Crítica: The Changed (2022)

Película dirigida por Michael Mongillo (The Wind), quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a Matt Giannini. Se estrenó de manera limitada en cines y VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 4 de marzo, aunque no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Un grupo de gente ordinaria hace equipo dentro de una casa en los suburbios para pelear contra unos impostores que han reemplazado a sus familiares, amigos y vecinos.

Comentarios generales:

Para este punto cada vez que veo anunciado el nombre de Tony Todd en alguna nueva película mis expectativas no suelen ser las más altas debido a que desde hace unos 15 años su carrera se ha limitado más que nada en hacer cameos glorificados o prestar su voz. Incluso me atrevería a decir que las generaciones más jóvenes ni siquiera saben realmente la clase de leyenda para el género de terror que este señor es y probablemente sea con The Changed la primera vez que lo vean en un rol un poco más relevante.

Ya que en esta historia que nos trae Mongillo realmente es su presencia la que le da cierta notoriedad a algo que en términos generales se puede clasificar como otro cuasi clon de “Invasion of the Body Snatchers”. En el que no hay mucha preocupación por realizar una construcción demasiado elaborada sobre la presencia de la amenaza y básicamente se va al grano desde los primeros diez minutos, siendo esta una decisión que para este punto resulta acertada debido a que logra generar una sensación de riesgo efectiva sin que se recurra a efectos o escenas de acción súper intensas.

El problema llega cuando se hace evidente que todo el desarrollo se realizará en un escenario muy reducido y a partir del segundo acto la dinámica de la película se torna repetitiva debido a que cada acción presentada carece de la intensidad necesaria como para lograr que el espectador mantenga el interés intacto.

Obvio la presencia de Todd añade alguno que otro momento destacado, pero al tratar de darle demasiadas vueltas a una idea tan simple lo único que se provoca es que te aburras más y más con el pasar de los minutos. Sobre todo porque el enfoque es uno muy minimalista y como consecuencia lo que está diseñado para tratar de provocar terror no tiene mucha chispa, limitando todo a sustos básicos poco efectivos, explotación del silencio sin imaginación o altercados que fallan en aportar algo importante desde el lado emocional.

Ante esto la parte final resulta muy desangelada y sin fuerza. Ofreciéndonos una resolución del conflicto con la que jamás se atreven a hacer nada arriesgado y solo dejan que los minutos pasen tratando vender un enfrentamiento que nunca llegas a ver.

De las actuaciones no hay mucho que decir salvo que la participación de Tony Todd se roba los reflectores a pesar de que en realidad es un secundario. Mientras que de la producción se puede notar que el presupuesto fue muy reducido: el trabajo de fotografía cumple, la dirección de arte es simple, el score está bien, el trabajo de sonido es limpio y todo lo referente a efectos/maquillaje es limitado.

Opinión final: The Changed es decepcionante. Película con una premisa interesante que nunca termina por encontrar el rumbo.

Ojometro:
**

Crítica: Studio 666 (2022)

Película dirigida por BJ McDonell (Hatchet III), cuyo guión fue co-escrito por Jeff Buhler y Rebecca Hughes basándose en una historia pensada por Dave Grohl. Se estrenó de manera limitada en cines dentro de los Estados Unidos a finales de febrero, mientras que en México hizo lo propio el pasado 17 de marzo.

Sinopsis:

En 2019 la legendaria banda de rock Foo Fighters se muda a una mansión con un oscuro pasado para encontrar inspiración y grabar su tan anticipado décimo álbum.

Comentarios generales:

Cuando se anunció que los Foo Fighters harían una película de terror no sabía cómo reaccionar, siempre he sido fan de su música y por algunos de sus videos se podía intuir que Dave Grohl y compañía siempre habían tenido curiosidad por actuar. Sin embargo, una cosa es hacer videos de cuatro minutos y otra muy distinta es realizar un largometraje con todo lo que eso conlleva, así que las probabilidades de que Studio 666 fuera un desastre eran altas; aunque para mi sorpresa y beneplácito fue todo lo contrario.

Esto porque lo presentado BJ McDonell es una película simple que no trata de reinventar nada y no oculta en lo absoluto cuáles son sus fuentes de inspiración (Evil Dead, The Burning) para contarnos una historia que utiliza todos los clichés conocidos cuando se une el terror con el rock, pero bajo un tono cómico que jamás resulte extremadamente absurdo.

