ser por ella las cosas serían peores. Mientras que en producción podemos ver lo mejor del filme: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte sobria, el score es bastante bueno, el trabajo de sonido no presenta fallos y tanto los efectos como la labor de maquillaje son discretos.

Opinión final: The Twin es aburrida y decepcionante. Película cuyo giro final no es suficiente como para salvarla de ser totalmente olvidable.

Ojometro:
** 

Crítica: Incantation (2022)

Película taiwanesa dirigida por Kevin Ko (Invitation Only), quien además comparte créditos como co-escritor del guión junto a Chang Che-wei. Se estrenó dentro de cines en Taiwán durante el mes de marzo, mientras que hizo lo propio a nivel mundial por medio de Netflix el pasado 8 de julio.

Sinopsis:

Seis años atrás, Li Ronan (Hsuan-yen Tsai) fue maldecida después de romper un tabú religioso. Pero ahora en la actualidad deberá proteger a su pequeña hija de las consecuencias de sus actos.

Comentarios generales:

Cuando empiezo a escuchar cosas como “la más aterradora” o “una película que si da miedo” inmediatamente mi interés se incrementa, no tanto por el tema de si da miedo o no, sino más bien porque eso quiere decir que la película en cuestión tiene algo en particular por lo que está llamando la atención de gente que no suele ser fan del cine de terror. Y en el caso de Incantation resulta bastante obvio cuál es la novedad, a pesar de que realmente será una experiencia promedio para la gran mayoría de los fans del género.

Ya que lo traído por Kevin Ko es un found footage con una estructura no lineal que se sustenta en dos periodos de tiempo para que el espectador sienta una curiosidad inmediata por saber exactamente qué es lo que hizo Ronan para obtener dicha maldición y su razón para mostrar el video. Una decisión por demás acertada debido a que con esto las acciones de la primera media hora de metraje te atrapan sin que te pongas a cuestionar de manera tan profunda lo genéricas que resultan la mayoría de estas y porque así se logra establecer una dinámica interesante que hace del acercamiento madre/hija uno que te importe lo suficiente como para que quieras que a la niña no le ocurra nada.

Hasta ahí va todo bien, sin embargo, una vez que se entra al segundo acto se va cayendo de a poco en una experiencia aburrida por grandes lapsos. En gran parte porque se opta por ir alargando de manera innecesaria la revelación clave y eso termina resultando contraproducente teniendo dos líneas de tiempo debido a que la fluidez con las que se van intercalando no es la mejor y llega un punto en el que hay demasiadas distracciones que quitan el enfoque del problema central. Además de que se utilizan los mismos recursos varias veces para tratar de añadir sustos que no son tan efectivos como uno esperaría y, por lo consiguiente, no se logra alcanzar un nivel de intensidad elevado que ayude a mejorar el ritmo.

Aunque afortunadamente para la parte final dicha intensidad se logra generar un poco cuando por fin se revela el secreto que tanto ha tardado en llegar. Recuperando algo de agilidad en las acciones y provocando cierto nivel de satisfacción al saber cuál es el verdadero motivo de Ronan para andar mostrando los videos, dejando así que el desenlace tenga mayor sentido del que esperabas.

De las actuaciones realmente Hsuan-yen Tsai no lo hace mal, su sufrimiento en pantalla te atrapa y gracias a eso varias escenas logran salir adelante a pesar de lo predecibles que pueden llegar a resultar. En cuanto a producción también podemos ver buenas cosas: el trabajo de fotografía es sólido, la edición no es la mejor, el score tiene momentos interesantes, el trabajo de sonido es muy bueno, los efectos son sencillos y la labor de maquillaje cumple.  

Opinión final: Incantation está ok. Found footage con un concepto ingenioso que nunca termina por explotar.

Ojometro:
*** 

Crítica: Occhiali Neri (2022)

Película italiana dirigida por Darío Argento, quien además comparte créditos como co-escritor del guión junto a Franco Ferrini. Se estrenó en cines dentro de Italia durante el mes de febrero, mientras que su salida en formato físico se dio el pasado 24 de mayo.

Sinopsis:

Diana (Ilenia Pastorelli) es una prostituta que pierde la vista al huir de un brutal asesino y su vida da un giro cuando se tiene que hacer cargo de un niño chino que se quedó sin familia. Aunque sin saber que el asesino los perseguirá entre la oscuridad de Italia.

