Crítica: Doctor Plague (2026)

Película dirigida por Ben Fortune y escrita por Robert Dunn. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 12 de enero, aunque no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

El detective John Verney (Martin Kemp) se encuentra tras la pista de un asesino serial que está causando estragos en el este de Londres al replicar los asesinatos de Jack el Destripador en 1888 y de los antiguos médicos de la peste.

Comentarios generales:

Uno ya sabe qué esperar con las producciones de bajo presupuesto del cine de terror inglés y por eso suelo tener las expectativas más bajas posibles para no terminar arrancándome los ojos durante el visionado. Siendo esta una estrategia que normalmente da buenos resultados dado a que así la decepción no es tan grande; sin embargo, esto no quiere decir que vuelva más tolerables los terribles minutos que te hacen pasar y ese es el caso con Doctor Plague.

Y es que lo traído por Fortune no es que no sepa lo que quiere contar, sino que simplemente no sabe cómo hacerlo al jamás abrazar por completo su lado slasher y tampoco explotar el lado detectivesco de la historia para que el misterio detrás del asesino al menos resulte intrigante. Teniendo como consecuencia una película que desde muy temprano se siente sin rumbo por la pobre exposición de su mayor atractivo (el asesino), quien realmente tiene poco peso en lo que ocurre mientras todo se enfoca en un protagonista sin carisma cuyos problemas laborales y familiares van convirtiendo las acciones en un carrusel de aburrimiento brutal del que jamás pueden salir.

Situación que lleva a que durante la segunda mitad del filme el ritmo sea pesado y además no se tenga claridad alguna sobre las motivaciones detrás de los asesinatos, lo cual provoca que la labor del detective no tenga mucho sentido. Obligando a repetir lo mismo en varias ocasiones para poder perder tiempo hasta que ocurran un par de situaciones significativas que, en teoría, deberían de añadir tensión a los sucesos y esclarecer el misterio, pero nada de lo presentado funciona de manera efectiva para poder lograr eso; de hecho, la revelación principal resulta tan forzada que básicamente vuelve imposible el poder tomar en serio lo que resta por ver.

Dejando así una parte final en la que se trata de unir todo de la manera más coherente posible para construir un encuentro que contenga algo de emocionalidad. Y aunque se aplaude que por lo menos se atreven a no irse por el camino convencional, lo cierto es que para este punto ya nada importa y el shock del cierre no representa ninguna clase de mejora que salve el desastre.

Las actuaciones son realmente malas con un Martin Kemp que no tiene ningún tipo de carisma como el detective protagonista y un grupo de secundarios que compite para ver quien lo hace peor. Mientras que en producción tampoco hay muchas cosas para destacar: el trabajo de fotografía es pobre, la dirección de arte no destaca, el score es genérico, el trabajo de sonido es bastante malo, los efectos están pasables y la labor de maquillaje es ínfima.  

Opinión final: Doctor Plague es terrible. De esas películas de las que uno se debe de mantener totalmente alejado.

Ojometro:
*

Crítica: Return to Silent Hill (2026)

Película dirigida por Christophe Gans (Silent Hill), quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a William Josef Schneider y Sandra Vo-Anh. Se estrenó en cines dentro de México y Estados Unidos los pasados 22 y 23 de enero; recaudando hasta la fecha $3.8 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

Tras recibir una misteriosa carta de su antiguo amor, James Sunderland (Jeremy Irvine) entra en Silent Hill. Un otrora pueblo pacífico y familiar que ahora se encuentra consumido por la oscuridad.

Comentarios generales:

Silent Hill 2 es uno de esos videojuegos con un estatus legendario, así que evidentemente cualquier adaptación en cine representaba una labor titánica para cualquiera gracias al escrutinio que recibiría por parte de los fans. Por ello es que la elección de un director que ya conocía la franquicia parecía la más acertada y la verdad es que lo que se iba viendo de Return to Silent Hill durante su periodo promocional no lucía nada mal; sin embargo, el resultado final ha sido por demás decepcionante.

Ya que lo traído por Gans es una adaptación que indudablemente mantiene intacto el núcleo de la historia del videojuego, pero sus dudas por apegarse lo más posible a este o hacer cambios para no ser una simple calca terminan generando un caos que poco a poco va afectando el visionado.

Lo cual durante los primeros 20/25 minutos no es tan notable debido a que ese apego al material original es agradable para el fan y los flashbacks utilizados para exponer la relación de James con Mary solo proporcionan la información necesaria en cuestiones fundamentales que no interfieren con la exposición de las rarezas del pueblo. Resultando esto en un show visual que sabe explotar todo lo referente al diseño de producción y de los propios monstruos para generar escenas entretenidas que reflejan perfectamente el peligro tan grande que existe dentro de Silent Hill.

El problema es que una vez pasada la novedad inicial las cosas empiezan a enredarse demasiado y con ello los cambios, así como el uso constante de los flashbacks, se vuelven frustrantes debido a que no dejan que la historia se desarrolle de manera fluida durante más de la mitad de la película. Provocando que lo ocurrido en pantalla sea cada vez menos interesante ante la falta de profundización en cuestiones fundamentales como el duelo o la culpa de James por lo ocurrido con Mary, así como el poco tiempo que se les brinda a otros personajes relevantes para que ayuden a solidificar todo el misterio que existe detrás de los sucesos.

Dejando así una parte final en la que tratan de integrar muchas cosas de manera forzada para darle sentido a todo lo expuesto previamente, aunque la realidad es que nada de esto funciona y lo que debería ser un desenlace con bastante peso emocional queda como uno random que solo replica por mera conveniencia uno de los tantos finales del videojuego.

En cuanto a las actuaciones la verdad es que James Sunderland hace lo que puede y no creo que sea de los males que invaden a la película. Mientras que Hannah Emily Anderson (Mary, Maria, Angela), a pesar de que interpreta a múltiples personajes, no deja nada memorable con ninguno de estos y se termina quedando más como una simple curiosidad.

Y en lo que se refiere a la producción, sin duda es donde vemos las mayores fortalezas del filme: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte impecable, el score es genial, el trabajo de sonido no tiene fallos, los efectos son de buena calidad y la labor de maquillaje es de primer nivel.

Opinión final: Return to Silent Hill es mediocre. Película que trata de satisfacer a los fans y no fans del videojuego sin los mejores resultados.  

Ojometro:
**

Crítica: Sleepwalker (2026)

Película escrita y dirigida por Brandon Auman. Se estrenó de manera limitada en cines y VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 9 de enero, aunque no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Sarah (Hayden Panettiere) es una madre afligida por la muerte de su hija en un accidente automovilístico que dejó a su abusivo esposo en coma. Aunque las cosas empeoran cuando se ve plagada de sueños inquietantes que la hacen transitar la difusa línea entre la realidad y las pesadillas.