Ya que aunque el humor forma parte importante del desarrollo, lo cierto es que nos encontramos ante algo mucho más elaborado de lo que se pudiera imaginar y por ende para llegar a la parte caótica se tarda un poco, sobre todo porque si se le da su respectivo espacio al tema del bloqueo mental de la banda. Lo cual afortunadamente en ningún momento te resulta aburrido de ver gracias a que la dinámica entre sus integrantes siempre es entretenida y los destellos existentes con respecto al pasado de la casa son lo suficientemente bien manejados como para ir proporcionando momentos que resalten desde el lado visual.

Todo para llevar a una segunda mitad que eleva el nivel de violencia y sangre en pantalla de manera considerable bajo un concepto de posesión muy sencillo con el que también se juega un poco con la fama que tenía Grohl de ser muy exigente en sus grabaciones hace años atrás. Logrando así un ritmo ágil que nunca vuelve a disminuir y sobre todo varias muertes espectaculares que proporcionan el impacto necesario para que la amenaza se sienta como algo importante sin que se deje de lado el aspecto cómico.

Ante esto tenemos una parte final que le brinda un buen cierre al tema de la posesión por medio de uno de los exorcismos más peculiares e improvisados de la historia. Aunque lamentablemente también se extienden las acciones de manera innecesaria para añadir algo que, si bien proporciona más gore, se siente un tanto forzado.

Sobre las actuaciones es claro que ninguno de los miembros de la banda es actor, pero se nota que todos están bastante comprometidos con el proyecto y logran sacar adelante las cosas. Mientras que la presencia de Whitney Cummings (Samantha) y Jeff Garlin (Jeremy Shill) resulta agradable.

En cuanto a producción tenemos una factura cuidada considerando las limitantes: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte cumple, cuenta con un gran score, el trabajo de sonido es impecable, los efectos prácticos son bastante buenos (los de CGI no tanto) y la labor de maquillaje es adecuada.

Opinión final: Studio 666 me gustó. Película divertida con pretensiones claras que se puede disfrutar siendo o no fan de los Foo Fighters.

Ojometro:
****

Crítica: They Live in the Grey (2022)

Película dirigida por los hermanos Abel Vang y Burlee Vang, quienes además son los escritores del guión. Se estrenó directamente en VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 17 de febrero, aunque todavía no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Mientras se encuentra investigando un caso de abuso infantil, Claire (Michelle Krusiec) descubrirá que la familia está siendo atormentada por una entidad supernatural que solo ella puede ver.

Comentarios generales:

Vivimos en una época en la que la disputa por contenido se encuentra en su punto más alto y eso provoca que los derechos de muchísimas películas sean adquiridos prácticamente a diario por distribuidoras o servicios de streaming. Algo que sin duda es positivo para la exposición del género de terror, pero que también trae consigo una problemática de no saber exactamente bien quienes se quedaron con los derechos y por ello muchas veces no se tiene conocimiento de algún proyecto hasta que se estrena, tal como fue mi caso con They Live in the Grey.

Una historia con la que los hermanos Vang claramente obtuvieron su inspiración de “The Sixth Sense” pero nunca pretenden copiarla a pesar de que las condiciones estaban dadas para eso y mejor optan por ofrecernos algo que trata varios temas complejos como lo son el duelo, el abuso infantil o la culpa. Todo bajo un ritmo que ciertamente no es el más fácil de digerir y que desde el primer acto puede representar una barrera para el espectador gracias a que la construcción está sustentada en situaciones depresivas que pretenden darle un tono súper serio a las cosas.

Lo cual funciona a cierto nivel gracias al personaje de Claire, cuyo duelo proporciona algunos de los momentos más potentes del filme tanto por la tragedia que vivió como por la vulnerabilidad que tiene ante los fantasmas que ve. El problema es que, en el afán de querer sobre elaborar cada detalle y cada diálogo, los hermanos Vang hacen que todo lo pensado para generar sustos por medio de los fantasmas se sienta ajeno gracias a que dichos momentos están bastante separados unos de otros y la mayoría no proporcionan el impacto deseado o un mayor dinamismo cuando es claro que el rumbo de la historia se va inclinando más hacia el lado sobrenatural y dejando la seriedad total atrás.