Comentarios generales:

Honestamente ya me había hecho a la idea sobre que Darío Argento no iba a volver a dirigir una película después de diez años que se mantuvo totalmente alejado de las cámaras tras el fracaso que resultó ser “Dracula 3D”. Simplemente a sus 81 años parecía que no era necesario que volviera considerando que con cada nuevo trabajo solo dañaba su legado, pero estamos hablando de uno de los últimos viejos lobos de mar que le quedan al género de terror y si Occhiali Neri es su manera de despedirse creo que se puede ir en paz.

Y es que el director nacido en Roma nos ofrece el que es su mejor trabajo desde la década de los 80s y lo logra regresando a las bases que tanto éxito le dieron durante sus mejores años, haciendo mancuerna nuevamente con Franco Ferrini para contarnos una historia que resulta familiar en cuanto a su estructura con “Il gatto a nove code”, pero sobre todo tiene un estilo visual y musical que evocan un poco a sus trabajos más conocidos.

Algo que se puede notar prácticamente de inmediato con unos primeros 20 minutos que son bastante intensos al momento de establecer el modus operandi del asesino y de presentar a nuestra protagonista, cuyo modo de vida la lleva a experimentar situaciones en donde pretende tener siempre el control sin que esto sea totalmente cierto. Logrando así un ritmo dinámico que beneficia al posterior encuentro entre ambos que termina costándole la vista, construyendo escenas sólidas que no solo añaden tensión, sino además aportan ciertas dosis de acción por medio de una persecución en automóvil muy bien realizada.

Lo malo es que una vez ocurrido dicho acontecimiento el dinamismo se pierde entrando al segundo acto, el cual por cuestiones obvias tiene que bajar dicho ritmo para poder exponer los nuevos retos que tiene Diana por delante. Provocando así que se caiga en un bache de unos 25 minutos en los que ocurren pocas cosas interesantes e incluso el asesino queda un tanto relegado por la relación entre nuestra protagonista y el niño, aunque para nuestra buena suerte no se tarda demasiado en retomar la dinámica previa cuando se vuelve entrar en la persecución.

Lo cual ayuda a que tengamos una parte final algo repetitiva, pero disfrutable. En la que la atmósfera creada aporta bastante en cuanto a la sensación de riesgo y el score logra darle la fuerza necesaria a los momentos clave para llevarnos a un desenlace que ciertamente resuelve el conflicto de una manera no muy convencional y que de paso deja ese shock visual característico de Argento que en esta ocasión solo lo podemos ver a cuentagotas.

De las actuaciones realmente Ilenia Pastorelli no lo hace mal, por ahí existen algunas escenas en donde te fastidia un poco su personaje pero en términos generales cumple su objetivo. Mientras que Asia Argento (Rita) te sorprende con un papel relativamente pequeño con el cual no estamos tan acostumbrados a verla.

En cuanto a producción tenemos una buena factura: el trabajo de fotografía es bastante bueno, la dirección de arte está bien cuidada, el score tiene un aire a Goblin sin caer en una simple copia, el trabajo de sonido es limpio, los efectos están bien hechos y la labor de maquillaje resulta efectiva.

Opinión final: Occhiali Neri está entretenida. Evidentemente no está a la altura de las obras maestras de Argento, pero es lo mejor que ha hecho en décadas.

Ojometro:
***

Crítica: Barbarians (2022)

Película escrita y dirigida por Charles Dorfman, quien hace su debut tras la cámara. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 1 de abril, pero todavía no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Una cena entre cuatro amigos para celebrar un cumpleaños dentro de una casa de campo se vuelve un desastre cuando varios secretos y eventos inesperados empiezan a revelarse alrededor de ellos.

Comentarios generales:

Por lo regular cuando veo películas en mi casa suelo llevar algunos apuntes sobre las cosas que me parecen relevantes (sean buenas o malas) para posteriormente utilizarlas en la crítica. Sin embargo, existen muy contados casos en los que nada de lo que veo en pantalla se me hace interesante y por lo consiguiente termino con una bonita hoja en blanco que no me ayuda en lo absoluto, siendo una clara señal sobre que la película en cuestión no vale mucho la pena.

Y eso es precisamente lo que ocurre con Barbarians, la cual además es una propuesta engañosa debido a que lo ofrecido por Dorfman es distinto a lo que se te vende en el trailer. Donde se nos muestra como un thriller de invasión súper intenso cuando en realidad se trata de un dramón que se desarrolla a un ritmo soporífero mientras pretende sobreconstruir una problemática a base de secretos y amistades tóxicas que le dan vueltas a lo mismo sin que exista el más mínimo interés por agilizar una dinámica que desde los primeros 20 minutos deja clara su poca efectividad. 