Comentarios generales:

Existen películas que apuestan absolutamente todo por un rostro conocido para poder hacerse realidad y lograr que alguien se atreva a distribuirlas, lo cual sin duda conlleva ciertos riesgos, pero en muchos casos es la única opción que se tiene. Siendo este un propósito que Sleepwalker logró solventar con la presencia de Hayden Panettiere como su protagonista y que probablemente sea la única razón por la que uno sabe de su existencia.

Ya que lo traído por Auman es demasiado genérico y carece totalmente de personalidad como para provocar un gran interés en el espectador más allá de los primeros 15 minutos, esperando a que una gran cantidad de clichés e ideas desarrolladas a medias de algún modo logren sostener una historia a la que no la sobra profundidad y desgasta demasiado rápido el tema del sonambulismo de Sarah. Lo cual lleva a que al menos durante la primera mitad se quiera exprimir lo más que se pueda el drama familiar y con ello se tenga un ritmo cansino que afecta de manera importante lo que se pretende contar dado a que la sensación general es que no existe ningún tipo de avance en las acciones.

Algo que empeora con el transcurrir de los minutos debido a que los sueños de Sarah son prácticamente iguales salvo por algunas ligeras variaciones y eso, en lugar de ir generando suspenso, solo hace que lo que ocurre sea cada vez más predecible. Situación que quieren disimular un poco al ir integrando de manera más marcada los elementos sobrenaturales que se supone están detrás de todo esto, pero que en realidad nunca se sienten como algo orgánico dentro de la historia y terminan siendo solo recursos inefectivos con los que se originan muertes demasiado ridículas e irrelevantes.

Además todo lo anterior ni siquiera sirve para potenciar los estragos por parte de Sarah al momento de diferenciar los sueños de la realidad y por lo consiguiente la parte final resulta demasiado blanda ante la carencia de tensión. Apostando por un desenlace que puede ser sorpresivo si no pusiste atención a todo lo previamente contado, aunque si ese no es el caso te terminará siendo totalmente irrelevante.

En cuanto a las actuaciones realmente todo gira alrededor de Hayden Panettiere y su interpretación dista mucho de ser de las mejores que le hemos visto. Mientras que en producción se nota que tampoco hubo mucho presupuesto: el trabajo de fotografía cumple, la dirección de arte es desangelada, el score repetitivo, el trabajo de sonido no presenta fallos, los efectos son bastante simples y la labor de maquillaje discreta.

Opinión final: Sleepwalker es decepcionante. Película aburrida y genérica que mientras más rápido la olvides será mucho mejor. 

Ojometro:
**

Crítica: 28 Years Later: The Bone Temple (2026)

Secuela dirigida por Nia DaCosta (Candyman), cuyo guión fue escrito por Alex Garland. Se estrenó en cines dentro de México y los Estados Unidos los pasados 15 y 16 de enero; recaudando hasta la fecha $31.2 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

Tras ser incorporado contra su voluntad al culto de Jimmy Crystal (Jack O'Connell), Spike tendrá que iniciar una travesía que lo hará cruzarse nuevamente con el Dr. Kelson (Ralph Fiennes). Quien ha hecho un descubrimiento que podría cambiar al mundo entero.  

Comentarios generales:

“28 Years Later” resultó ser más divisiva de lo que uno hubiera imaginado y en gran parte se debió a que tuvo un enfoque muy diferente al que muchos esperaban o, en ciertos casos, por el peculiar final que presentaba. Algo que no ponía en riesgo el futuro de la trilogía dado a que era muy claro cuál era el camino elegido para llevar las cosas, pero si le añadía un poco de presión a “28 Years Later: The Bone Temple” en su búsqueda por satisfacer a los fans que no quedaron tan conformes el año pasado y creo que en términos generales tiene todo para lograr dicho objetivo.

Y es que lo traído por Nia DaCosta es más salvaje a pesar de que mantiene la misma línea de no convertir esto en un show con hordas de zombies sin control que dominen la narrativa, enfocándose en el culto de Jimmy Crystal y también en el Dr. Kelson para generar una diferenciación importante con respecto a la película anterior. Lo cual inmediatamente pone los ojos del espectador en las dos principales interrogantes que habían quedado pendientes y las utiliza de manera inteligente para profundizar sobre cómo el terror dentro de este territorio tan hostil no solo recae en los propios infectados.

Siendo todo lo relacionado con el culto la vía para proporcionar situaciones de impacto y cuya presencia dominante durante la primera mitad hace que siempre exista un nivel de tensión elevado ante lo impredecible que resultan las acciones de Jimmy Crystal al utilizar el satanismo como el medio para justificar todas sus atrocidades mientras se genera un contraste con las acciones más “humanas” del Dr. Kelson. Quien por medio de una relación muy peculiar logra brindar escenas ligeras en las que el factor de riesgo también está latente, pero que poco a poco llevan a algo mucho más trascendental en la forma de entender el comportamiento de los infectados y por lo mismo expande el abanico de posibilidades para la franquicia en el futuro sin caer en excesos que puedan afectar el ritmo tan estable que se maneja. 

Poniéndonos así frente a una parte final que significa el choque de ideologías entre ambos personajes y gracias a eso se nos brinda una de las escenas más memorables del año que también juega con el tema satánico. Dejando un desenlace bastante espectacular a nivel visual que puede llegar a ser un tanto depresivo y presenta lo que seguramente será el punto central de la tercera entrega.

Sobre las actuaciones tenemos un elenco que hace un trabajo bastante bueno al momento de exponer a un conjunto de personajes que en esta ocasión, salvo por contadas excepciones, manejan un concepto mucho más extravagante y cruel. Siendo Jack O'Connell y el propio Ralph Fiennes quienes destacan al ser quienes reflejan esa extravagancia de forma más marcada desde diferentes perspectivas al momento de lidiar con el mundo en el que viven.

Y en cuanto a producción, una vez, tenemos una tremenda factura: el trabajo de fotografía es muy bueno, la dirección de arte impecable, el score es genial, el trabajo de sonido espectacular, los efectos son de buena calidad y la labor de maquillaje sigue siendo sólida. 

Opinión final: 28 Years Later: The Bone Temple me gustó bastante. Secuela salvaje que deja la mesa puesta para la entrega final.

Ojometro:
*****

Crítica: Chain Reactions (2025)

Documental escrito y dirigido por Alexandre O. Philippe. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 21 de octubre, aunque no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

El impacto de The Texas Chain Saw Massacre contado por medio de entrevistas con cinco diferentes artistas  (Patton Oswalt, Takashi Miike, Alexandra Heller-Nicholas, Stephen King, Karyn Kusama), quienes exploran como el filme moldeó su arte por medio de traumas de la infancia.