Es como si hubiera un conflicto sobre cómo sostener lo que han estado contando y jamás se deciden a darle rienda suelta a lo que es mejor para el desarrollo, generando con esto que se vaya alargando de manera innecesaria el tiempo de metraje para encontrar un balance adecuado. Uno que finalmente logran durante el último acto.

No solo por el hecho de que son los minutos más agiles, sino que por fin se abraza el lado sobrenatural mencionado y por medio de este se logra tener un nivel de intensidad que funciona bastante bien para construir un desenlace que puede resultar sorpresivo o no dependiendo de qué tanta atención se haya puesto previamente, pero que en términos generales brinda un cierre satisfactorio a una experiencia que parecía no iba a tenerlo.

Las actuaciones están bien, aunque básicamente es la película de Michelle Krusiec. Ella es quien añade todo el peso emocional a esta historia y la manera en la que maneja su duelo es realmente desgarradora de ver, haciendo que uno sienta empatía por ella de forma inmediata y se involucre de lleno con su problemática sobrenatural.  

En cuanto a producción no está mal: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte es simple, el score resulta buen complemento, el trabajo de sonido es bueno, los efectos son sencillos y la labor de maquillaje correcta.

Opinión final: They Live in the Grey está ok. Película depresiva que hubiera funcionado mejor con unos veinte o treinta minutos menos.  

Ojometro:
***

Crítica: The Exorcism of God (2022)

Película dirigida por Alejandro Hidalgo (The House at the End of Time), quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a Santiago Fernández Calvete. Se estrenó en cines dentro de México el pasado 10 de febrero y en Estados Unidos hizo lo propio en VOD, mientras que su salida en formato físico está confirmada para el próximo 19 de abril.

Sinopsis:

Un sacerdote estadounidense trabajando en México es poseído durante un exorcismo y termina cometiendo un acto terrible que 18 años después  empezará a atormentarlo y desatará la batalla más importante de su vida.

Comentarios generales:

Con el pasar de los años las películas sobre exorcismos se han vuelto un poco complicadas de ver debido a que es bastante difícil encontrar ideas frescas, realmente casi todas siguen un mismo patrón y eso ha hecho que exista un desgaste mucho mayor en comparación a otros subgéneros que si pueden tomarse más libertades como lo son el slasher o los zombies. Así que realmente con The Exorcism of God no esperaba gran cosa, solo encontrarme más de lo mismo; sin embargo, al final resultó ser uno de los trabajos de exorcismos que más cosas nuevas ha tratado de hacer en años recientes.

Obviamente con esto no quiero decir que lo traído por Hidalgo sea una maravilla debido a que también muestra falencias, pero desde el inicio te deja claro que entre tanta familiaridad encontrarás ciertas cosas que brindan frescura a una historia que contiene una marcada crítica hacia los escándalos de la iglesia con respecto al abuso y a la corrupción que la rodea, así como temas un poco más habituales ligados con la redención que recaen en su protagonista para que él sea quien cargue con todo el peso de estas problemáticas.

Situación que hace que el primer acto sea un poco difícil de digerir ante tanta culpa, ritmo lento y jump scares no tan efectivos; aunque una vez que las acciones toman un poco más de forma se empieza a construir una experiencia oscura que no se limita solo a una posesión. Lo cual sin duda es lo que ayuda a que la segunda mitad de la película sea más dinámica y que la amenaza se sienta una de mayor escala, combinándolo con elementos religiosos que no solo sirven como medios para combatir el mal, sino que también fungen en determinados momentos como parte del peligro existente .

Dejando así una parte final en la que el nivel de violencia se incrementa para proporcionar mayor impacto rumbo a un enfrentamiento decisivo que para mi sorpresa se encuentra bastante bien construido y presenta algo que realmente no recuerdo que haya visto anteriormente. Todo para ofrecer un cierre que en definitiva no te esperas.