Sobre todo porque la tensión con la que se pretende sustentar los sucesos durante la cena jamás es lo suficientemente fuerte para que por lo menos se te genere curiosidad sobre cómo acabará el inminente choque de personalidades entre los personajes de Adam y Lucas. Ya que de eso realmente trata tanto el primero como el segundo acto, todo depende de ese momento en especifico mientras te pones la aburrida de tu vida hasta que se llega a la hora de metraje y por fin se lleva a cabo la invasión. 

Una que por cinco minutos añade una sensación de riesgo decente pero esta rápidamente desaparece cuando las acciones no llevan a ningún lado, quitándole así la fuerza que debería tener el desenlace considerando que es donde se ve un mayor nivel de violencia. Además de que el misterio que hay detrás no es tan difícil de descifrar y por lo consiguiente el cierre no tiene ningún tipo de peso emocional. 

De las actuaciones lo único que se puede decir es que al menos Iwan Rheon (Adam) y Tom Cullen (Lucas) generan un choque de personalidades decente. Mientras que en cuanto a producción no hay cosas que destaquen de gran manera: el trabajo de fotografía es simple, la dirección de arte igual, el score es genérico, el trabajo de sonido es limpio y tanto los efectos como la labor de maquillaje son muy discretos.  

Opinión final: Barbarians es aburridísima y mala. Película engañosa que es mejor evitar a toda costa.

Ojometro:
*

Crítica: The Sadness (2022)

Película taiwanesa escrita y dirigida por Rob Jabbaz. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 12 de mayo, pero todavía no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Una joven pareja se trata de reunir en medio del caos después de que Taiwán se ve azotado por un virus que convierte a los habitantes en unos degenerados sedientos de sexo y sangre. 

Comentarios generales:

El género de terror suele ser uno en donde se puede intentar cualquier cosa dada las libertades que ofrece, pero pocos son los directores que suelen ir demasiado lejos en cuanto al nivel de violencia se refiere. Simplemente existen algunos límites y cuando una película se atreve a cruzarlos siempre va a generar mucho ruido a niveles mainstream ante la experiencia retadora que puede significar el visionado para aquellos que no estén acostumbrados a ver cosas de este tipo y sin duda The Sadness es uno de esos ejemplos.

Algo que además resulta sorpresivo si tomamos en cuenta que Jabbaz utiliza uno de los subgéneros más explotados para hacerlo, aunque en este caso no son zombies como tal, sino infectados con un comportamiento primitivo que están plenamente consientes de sus actos. Utilizando de excusa la pandemia sin que sea precisamente una crítica a su politización o los descuidos que causaron tantas muertes, sino más bien solo la usa como vía para mostrar un viaje lleno de violencia y sexo en el que casi todo se vale para lograr que el espectador no haga la vista a un lado.

Y afortunadamente lo logra sin tener que sacrificar la inteligencia de los personajes o al guión en sí, ya que de hecho hay una historia simple en todo esto que logra interesarte lo suficiente y en base a eso se van construyendo los momentos de brutalidad que poco a poco te venden la posibilidad de que tal vez nuestros protagonistas no sean capaces de salir ilesos de esta problemática. La cual se desarrolla bajo un ritmo bastante frenético y evidentemente explosivo ante el gorefest que se presenta en cada situación de peligro existente, con el cual el director se da rienda suelta en el tema de la violencia pero también deja ciertas cosas fuera de cámara que pudieran haber resultado demasiado perturbadoras y mejor opta porque solo se escuche lo que ocurre.

Llevándonos así a la parte final con contados contratiempos; sin embargo, aquí es donde flaquea un poco. No tanto porque el gore se vea disminuido, sino porque se nos presenta una situación con un doctor que se siente fuera de lugar y termina quitándole intensidad a un desenlace que se va más hacía el lado desgarrador de las consecuencias del virus en cualquier persona y no tanto en el shock visual. 

Sobre las actuaciones hay que decir que es de esas películas que funcionan más por su conjunto que por una individualidad y en general el elenco lo hace bastante bien. Mientras que en producción se nota una buena factura: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte cumple, el score es un buen complemento, el trabajo de sonido es bastante bueno y todo lo referente a efectos/maquillaje es de primer nivel.

Opinión final: The Sadness me gustó. Una de las películas más violentas y brutales que han salido en años recientes.