Comentarios generales:

Todo mundo sabe cuales son las películas de terror que suelen ser consideradas como influyentes a una escala mayor y sin duda “The Texas Chain Saw Massacre” es una de esas, aunque por lo regular suele quedar un poco relegada frente a otras producciones al tratarse de un slasher. Sin embargo, si a uno le gusta investigar sobre el género sabrá que es una película a la que se le tiene una alta estima por varias razones en distintos círculos y la verdad es agradable tener un documental centrado estrictamente en eso.

Lo cual puede que no sea tan llamativo para quienes busquen material nunca antes visto o la historia detrás de la filmación, pero la realidad es que Alexandre O. Philippe hace un buen trabajo con cada entrevistado para que sus experiencias resulten lo suficientemente variadas y con ello evitar que se caiga en lo monótono. Sobre todo porque se enfoca mucho en las distintas interpretaciones que cada uno de ellos tiene sobre la película y gracias a eso el espectador puede identificarse con alguno de estos o, al contrario, pensar que es demasiado rebuscado lo que pretenden explicar sobre algo que en teoría es una historia relativamente simple.

Y es que desde paralelismos con “Nosferatu” hasta presagios de la decadencia de los Estados Unidos se pueden ver tratados aquí bajo un ritmo que fluye de manera agradable y un respeto de los tiempos bastante adecuado para poder profundizar cada visión de manera equitativa sin tener que recurrir a demasiado material extra adicional. Aunque también es cierto que los segmentos de Stephen King o de Takashi Mike pueden llegar a ser los que más llamen la atención debido a que se trata de dos figuras predominantes vinculadas con el terror y gracias a eso resulta más interesante ver la influencia de TCM en sus respectivas carreras.

Por último. En cuanto al tema de producción nos encontramos con un documental relativamente básico, pero bien cuidado: la edición es sólida, el trabajo de sonido es limpio y el score logra complementar de manera sutil las partes que así lo necesitan. 

Opinión final: Chain Reactions me gustó. Documental sobrio para conocer la influencia de un innegable clásico.

Ojometro:
****

Crítica: Primate (2026)

Película dirigida por Johannes Roberts (Resident Evil: Welcome to Racoon City), quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a Ernest Riera. Se estrenó en cines dentro de México y los Estados Unidos los pasados 8 y 9 de enero; recaudando hasta la fecha $13.4 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

Las vacaciones tropicales de un grupo de amigas se convierten en una aterradora historia de supervivencia cuando el chimpancé mascota de una de ellas se vuelve una bestia violenta sedienta de sangre.

Comentarios generales:

El cine de terror está infestado de películas con animales asesinos, pero cuando uno se pone a buscar aquellas centradas en primates realmente son contadas las opciones y la mayoría se remontan a las décadas de los 80s o 90s (Link, Shakma, Monkey Shines). Una situación que hasta cierto punto le terminó beneficiando a Primate debido a que esto le brindó un toque de novedad que otros trabajos de este tipo no tienen y que afortunadamente no ha desperdiciado.

Y es que si bien lo traído por Johannes Roberts no es la película más profunda que te vas a encontrar allá afuera, lo cierto es que explota a la perfección su punto de interés principal y se encarga de que esto sea lo que dicte el cómo se va a desarrollar una historia tan sencilla. La cual en un inicio pareciera que se va a centrar en un drama juvenil que no es de gran interés, pero que rápidamente lo desechan ante el cambio de personalidad de Ben y la violencia que trae esto de golpe para comenzar un viaje que no se impone ninguna clase de limitante cuando pretende generar impacto.

Haciendo con esto que el segundo acto sea uno relativamente simple en lo que respecta a las situaciones de peligro para los personajes, aunque el hecho de que el chimpancé sea genuinamente aterrador y tenga tanta ventaja física hace que cada momento cuente con la tensión necesaria para mantener intacta la atención del espectador. Poniéndonos frente algunas muertes bastante gráficas y decisiones algo tontas que poco a poco hacen que la dinámica se vaya volviendo más ágil al utilizar de mejor manera el espacio en el que se desarrollan las acciones; en especial cuando es tiempo de ir construyendo lo que será un enfrentamiento decisivo que de algún modo tienen que equilibrar.

Dejando así una parte final en la que claramente existen ciertas conveniencias con el guión que terminan ayudando a que esta tenga un nivel de intensidad alto y con ello se pueda presentar un mayor caos en pantalla. Donde tal vez la violencia no sea tan extrema como en los minutos previos, pero que logra ofrecer una conclusión seca y sin sentimentalismos que funciona de manera eficiente.

En cuanto a las actuaciones creo que el elenco en general está bien, todos cumplen con su rol de manera correcta a pesar de que la mayoría solo está ahí para morir cruelmente. Mientras que en cuanto a la producción vemos una buena factura: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte está bien cuidada, el score es buen complemento, el trabajo de sonido impecable, los efectos son de buena calidad y la labor de maquillaje resulta efectiva.

Opinión final: Primate me gustó. Película simple para pasar un buen rato viendo a un chimpancé increíblemente violento. 

Ojometro:
****

Stranger Things: Quinta temporada

El pasado 31 de diciembre llegó a su final Stranger Things, una de las series de terror/sci-fi más relevantes de todos los tiempos. Un fenómeno mundial cuya magnitud básicamente convertía a esta quinta temporada en uno de los proyectos más complejos dentro de la TV debido a que era imposible que se pudiera satisfacer a todo mundo y aunque los hermanos Duffer hicieron el intento para brindar un cierre competente, la verdad es que esta fue una temporada que dejó sensaciones agridulces.

En el tema de audiencia se sabe que la temporada final rompió varios records para Netflix, incluyendo un debut con 59.6 millones de televidentes (el mejor para una serie en inglés). Además de que la exhibición limitada en cines del episodio final generó alrededor de 25 millones de dólares en taquilla dentro de los Estados Unidos y Canadá.

Aquí me centraré en lo positivo y negativo de la temporada, ya que de lo contrario me extendería demasiado. Así que, si aún no la han visto o no la han visto completa, ES MOMENTO QUE DEJEN DE LEER PORQUE HABRÁ SPOILERS IMPORTANTES.

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LO POSITIVO

Derek

Nunca es sencillo introducir personajes en series con elencos tan bien establecidos y mucho menos hacerlo durante la temporada final dado a que el tiempo en pantalla no permite desarrollarlos de manera sólida; sin embargo, Stranger Things todavía se pudo dar el lujo de regalarnos un último personaje entrañable en Derek.

No solo por su personalidad tan peculiar, sino porque genuinamente era la única vía para añadir un poco de humor dentro de un suceso cuyo tono era predominantemente oscuro.

Will Byers finalmente es relevante

A pesar de que la primera temporada gira alrededor de su desaparición, la verdad es que el personaje de Will siempre se sintió un tanto ajeno y su rol dentro de la historia se quedaba en un segundo plano ante los demás personajes. Por ello es que fue gratificante ver que POR FIN le dieron su importancia y no se quedó solo como el chico del peinado ridículo.