Sobre las actuaciones no hay mucho que decir, no son malas realmente, pero tampoco nadie hace un trabajo que destaque demasiado. Y en cuanto a producción tenemos una factura cuidada: el trabajo de fotografía es bueno, la dirección de arte sólida, el score no es la gran cosa, el trabajo de sonido es limpio, los efectos cumplen y la labor de maquillaje está bien a pesar de que en ciertas cosas añade un toque cómico no intencional que desentona.

Opinión final: The Exorcism of God está aceptable. Película para perder el tiempo que al menos trata de ofrecer algo nuevo a su subgénero.

Ojometro:
*** 

Crítica: Hellbender (2022)

Película dirigida por John Adams, Zelda Adams y Toby Poser, quienes además comparten créditos como co-escritores del guión (entre otras cosas). Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 24 de febrero, aunque todavía no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Izzy (Zelda Adams) vive junto a su madre (Toby Poser) de manera apartada en el bosque y tiene prohibido acercarse a otras personas por una enfermedad. Aunque cuando logra hacer una nueva amiga despertará extrañas sensaciones que le revelarán un oscuro pasado familiar.  

Comentarios generales:

La familia Adams se ha hecho de cierto renombre en la escena independiente gracias a que son ellos los que se encargan de prácticamente todos los aspectos de sus películas, convirtiéndolas así en auténticos proyectos familiares que suelen tener un sello único. Y en el caso de Hellbender se puede decir que se encontraban ante su reto más importante con la película más grande que han hecho hasta la fecha en cuanto a producción se refiere y con la que afortunadamente no decepcionan.

Ya que lo que nos presentan los Adams es una historia coming-of-age sobre brujas con la que no se busca precisamente espectacularidad por medio de los elementos supernaturales siempre ligados a un concepto como lo es la brujería, sino más bien ofrecer un enfoque mucho más centrado en la naturaleza y la soledad. Lo cual logran de manera bastante acertada por medio de una relación madre/hija que desde el primer acto establece una conexión muy fuerte que claramente tiene sus problemáticas ante la curiosidad adolescente de Izzy por saber qué es lo que existe fuera del bosque y por la paranoia de su madre por ocultarle la verdad, pero que jamás resulta algo tan extremo como para que alguna de las dos te parezca odiosa.

Situación que logran mantener por un periodo de tiempo prolongado y en gran parte porque encuentran el balance ideal entre el drama y lo supernatural, exponiendo las habilidades de las protagonistas de manera original gracias a los medios que les proporciona la propia naturaleza sin que estos se vuelvan el foco de atención. Dándoles así una identidad interesante pero al mismo tiempo dejando en claro los peligros que existen detrás y con los que poco a poco se va develando un panorama mucho más tétrico que contrasta con la atmósfera tan pacífica predominante.

Algo que sin duda ayuda a que la parte final resulte potente en todos los sentidos, aunque por algunos momentos también se puede sentir acelerada. Un problema que afortunadamente tampoco arruina la experiencia y no evita que se explote toda esa oscuridad que se había estado conteniendo para brindar un cierre perturbador que, a su peculiar estilo, deja claro que la relación entre Izzy y su madre sigue siendo fuerte a pesar de los secretos.

En el tema de las actuaciones vemos una gran química entre Zelda Adams y Toby Poser, quienes al final de cuentas logan traspasar su relación de madre e hija de la vida real a la pantalla sin demasiados problemas para poder cargar con el peso de una historia en la que todos los demás personajes solo aportan más que nada presencia o alguno que otro diálogo.

Sobre la producción, es de destacar lo hecho por cinco personas: el trabajo de fotografía es bueno, la dirección de arte discreta, cuenta con un score agradable y el trabajo de sonido es efectivo.  Solo los efectos en determinadas situaciones no son de la mejor calidad.

Opinión final: Hellbender me gustó. Película pequeña que trata de hacer algo distinto con respecto a las brujas.

Ojometro:
****

Crítica: Student Body (2022)

Película escrita y dirigida por Lee Ann Kurr, la cual significa su primer largometraje. Se estrenó en VOD y formato físico el pasado 8 de febrero dentro de los Estados Unidos.

Sinopsis:

Un angustioso incidente obliga a que las amigas de la infancia, Jane (Montse Hernandez) y Merritt (Cheyenne Haynes), tengan que tomar medidas contra su profesor de matemáticas en la escuela secundaria. Ocasionando que su relación se vea fragmentada y haya mortales consecuencias para sus amigos.