Ojometro:
****

Stranger Things: Cuarta temporada

El pasado 1 de julio llegó a su fin la cuarta temporada de Stranger Things, la cual sin duda representaba uno de los acontecimientos televisivos más esperados del año después de tanto tiempo de espera provocada por la pandemia. Algo que sin duda le generó unas expectativas enormes que claramente trató de cumplir de la mejor manera posible, aunque sin dejar un producto que se sintiera como esa pieza fundamental para esta popular franquicia.

Al tratarse de Netflix ya sabemos que la información sobre ratings no es clara, pero el propio servicio confirmó que hasta el 30 de mayo la serie había acumulado más de 287 horas de tiempo visto. Además de que ya está confirmada la quinta temporada.

Aquí me centraré en lo positivo y negativo de la temporada, ya que de lo contrario me extendería demasiado. Así que, si aún no la han visto o no la han visto completa, ES MOMENTO QUE DEJEN DE LEER PORQUE HABRÁ SPOILERS IMPORTANTES.

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LO POSITIVO

Los acontecimientos en Hawkins

Dada la manera en la que estaba estructurada la historia para esta temporada se tuvieron cuatro grupos para contarla: el grupo Hawkins, el grupo de California, el grupo de Rusia y Eleven en el laboratorio. Sin embargo, fue muy obvio durante los nueve episodios que era en Hawkins donde pasaba lo más interesante.

Simplemente la dinámica dentro del pueblo tenía más relevancia y la manera en la que se utilizó al grupo de personajes le dio mucha frescura y dinamismo, dejando mal parado a todo lo que ocurriera fuera del pueblo porque, en su mayoría, dichos acontecimientos resultaban aburridos o sin demasiado peso en el desarrollo.

Max

Desde que debutó en la segunda temporada Max se convirtió en uno de los personajes favoritos de los fans y en esta ocasión fue indudablemente de los más importantes. No solo por ser una de las victimas de Vecna y las ramificaciones que eso trajo, sino porque fue por mucho el personaje que mostró mayor evolución con respecto a lo ocurrido anteriormente y por medio de eso se nos regalaron varios de los momentos más emocionales de la temporada, incluida esa muerte momentánea que seguramente dejó a varios en shock. 

Eddie Munson

No es fácil debutar nuevos personajes cuando ya tienes establecido a un grupo extenso y bastante popular, pero la cuarta temporada logró traernos a uno de los mejores que ha tenido la serie en Eddie Munson.

Un inadaptado social juzgado por todo un pueblo que con el paso de los episodios se va ganando al espectador con sus acciones en la batalla contra Vecna y que de cierta forma representa el mensaje de que ser diferente a los demás no tiene nada de malo. Además de que su muerte es de los momentos más tristes. 

"Chapter Four: Dear Billy"

Es curioso que la que ha sido la temporada menos fuerte de Stranger Things nos haya dejado el que es probablemente el mejor episodio de toda la serie. Donde nos encontramos con 78 minutos de emociones a tope, la aparición del gran Robert Englund, una atmósfera depresiva ante la realización de Max sobre su probable muerte y el uso magistral de una canción de 1985.

Soundtrack

Stranger Things siempre se ha caracterizado por el buen uso de la música, pero durante la cuarta temporada se lucieron. Ya fuera con “Running Up That Hill” de Kate Bush, "Detroit Rock City" de KISS o “Master of Puppets” de Metallica (por nombrar algunas) siempre tuvimos el complemento ideal para varias de las mejores escenas que se pudieron ver.

Episodios imperdibles:

(1) Chapter One: The Hellfire Club
(3) Chapter Three: The Monster and the Superhero
(4) Chapter Four: Dear Billy
(7) Chapter Seven: The Massacre at Hawkins Lab
(9) Chapter Nine: The Piggyback

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LO NEGATIVO

El pasado de Eleven en el laboratorio

Todos sabemos que Eleven es la figura central de la serie, pero eso no significa que lo que ocurre con ella sea lo más interesante y en esta ocasión no pudo ser más evidente.

Ya que la subtrama en el laboratorio fue una constante prueba a la paciencia del espectador al tratar de explotar una vez más la imagen de niña que la hizo tan popular, dejando de lado el conflicto interno en el ejercito por su existencia para solo llevarnos por varios flashbacks poco interesantes cuyo único punto destacado fue la revelación de la verdadera identidad de Vecna. 