Epílogo

Era complicado que el episodio final de Stranger Things dejara satisfechos a todos y ciertamente ha sido objeto de un acalorado debate entre los fans gracias a las libertades que se tomaron los hermanos Duffer al momento de concluir su historia. Aunque a mi juicio es el epílogo lo que termina haciendo que el final de la serie sea uno sólido, a pesar de que claramente deja cosas en el aire que no les costaba nada clarificar.

Siendo la escena en el techo y la escena con los chicos jugando D&D las que añaden un grado de emotividad muy elevado dado a que son situaciones con las que una gran mayoría de nosotros se puede identificar por lo que significa dejar a los amigos de la infancia atrás.

Episodios imperdibles:

(2) Chapter Two: The Vanishing of Holly Wheeler
(3) Chapter Three: The Turnbow Trap
(4) Chapter Four: Sorcerer
(8) Chapter Eight: The Rightside Up

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LO NEGATIVO

Demasiadas preguntas sin respuesta 

Dejar ciertas cosas abiertas a la interpretación no está mal y por ello lo ocurrido con Eleven no me pareció malo, pero lo que sí es bastante frustrante es la cantidad de preguntas sin responder que los hermanos Duffer dejaron en el aire y que gracias a sus posteriores declaraciones queda claro que jamás tuvieron muchas intenciones de aclararlas.

Vecna y los niños

Para tratarse de un elemento vital en la trama, la verdad es que el secuestro de los niños por parte de Vecna jamás se sintió como algo tan trascendental y conforme avanzaban los episodios era claro que su desarrollo no era lo más estable. Dejando a la idea como una que solo sirvió para alargar el conflicto final y generar odiosas comparaciones con otra serie de terror.

La irrelevancia de la Dra. Kay 

Traer a Linda Hamilton parecía una de las mejores decisiones de esta temporada; sin embargo, el personaje de la doctora Kay terminó siendo demasiado intrascendente la mayoría del tiempo. Al grado de que literalmente desaparece sin mayor explicación durante el epílogo.

Max

Desde su debut se fue estableciendo al personaje de Max como uno de los más importantes de la serie y tras lo ocurrido en la cuarta temporada uno esperaba que su rol fuera bastante relevante durante la conclusión. Algo que lamentablemente no sucedió al volverla la niñera de Holly y posteriormente al tenerla en silla de ruedas para dejarla fuera de la batalla final.

 Pocas muertes

Por las propias palabras de los creadores se sabía que el número de muertes sería limitado, aunque eso no evita sentir decepción ante el hecho de que la única significativa dentro de un suceso tan grande fue la de Kali, cuya presencia se sintió demasiado forzada en todo momento.  

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Opinión final: La quinta temporada de Stranger Things honestamente me pareció decepcionante. El final en términos generales no me desagradó, pero el camino para llegar a este no fue el más convincente al dejar pocos momentos memorables, muchas preguntas sin respuesta y desviarse demasiado de las bases que hicieron de la serie todo un fenómeno mundial.

Películas 2026

Aquí dejo el calendario con las películas que se conoce saldrán en 2026 y sus fechas tentativas de estreno durante este año dentro de los Estados Unidos, país de origen o del país en donde se distribuirá primero.

Es importante señalar que no todas las películas están 100% confirmadas, además de que siempre puede haber retrasos; mientras que en ciertos casos solo se ha revelado que saldrán este mismo año, pero no la fecha exacta.

* Recuerden que este calendario se estará actualizando de manera constante durante prácticamente todo el año cuando se den a conocer trailers o fechas de estreno.

ENERO

We Bury the Dead
Fecha de estreno: 2 de enero
Formato: En cines
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Sleepwalker
Fecha de estreno: 9 de enero
Formato: Limitado en cines y VOD
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Primate
Fecha de estreno: 9 de enero
Formato: En cines
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Night Patrol
Fecha de estreno: 16 de enero
Formato: En cines
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28 Years Later: The Bone Temple
Fecha de estreno: 16 de enero
Formato: En cines
Trailer

The Confession
Fecha de estreno: 16 de enero
Formato: Formato digital
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Vampire Zombies… from Space!
Fecha de estreno: 20 de enero
Formato: DVD y Blu-ray
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House Sitter
Fecha de estreno: 20 de enero
Formato: Formato digital
Trailer

Return to Silent Hill
Fecha de estreno: 23 de enero
Formato: En cines
Trailer

Mother of Flies
Fecha de estreno: 23 de enero
Formato: En cines
Trailer

Dooba Dooba
Fecha de estreno: 23 de enero
Formato: Sin confirmar
Trailer

The Containment
Fecha de estreno: 23 de enero
Formato: En cines
Trailer

Send Help
Fecha de estreno: 30 de enero
Formato: En cines
Trailer

Doctor Plague
Fecha de estreno: Sin confirmar
Formato: Digital
Trailer

 

FEBRERO

The Strangers: Chapter 3
Fecha de estreno: 6 de febrero
Formato: En cines
Trailer

Whistle
Fecha de estreno: 6 de febrero
Formato: En cines
Trailer

The Teacher's Pet
Fecha de estreno: 6 de febrero
Formato: Digital
Trailer

Cold Storage
Fecha de estreno: 13 de febrero
Formato: En cines
Trailer

Sweetness
Fecha de estreno: 13 de febrero
Formato: Digital
Trailer

The Observance
Fecha de estreno: 13 de febrero
Formato: Limitado en cines
Trailer

Honey Bunch
Fecha de estreno: 13 de febrero
Formato: VOD
Trailer

The Mortuary Assistant
Fecha de estreno: 13 de febrero
Formato: En cines
Trailer

Ghost Train
Fecha de estreno: 17 de febrero
Formato: Digital
Trailer

Psycho Killer
Fecha de estreno: 20 de febrero
Formato: En cines
Trailer

This is Not a Test
Fecha de estreno: 20 de febrero
Formato: En cines
Trailer

Redux Redux
Fecha de estreno: 20 de febrero
Formato: Limitado en cines
Trailer

The Dreadful
Fecha de estreno: 20 de febrero
Formato: Digital
Trailer

Diabolic
Fecha de estreno: 20 de febrero
Formato: Digital
Trailer

Scream 7
Fecha de estreno: 27 de febrero
Formato: En cines
Trailer

Noseeums 
Fecha de estreno: 27 de febrero
Formato: Digital
Trailer

MARZO

The Bride!
Fecha de estreno: 6 de marzo
Formato: En cines
Trailer

Twisted
Fecha de estreno: 6 de marzo
Formato: Digital
Trailer

undertone 
Fecha de estreno: 6 de marzo
Formato: En cines
Trailer

Dolly
Fecha de estreno: 6 de marzo
Formato: En cines
Trailer

They Will Kill You
Fecha de estreno: 27 de marzo
Formato: En cines
Trailer

ABRIL

Ready or Not: Here I Come
Fecha de estreno: 10 de abril
Formato: En cines
Trailer