Comentarios generales:

Siempre he manifestado que prefiero ver una película mala que una aburrida y probablemente no hay otro tipo de trabajos con los que dicho pensamiento aplique de manera más profunda que con los slasher. Y es que al tratarse de un subgénero relativamente “simple” con una estructura y reglas bien definidas no suele ser uno con el que me aburra tan fácilmente, casi siempre les encuentro algo que me entretenga por más malo que sea; sin embargo, Student Body es de esos extraños casos en los que eso simplemente nunca ocurrió.

Y es que lo traído por Lee Ann Kurr es un slasher a medias debido a que se trata de una historia en la que se nota que la integración del asesino se dio de manera forzada y no tanto porque fuera un elemento fundamental para el desarrollo de esta. Ya que realmente lo que vemos durante casi una hora trata más sobre amistades tóxicas, amores no correspondidos y maestros abusivos para exponernos ante demasiado drama y comportamientos absurdos adolescentes mientras que de forma vaga e inefectiva se tratan de establecer sospechosos potenciales para añadir cierto nivel de duda a algo que simplemente no lo tiene.

Y es que desde que ocurre un determinado suceso es más que evidente quién será el asesino, lo cual elimina el único elemento que pudiera generar algo de expectativa dentro de esta experiencia que además no cuenta con el ritmo más atractivo. Aunque en este aspecto en específico por lo menos si se puede decir que mejoran conforme pasan los minutos, ya que una vez iniciada la matanza se agilizan las acciones para tratar de lograr que la sensación de riesgo este muy presente rumbo a la parte final.

Lo malo es que esto no se puede explotar en su totalidad gracias a que las muertes no son precisamente memorables (algunas incluso se dan fuera de cámara), eliminando así cualquier intento por generar impacto y ocasionando que se caiga en una dinámica repetitiva. Siendo lo único rescatable la manera en la que manejan el enfrentamiento final; en donde se puede notar una evolución de la protagonista para dejar un cierre con cierto nivel de potencia.

Las actuaciones en su mayoría son muy forzadas y nunca notas una química en el grupo, aunque la presencia de Christian Camargo (Mr. Aunspach) proporciona algo de solidez en ciertas situaciones. En cuanto a producción tenemos algo muy discreto: el trabajo de fotografía es decente, la dirección de arte simple, el score no resalta, el trabajo de sonido cumple, los efectos son sencillos y la labor de maquillaje no es la gran cosa.

Opinión final: Student Body es decepcionante. Slasher aburrido y sin chispa que resulta perfectamente olvidable.

Ojometro:
**

Crítica: Ditched (2022)

Película escrita y dirigida por Christopher Donaldson, la cual significa su primer largometraje. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos durante el mes de enero, mientras que su salida en formato físico se dio el pasado 22 de febrero.

Sinopsis:

Después de que un traslado de rutina termina en un choque dentro de lo profundo del bosque, la joven paramédica Melina (Marika Sila) se encontrará rodeada por asesinos que no tienen intención de dejar huir a ninguno de los sobrevivientes.

Comentarios generales:

La verdad es que no sabía que esperar de Ditched, su premisa lucía interesante pero el hecho de que su creador no tuviera experiencia tras la cámara y además fuera alguien que en su momento estuvo ligado a nuestro amigo Uwe Boll no eran señales muy alentadoras. Ante eso realmente esperaba lo peor; sin embargo, al final el resultado no fue tan malo.

Y no es porque lo traído por Donaldson sea una maravilla, más bien es porque desde un inicio logra establecer una situación de peligro llamativa que le añade una buena dosis de intriga a la historia y por ende hace que sientas un interés genuino por ver cómo se resolverá tal problemática. Esto incluso teniendo un primer acto que no es precisamente el más atractivo al presentar de manera un tanto acelerada a muchos personajes y diálogos bastante pobres que no encajan con la situación de apremio que está ocurriendo.