El grupo de California

Resulta sorpresivo que personajes tan importantes al inicio de la serie como Will, Mike o Jonathan quedarán relegados a meros factores secundarios en esta ocasión, lo cual es uno de los riesgos de tener un elenco tan grande. Aunque lo peor fue el hecho de que realmente se vieron opacados por otro personaje nuevo cuyas dosis de comedia dejaron a sus propias historias como algo sin demasiada relevancia. 

 Jason Carver

Aunque los sucesos dentro de Hawkins fueron los mejores tampoco quiere decir que estuvieron exentos de alguno que otro punto negativo, siendo Jason Carver y su equipo de básquetbol precisamente eso.

Obviamente su presencia estaba pensada para ser la contraparte de Eddie Munson, pero conforme fueron avanzando los episodios perdió importancia y sus apariciones se limitaron muchísimo hasta el punto en que se le quitó todo el interés a la subtrama del absurdo pánico por los cultos.

Ritmo lento

Esto casi nunca ha sido un problema con la serie, sin embargo, la estructura utilizada en esta ocasión provocó que el ritmo fuera pesado durante grandes lapsos ante la marcada diferencia de dinámicas en los distintos escenarios. Provocando así que hubiera episodios que realmente te dejan con la sensación de que pudieron ser más cortos o simplemente pudieron omitir ciertas situaciones que no aportaban gran cosa.

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Opinión final: La cuarta temporada de Stranger Things me ha parecido la más débil de toda la serie, aunque eso no significa que sea mala. Claramente el contar la historia con distintos grupos le ha afectado, sin embargo, como antesala de la temporada final ha dejado todas las piezas en su lugar para concluir una historia que ya es mucho más grande que aquella que vimos debutar hace seis años. 

Crítica: The Cellar (2022)

Película escrita y dirigida por Brendan Muldowney. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos durante el mes de abril, mientras que su salida en formato físico se dio el pasado 21 de junio.

Sinopsis:

La hija de Keira Woods (Elisha Cuthbert) desaparece en el sótano de su nueva casa. Al inicio esto no parece tener una explicación lógica, pero con el pasar de los días irá encontrando extraños símbolos que revelarán que en su hogar habita algo que puede poner en riesgo a toda su familia.

Comentarios generales:

Durante los 2000s Elisha Cuthbert fue indudablemente una de las actrices que más pasiones despertaba entre el público y después de que debutara en algunas películas del género parecía destinada a volverse una nueva “scream queen”. Sin embargo, su carrera tomó otro rumbo y se alejó del terror hasta ahora con The Cellar; donde se le puede ver en un papel que contrasta demasiado con aquella imagen con la que muchos probablemente la recordaban.

Algo que en cierta forma termina siendo el principal atractivo de lo que nos presenta Muldowney debido a que nos encontramos ante una historia basada en un cortometraje que no tiene demasiada sustancia y además sigue al pie de la letra cada uno de los convencionalismos de películas de este tipo que la vuelve sumamente predecible. Lo cual al inicio no es un problema grave considerando que aquí juega como un factor importante la novedad y el ir conociendo a los personajes, así como la mansión en la que viven, pero una vez que se establece la desaparición de la hija la verdad resulta complicado poder mantenerse interesado.

Ya que de manera muy rápida resulta obvio que no existe mucho material para desarrollar esto y las cosas empiezan a sustentarse en lo mismo una y otra vez, tratando de estirar el misterio lo más que se pueda por medio de investigaciones vacías, símbolos y muchas llamadas por celular. Haciendo con esto que el ritmo sea pesado y las acciones se vuelvan aburridas ante lo poco efectivos que resultan los contados sustos que se utilizan para tratar de generar momentos potentes que expongan la peligrosidad de lo que habita en el sótano.

Esperando así hasta que llegue una parte final que está pensada para salvar todo y definitivamente es lo mejor del filme al tener un tono mucho más oscuro y ciertos guiños a “The Beyond” de Lucio Fulci, pero tampoco es suficiente como para solventar lo visto previamente. Sobre todo porque la amenaza casi ni se puede ver en pantalla y la problemática central se resuelve de una manera tan desangelada que termina quitándole cualquier clase de impacto al desenlace.

De las actuaciones hay que decir que Cuthbert está correcta en un papel poco exigente, mientras que el resto del elenco no destaca. En cuanto a producción no hay quejas: el trabajo de fotografía es bastante bueno, la dirección de arte está bien cuidada, el score está ok, el trabajo de sonido es limpio, los efectos cumplen y la labor de maquillaje es muy limitada.

Opinión final: The Cellar es decepcionante. Película aburrida que demuestra que no todos los cortometrajes pueden volverse largometrajes.

Ojometro:
**