The Mummy
Fecha de estreno: 17 de abril
Formato: En cines
Trailer

Mother Mary
Fecha de estreno: Sin confirmar
Formato: En cines
Trailer

 

MAYO

Hokum
Fecha de estreno: 1 de mayo
Formato: En cines
Trailer

Deep Water
Fecha de estreno: 1 de mayo
Formato: En cines
Trailer

Obsession
Fecha de estreno: 15 de mayo
Formato: En cines
Trailer

JUNIO

Scary Movie
Fecha de estreno: 12 de junio
Formato: En cines
Trailer

JULIO

Shiver
Fecha de estreno: 3 de julio
Formato: En cines
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Evil Dead Burn
Fecha de estreno: 24 de julio
Formato: En cines
Trailer

AGOSTO

Insidious 6
Fecha de estreno: 21 de agosto
Formato: En cines
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SEPTIEMBRE

Clayface
Fecha de estreno: 11 de septiembre
Formato: En cines
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Resident Evil
Fecha de estreno: 18 de septiembre
Formato: En cines
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OCTUBRE

Other Mommy
Fecha de estreno: 9 de octubre
Formato: En cines
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Remain
Fecha de estreno: 23 de octubre
Formato: En cines
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NOVIEMBRE

DICIEMBRE

Werwulf
Fecha de estreno: 25 de diciembre
Formato: En cines
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FECHA SIN CONFIRMAR

- Deathgasm 2: Goremageddon (Trailer)

Ojo Awards: Lo mejor del 2025

No es exagerado decir que el 2025 ha sido uno de los años más productivos para el cine de terror en lo que va de la década y mucho de esto se debe a que sigue siendo un género demasiado rentable dentro de una industria donde existe mucha inestabilidad en la actualidad, además de que es claro que al publico general le gustan este tipo de películas. Algo que sin duda ha hecho que sigamos teniendo la oportunidad de ver propuestas de todo tipo, tanto en cines como TV/Streaming, lo cual es algo por demás positivo por donde se le vea y esperemos que esto se siga manteniendo así.

En cuanto a los números en taquilla tenemos varias historias de éxito que se lograron posicionar en el top 20 de mayor recaudación como The Conjuring: Last Rites ($494.5 millones de dólares), Sinners ($367.9), Final Destination: Bloodlines ($315.8) y Weapons ($268.9). Aunque también hubo sonados fracasos como M3GAN 2.0 ($39.0), Wolf Man ($35.2) o Dracula: A Love Tale ($28.0).

Y bueno… ya para no darle más vueltas al asunto, aquí dejo lo que en lo que en mi opinión fue de lo mejor en este año por medio de la decimotercera edición de los Ojo Awards. Los cuales, como siempre, están basados exclusivamente en todas las películas de las que escribí en el blog a lo largo de los 365 días del año.

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Mejor Maquillaje: Frankenstein

2.- Until Dawn
3.- 28 Years Later

Mejores Efectos Especiales: Final Destination: Bloodlines

2.- Frankenstein
3.- Until Dawn

Mejor Score: Sinners

2.- The Conjuring: Last Rites
3.- Frankenstein 

Mejor Dirección de Arte: Frankenstein

2.- Sinners
3.- Dracula: A Love Tale

Mejor Fotografía: 28 Years Later

2.- Sinners
3.- Frankenstein

Mejor Actriz: Amy Madigan (Weapons)

2.- Sally Hawkins (Bring Her Back)
3.- Sophie Tatcher (Companion)

Mejor Actor: Michael B. Jordan (Sinners)

2.- John Lithgow (The Rule of Jenny Pen)
3.- Ethan Hawke (Black Phone 2)

Mejor Director: Ryan Coogler (Sinners)

2.- Zach Cregger (Weapons)
3.- Guillermo del Toro (Frankenstein)

Mejor Guión: Weapons

2.- Sinners
3.- Companion

Mejor Película: Weapons

Honestamente nunca pensé que Weapons sería algo tan grande considerando que su campaña publicitaria podía resultar un repelente para muchas personas por lo criptica que era, pero dentro de un año en el que hubo varias películas que me sorprendieron ninguna alcanzó los niveles de la dirigida por Zach Cregger.

Y mucho de esto se debe a que es una de esas historias con las que genuinamente no sabes lo que está ocurriendo y eso la vuelve sumamente atractiva porque todo el tiempo te tiene pensando y analizando cada detalle para entender lo que ocurre. Complementándolo con una atmósfera tensa y grandes actuaciones que hacen de este producto uno muy completo.

Top 10

1- Weapons

2- Sinners

3- 28 Years Later

4- Frankenstein

5- Bring Her Back

6- Final Destination: Bloodlines

7- Black Phone 2

8- The Rule of Jenny Pen

9- The Conjuring: Last Rites

10- The Monkey

Mención honorífica: Good Boy, Marshmallow, Companion, V/H/S/Halloween  

Crítica: Silent Night, Deadly Night (2025)

Película escrita y dirigida por Mike P. Nelson (Wrong Turn, Sweet Revenge). Se estrenó en cines dentro de México y los Estados Unidos los pasados 11 y 12 de diciembre, recaudando hasta la fecha $2.1 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

Cuando era niño, Billy (Rohan Campbell) vio como un hombre disfrazado de Santa Claus asesinó a sus padres. Años después, ese trauma se convierte en una obsesión cuando él mismo se pone el traje rojo para embarcarse en una violenta búsqueda de venganza durante la que se supone es la época más maravillosa del año.

Comentarios generales:

La verdad no creo que nadie estuviera esperando que alguien se tomara el riesgo de revivir la franquicia de “Silent Night, Deadly Night” debido a que, con excepción de la película original de 1984, al resto casi no se les tiene nada de cariño y por eso muchos prefieren borrarlas de su memoria. Así que cuando se anunció este remake no hubo mucha exaltación porque parecía que solo sería otro intento fallido para tratar de explotar la nostalgia de los fans más fieles, pero para mi sorpresa esta nueva versión ha sido una experiencia mucho más agradable de lo que esperaba.

Y mucho de esto se debe al hecho de que Mike P. Nelson no se limita a solo imitar el material original, sino más bien reinterpreta el concepto para tratar de añadir frescura a algo que en el fondo sigue siendo un slasher en toda la regla. Aunque de inicio si tiene que guiarse por lo previamente establecido para recrear el trauma inicial de Billy y a partir de eso presentar el mayor cambio de todos con el que se crea una dinámica que te hace recordar un poco a las películas de “Venom” gracias a que con ello se logra que un personaje tan poco emocional pueda tener ciertos momentos donde se da el lujo de parecer más humano.