Aunque una vez que se dejan atrás esos minutos las cosas van mejorando, en gran parte porque el ritmo se estabiliza y poco a poco se le empieza a dar una identidad visual interesante a las cosas por medio del trabajo de fotografía. Además de que el nivel de violencia va a escalando y con ella también se van revelando detalles importantes detrás de la matanza para ir añadiendo contexto, lo cual hace que el tono sea vuelva uno mucho más oscuro gracias a que el trasfondo de las acciones de los asesinos logra que se plantee la duda sobre lo que está bien y lo que está mal, otorgándole de paso mayor profundidad a unos personajes que parecían muy planos.

Una situación que ayuda a que la parte final cuente con un nivel de tensión decente a pesar de que el desarrollo se vuelve un tanto lento al sustentarlo fuertemente en un extenso dialogo. Algo que le quita emoción a un desenlace que al menos mantiene cierto impacto visual y definitivamente brinda un cierre que no se va por el camino predecible.

De las actuaciones solo destaca Marika Sila, quien no lo hace mal y tiene la capacidad de cargar con una historia que por momentos no deja mucho espacio para la progresión de su personaje. En cuanto a producción tenemos una buena factura: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte está ok, el score es agradable, el trabajo de sonido es limpio, los efectos prácticos están bien hechos y la labor de maquillaje cumple.

Opinión final: Ditched está pasable. Película con altibajos que sirve para perder el tiempo cuando no tengan muchas cosas que hacer.

Ojometro:
***

Crítica: The Hunting (2022)

Película dirigida por Mark Andrew Hamer, quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a Heather Ryan y Terrance Ryan. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 21 de enero, mientras que su salida en formato físico se dio el 28 de febrero.

Sinopsis:

Cuando una misteriosa criatura deja un cuerpo mutilado en el bosque, un detective de un pequeño pueblo conservador tendrá que buscar ayuda de una especialista en vida salvaje para revelar la perturbadora verdad que amenaza a su comunidad.

Comentarios generales:

Si algo he aprendido después de tantos años es que se debe de tener mucha cautela cuando una película de bajo presupuesto tiene un póster promocional espectacular debido a que muy probablemente sea lo único bueno de esta. Evidentemente se trata de una de estrategia de marketing básica para ayudar a que el proyecto pueda generar mayor interés y ciertamente con The Hunting se logró dicho cometido, aunque es una lástima que ese esfuerzo no se vea en todo lo demás.

Ya que lo que nos trae Mark Andrew Hamer es una supuesta historia de hombres lobo en la que, bueno… prácticamente no hay hombres lobo. De hecho, más bien se tendría que decir que se trata de una historia sobre el trastorno de estrés postraumático en la que por mera causalidad hay un hombre lobo rondando por ahí.

Y es que, quitando una sombra al inicio, durante la primera hora este brilla por su ausencia gracias a que todo se centra en un ex militar/detective con dicho trastorno mientras realiza a una larga y tediosa investigación con la que se habla de leyendas y mitos locales para tratar de añadir un poco más de sustancia a algo que evidentemente no la tiene. Esto mientras se nos recuerda seguido que dicho detective sufre de estrés postraumático por medio de flashbacks que no aportan nada, olvidándose por completo de construir situaciones que generen una sensación de peligro latente para los habitantes del pueblo o al menos una atmósfera adecuada que acentué el riesgo para los protagonistas.

Realmente así es toda la película y por lo consiguiente no hay demasiado que analizar hasta que se llega a una parte final en la que el hombre lobo aparece solo por cinco minutos, los cuales son por mucho los de mayor dinamismo y te hacen recordar a algunas series de televisión de los 90s u 00s gracias a la peculiar caracterización. Aunque este ínfimo momento de cuestionable frescura termina perdiéndose cuando se utiliza un recurso para tratar de añadir sorpresa durante el desenlace que no solo se siente como algo sumamente barato, sino que además hace que todo lo que viste previamente resulte todavía más irrelevante.

Las actuaciones son bastante malas, con un protagonista robótico y una Joelle Westwood (Maggie) que no tiene mucho con qué trabajar. En cuanto a producción se nota el bajo presupuesto: el trabajo de fotografía no está mal, la dirección de arte es discreta, el score no destaca, el trabajo de sonido es bueno, los efectos simples y la labor de maquillaje te provoca más risas que otra cosa.

Opinión final: The Hunting es muy mala. Película sobre hombres lobo en la que los hombres lobo son lo que menos importa.

Ojometro:
*