Llevando a que la selección de las victimas sea menos impulsiva y mantenga en línea las bases para elegirlas; sin embargo, también es cierto que con esto se limita el número de escenas de muertes ante los estragos mostrados por parte de Billy. Brindándole con ello un ritmo más pausado al filme que tal vez no sea del agrado de todos, pero que no afecta realmente el resultado general debido a que cuando se trata de mostrar un alto nivel de violencia en pantalla no se escatima en la espectacularidad visual y eso ayuda a que en ningún momento te resulte aburrido lo que estás viendo.

Dejándonos así ante una parte final en la que se le da más relevancia a un tema que solo había sido tratado de manera superficial y que es la vía para ofrecer un desenlace intenso en el que el propósito no es reivindicar al asesino, pero si solidificar el mensaje de que incluso los monstruos pueden encontrar a su alma gemela. Además de que se planta la semilla para poder expandir esta nueva idea para la franquicia en futuras secuelas.

En cuanto a las actuaciones tenemos a un Rohan Campbell que creo que cumple con su rol de manera adecuada, simplemente encaja a la perfección con este tipo de personajes dañados y los saca adelante sin muchos contratiempos. Mientras que el resto del elenco tampoco lo hace mal en lo que les piden.

Y en producción tenemos una buena factura: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte cumple, el score resulta funcional, el trabajo de sonido no tiene fallos, los efectos son de buena calidad y la labor de maquillaje efectiva.

Opinión final: Silent Night, Deadly Night me gustó. Una re-imaginación sólida para lo que aparenta ser el renacimiento de esta franquicia.

Ojometro:
****

Crítica: The Elixir (2025)

Producción indonesia dirigida por Kimo Stamboel (The Queen of Black Magic), quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a Agasyah Karim y Khalid Kashogi. Se estrenó directamente en Netflix a nivel mundial el pasado 23 de octubre.

Sinopsis:

El dueño de una renombrada empresa de medicina herbolaria y patriarca de una familia disfuncional intenta innovar para crear un nuevo producto premium, aunque este termina ocasionando un apocalipsis zombie.

Comentarios generales:

Ya he comentado cómo dentro del cine de zombies asiático cada país ha tratado de replicar a su modo el sello coreano sin demasiado éxito y por ello es que me resultan tan interesantes este tipo de proyectos porque quiero saber si alguien por fin puede hacerlo bien. Y tras ver el trailer de The Elixir parecía que esta podía lograrlo, pero para nuestra mala suerte se queda algo corta en su propuesta.

Lo cual es una lástima porque lo traído por Stamboel tenía potencial dado a que los zombies que presenta son bastante amenazantes y sabe cómo brindarles el tiempo en pantalla necesario para que resalten; sin embargo, el que no sepa cómo trabajar con el resto de los personajes termina siendo contraproducente para lo que nos quiere contar. Ya que después de un drama familiar inicial que establece las bases del caos, la verdad no tiene que pasar demasiado tiempo para empezar a desesperarse con un grupo de personajes cuyas acciones son demasiado tontas al momento de tener que afrontar a los zombies y gracias a eso lo que uno quiere es que los maten a todos de la manera más rápida posible para ahorrarte tiempo.

Algo que hace que la primera mitad de la película sea bastante floja, aunque el hecho de que los zombies tengan tanta presencia en pantalla provoca que en ningún momento el ritmo se vuelva pesado y las malas decisiones sean digeribles por el nivel de violencia que imprimen conforme la horda va creciendo. Logrando con esto que poco a poco durante la segunda mitad la sensación de riesgo sea mayor y con ello se puedan construir algunas escenas que le brinden cierta profundidad a los personajes sin que se deje de lado la brutalidad bajo la que tienen que desenvolverse, además de que se utilizan de manera original cosas como la lluvia o los fuegos artificiales para ofrecer cierto toque de frescura.

Dejándonos así frente a una parte final que resulta bastante intensa y en donde se logra establecer un grado de emocionalidad suficiente como para que el desenlace no se sienta tan hueco dentro de toda la espectacularidad visual que lo rodea.

De las actuaciones hay de todo un poco, pero la verdad ninguna sobresale como para que te preocupe demasiado alguien dentro de este grupo de personajes poco inteligentes. Mientras que en producción tiene sus principales fortalezas: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte discreta, el score no es nada del otro mundo, el trabajo de sonido no tiene fallos, los efectos son de buena calidad y la labor de maquillaje de gran nivel.

Opinión final: The Elixir está ok. Película de zombies para pasar el rato viendo mucha sangre.

Ojometro:
***

Crítica: In Our Blood (2025)

Película dirigida por Pedro Kos, cuyo guión fue escrito por Mallory Westfall. Se estrenó de manera limitada en cines a mediados de octubre, mientras que su salida en VOD se dio el pasado 5 de diciembre.

Sinopsis:

La cineasta Emily Wayland (Brittany O'Grady) se reúne con su distanciada madre después de muchos años para filmar un documental. Aunque cuando esta desaparece, ella y su camarógrafo tendrán que investigar algunas pistas que revelarán algunos perturbadores rastros de sus antiguas adicciones.

Comentarios generales:

Cada año existen un puñado de películas que vuelan por debajo del radar y la única forma en la que logran captar cierta atención es por la infalible recomendación del boca en boca, así que cuando una empieza a generar algo de ruido por esta vía mi interés se incrementa de inmediato. Obvio teniendo en mente que no siempre este tipo de recomendaciones son garantía, pero afortunadamente con In Our Blood me encontré una pequeña sorpresa cuando menos lo esperaba.

Aunque honestamente lo que nos presenta Pedro Kos es algo que en definitiva no será para todo el mundo debido a que este falso documental se toma su tiempo para poder meter de lleno al espectador en lo que quiere contar y eso provoca que durante el primer acto no existan demasiados motivos para considerar esto como una película de terror o para pensar si en verdad hay algo interesante de fondo. Sin embargo, una vez que se da la desaparición y se empiezan a presentar las complejidades sociales del lugar en el que se desarrolla la historia, las cosas poco a poco van yendo hacia una dirección en la que las dudas se vuelven un impulsor bastante fuerte para generar interés en lo que hasta este punto es desconocido.

Incrementando así de manera progresiva el nivel de tensión conforme Emily se va volviendo más temeraria al momento de conseguir respuestas sobre la desaparición de su madre, lo cual puede llevar a algunos momentos frustrantes ante su comportamiento, pero que también son la vía idónea para exponer los aparentes peligros que rodean este misterio que va soltando información a cuentagotas. Sobre todo durante un segundo acto en el que empezamos a tener algo de claridad, aunque de manera inteligente no se expone en su totalidad lo que ocurre para que la parte final funcione como se tiene pensado.

Siendo esta una de la que se puede hablar poco sin caer en el spoiler y de la que nada más diré que es la que eleva a otro nivel al filme debido a que no solo le da sentido a ciertos detalles previos que no encajaban del todo o parecían irrelevantes, sino que además deja un cierre con mucho impacto que nunca te esperas.

Sobre las actuaciones tenemos a un elenco que no hace nada espectacular, pero que logra capturar de manera impecable la naturaleza compleja de la zona en la que se desarrolla la historia. Además Brittany O'Grady como la protagonista hace un trabajo sólido.

Y en cuanto a producción, se nota que hubo un presupuesto limitado: el trabajo de fotografía es bastante bueno, la dirección de arte simple, el score no deja nada memorable, el trabajo de sonido es limpio y todo lo referente a efectos/maquillaje es discreto.

Opinión final: In Our Blood me gustó. Falso documental que exige mucha paciencia, pero cuyo pago es satisfactorio.

Ojometro:
****

Crítica: Five Nights at Freddy’s 2 (2025)

Secuela dirigida por Emma Tammi (The Wind, Five Nights at Freddy’s), cuyo guión fue escrito por Scott Cawthon. Se estrenó en cines dentro de México y los Estados Unidos los pasados 4 y 5 de diciembre, recaudando hasta la fecha $110.5 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

Mike, Vanessa y Abby tratan de seguir con sus vidas después de la pesadilla vivida en la pizzería Freddy Fazbear un año atrás. Aunque cuando la pequeña decide rencontrarse con sus viejos amigos dará inicio una serie de aterradores eventos que revelarán nuevos oscuros secretos sobre el origen de Freddy’s y un horror que lleva oculto por décadas.

Comentarios generales:

Hace un par de años atrás lo que más me sorprendió de la primera entrega fue lo ruidosa que fue entre sectores que usualmente no cubren cine de terror cuando claramente se trataba de un producto hecho para atender a los fans del videojuego y sus interminables teorías. De pronto parecía ser la mayor referencia cinematográfica del siglo XXI y encontrabas opiniones que rayaban en lo más extremo, algo que pensaba que con Five Nights at Freddy’s 2 ya no iba a ocurrir, pero sin duda estaba muy equivocado.

Y es que una vez más lo traído por Tammi está totalmente hecho para los fans y eso seguirá desconcertando a quienes no están enterados de todo el lore del videojuego, aunque en esta ocasión ya no es necesario tener que construir una historia nueva y por lo mismo se pueden utilizar los secretos detrás de la pizzería para expandir lo establecido hace un par de años atrás. Brindándole así un ritmo un poco más ágil a la primera mitad de la película para que la presentación de la nueva amenaza no se sienta tan pesada al agregar un poco más de violencia en el camino; sin embargo, esto tampoco quiere decir que no existan cosas que tienen poco sentido o rayen en lo absurdo cuando es momento de ir integrando a los animatrónicos de manera más constante en las acciones.

Lo cual hacen por medio de una mezcla de humor ligero con scare jumps que no es la más efectiva, ocasionando así que el desarrollo pierda fluidez y durante la segunda mitad se entre en una etapa de aburrimiento ante el predecible avance que existe con el misterio propuesto. Algo que tampoco es que sea tan catastrófico para las aspiraciones del filme dado a que se sigue nutriendo con todo el fanservice posible para que ciertas situaciones no se sientan muy forzadas y encajen de algún modo con toda esta problemática llena de elementos sobrenaturales a la que en un punto se le tiene que dejar de buscar la lógica detrás.

Llevándonos así a una parte final bastante entretenida en donde se opta por ofrecer mayor acción para que los animatrónicos resulten más amenazantes y con ello se pueda tener un desenlace intenso con el que se le da un aparente cierre a una de las ideas centrales de la primera entrega, pero al mismo tiempo planta la semilla para lo que veremos en la siguiente película.

En lo que respecta a las actuaciones no hay mucha diferencia a lo visto anteriormente, ya que tanto Josh Hutcherson (Mike) como Elizabeth Lail (Vanessa) manejan exactamente el mismo tono y sus interacciones incluso resultan menos interesantes. Aunque la breve presencia de Wayne Knight (Mr. Berg) es bastante agradable.

Y en lo que respecta a la producción seguimos teniendo una buena factura con la que se puede notar que hubo un mayor presupuesto: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte está muy bien cuidada, el score no es nada del otro mundo, el trabajo de sonido es limpio, los efectos están bien hechos y la labor de maquillaje destaca poco.

* Cuenta con una escena a la mitad de los créditos y un dialogo post-créditos

Opinión final: Five Nights at Freddy’s 2 está pasable. Otra entrega pensada para satisfacer a su inmenso número de fans.

Ojometro:
***

Crítica: The Healing (2025)

Película dirigida por Denis Kryuchkov, cuyo guión fue co-escrito por Olga Loyanich y Robert Orr. Se estrenó en VOD y formato físico dentro de los Estados Unidos el pasado 14 de octubre.

Sinopsis:

Lyuba (Alena Mitroshina) deja a su abusivo esposo para ir a un retiro con sus amigas. Un lugar misterioso con extraños rituales y visiones que revelarán oscuros secretos que la obligan a confrontar una difícil decisión: escapar o sucumbir ante un aterrador destino.

Comentarios generales:

Gracias al conflicto bélico que todos conocemos se ha vuelto complicado el que producciones rusas lleguen a este lado del planeta y por lo consiguiente la tendencia de ver un poco más de cine de terror ruso se terminó esfumando. Por ello es que cuando supe de The Healing no dude en darle una oportunidad, aunque al final me he llevado una decepción.

En gran parte porque lo presentado por Kryuchkov es un thriller psicológico con el que ni él mismo parece tener cierta claridad sobre cómo desarrollar una historia que durante el primer acto no da muestras de ser algo especial y sigue patrones habituales de cualquier otra película sobre cultos hasta que empieza a jugar con la mente de nuestra protagonista. Lo cual añade cierto misterio a las cosas, pero rápidamente empieza a volverse frustrante dado a que todo ocurre de manera aleatoria y sin suficiente sustento para darle un rumbo sólido a determinadas situaciones, apostando a que sea la excentricidad del líder la que pueda solventar muchas de las carencias que son perceptibles.

Algo que lamentablemente nunca se corrige y que para la segunda mitad empeora, no solo por el hecho de que tratan de hacer que una problemática demasiado simple parezca compleja, sino porque con cada alucinación de Lyuba se va generando una sensación de que nada es importante y solo se trata de un recurso barato para darle demasiadas vueltas a lo mismo ante la falta de sustancia. Además de que con esto básicamente se le quita relevancia a los personajes secundarios, cuyas apariciones se vuelven más efímeras con el pasar de los minutos y presentan unos cambios de personalidad tan abruptos que no tienen ningún un tipo de sentido; en especial cuando se trata de jugar con los dilemas morales por lo que ocurre dentro del retiro.

Dejándonos así ante una parte final a la que se llega con más dudas que certezas y una falta de intensidad muy marcada, aunque se debe de reconocer que por lo menos tratan de brindar un poco más de estabilidad a las acciones al dejar de lado tanta alucinación. Logrando con esto que el desenlace tenga cierta claridad y fuerza para que no te resulte tan indiferente.

En lo referente a las actuaciones no hay mucho que decir. Alena Mitroshina no es precisamente la protagonista más convincente, mientras que dada la naturaleza de la historia el resto del elenco cuenta con participaciones que no les ofrecen el tiempo necesario para poder desarrollar personajes que no sean tan irrelevantes.

Y en cuanto a producción, la verdad hay alguna que otra cosa para destacar: el trabajo de fotografía es bastante bueno, la dirección de arte no resalta, el score es un complemento agradable, el trabajo de sonido es limpio, los efectos son simples y la labor de maquillaje muy discreta.

Opinión final: The Healing es decepcionante. Thriller psicológico pretensioso que aburre más de lo que entretiene.

Ojometro:
**

Crítica: Queens of the Dead (2025)

Película dirigida por Tina Romero, quien comparte créditos como co-escritora del guión junto a Erin Judge. Se estrenó de manera limitada en cines dentro de los Estados Unidos a finales de octubre, mientras que su salida en VOD se dio el pasado 11 de noviembre.

Sinopsis:

Drag queens y club kids se ven rodeados por zombies durante su show drag en Brooklyn, obligándolos a dejar sus conflictos personales de lado para poder utilizar sus distintivas habilidades para enfrentar una amenaza que se niega a morir.

Comentarios generales:

Llevar el apellido Romero y hacer una película de zombies debe de ser uno de los retos más complejos considerando todo el contexto histórico que existe detrás, pero el hecho de que la hija de quien es considerado el padre del género zombie quisiera hace cine de este tipo creo que era algo natural. Por ello es que cuando se supo de la existencia de Queens of the Dead los fans respondieron con entusiasmo por lo que podía ofrecer para extender el legado familiar; sin embargo, creo que el resultado final no es precisamente el esperado.

Y es que si bien a lo presentado por Tina Romero hay que reconocerle su sinceridad desde la introducción, lo cierto es que lo único que nos ofrece es una historia en la que apuesta más por el humor extravagante y no tanto por utilizar a los zombies de una manera interesante para solidificar su mensaje sobre como la sociedad está completamente esclavizada por los celulares y las redes sociales. Esperando a que sea un grupo de personajes llamativos los que puedan generar interés por medio de un tipo de comedia que desde el primer acto se siente demasiado simplona al momento de ir creando mini conflictos que lleven a situaciones en las que el peligro sea palpable.

Todo bajo un ritmo que no es precisamente lento, pero que se siente así gracias a la poca imaginación mostrada para ir integrando a los zombies dentro de un caos que se va tornando bastante repetitivo ante los mismos chistes y los mismos problemas a los que se tienen que enfrentar los personajes. Algo que indudablemente vuelve aburridas las acciones y eso solo empeora por la pocas escenas de muertes que existen, lo cual provoca que todo resulte en exceso blando y por lo mismo se vaya generando mucho desinterés en el espectador por lo que pueda ocurrir durante la parte final.

Una que por lo menos contiene algunos momentos entretenidos con los que se puede construir un desenlace con cierto nivel de intensidad que explote de manera superficial la crítica social que pretendía hacer la directora, aunque esto no hace que las sensaciones por lo visto durante 100 minutos mejoren demasiado.

En cuanto a las actuaciones contamos con un elenco que le da vida a un conjunto de personajes súper extravagantes que desde el inicio manejan un tono exagerado en todo lo que hacen y no lo cambian en lo absoluto. Viéndose forzados a tener que trabajar bajo un tipo de humor que es poco efectivo y los limita demasiado al momento de tratar de ofrecer algo más cuando las cosas ameritan mayor emocionalidad.

Y en lo que respecta a la producción, tampoco hay mucho para destacar: el trabajo de fotografía cumple, la dirección de arte es muy básica, el score no contiene nada memorable, el trabajo de sonido está bien cuidado, los efectos son simples y la labor de maquillaje cumple con lo básico para una película de este tipo.

Opinión final: Queens of the Dead es decepcionante. Película de zombies que, de no ser por el apellido de su directora, habría pasado desapercibida.

Ojometro:
**

Crítica: The Toxic Avenger (2025)

Película escrita y dirigida por Macon Blair, la cual representa un reboot de la franquicia. Se estrenó en cines dentro de los Estados Unidos a finales de agosto y posteriormente en VOD el 30 de septiembre, mientras que su salida en formato físico se dio el pasado 28 de octubre.

Sinopsis:

Un terrible accidente tóxico transforma al oprimido conserje Winston Gooze (Peter Dinklage) en una nueva evolución de héroe: El Vengador Tóxico.

Comentarios generales:

El hecho de que se quisiera hacer un reboot de “The Toxic Avenger” no fue algo que me sorprendiera demasiado, ya que al final de cuentas se trata de una franquicia de culto con el potencial suficiente para intentar revivirla. Sin embargo, las dudas llegaban por el lado de Truma Entertaiment debido a que las producciones de este estudio en general son de un corte muy específico que en los años 80s o 90s funcionaban, aunque para las épocas actuales pueden llegar a sentirse un tanto obsoletas.

Algo que con esta versión de 2025 afortunadamente no ocurre debido a que Blair muestra bastante entendimiento sobre cómo contarnos una historia que desde su inicio se sostiene en base al humor bobo y la violencia gráfica mientras, de manera sutil, se integra cierto drama familiar para darle un toque más humano a nuestro héroe gracias a los estragos ocasionados por su vida parental. Lo cual puede no sonar tan atractivo conociendo la naturaleza ridícula del personaje, pero ante el desarrollo acelerado de los eventos en ningún momento el espectador se va a aburrir y justo cuando se da la mutación dicho drama termina siendo un buen recurso para balancear un poco toda la locura que conlleva la exposición del propio Vengador Tóxico.

Quien una vez que entra de lleno a la acción convierte esto en un espectáculo donde lo que predomina es el caos por medio de situaciones extremas que se combinan con cierta sátira al momento de matar delincuentes cuyos comportamientos son cada vez más tontos. Siendo esto algo que sin duda lleva a que la dinámica se vuelva un tanto redundante y se maneje un humor que para algunas personas será difícil de digerir, a pesar de que ayuda a que el propósito principal de ofrecer un espectáculo absurdo con mucha violencia y sangre se cumpla a la perfección.

Dejando así una parte final que no baja en lo absoluto su apuesta y trata de seguir añadiendo más extravagancias en el camino por medio de un conflicto decisivo que es tan ridículo como entretenido. Donde tal vez no se llega a mostrar la espectacularidad visual que uno imaginaba y en definitiva ciertas cosas se sienten forzadas, pero resulta suficiente como para que el cierre sea competente. 

Con respecto a las actuaciones tenemos un elenco de peso en el que Peter Dinklage hace un buen trabajo al combinar un humor simplón con cierto toque dramático para que su transformación sea un poco más entrañable a pesar de las rarezas que rodean al personaje. Mientras que Kevin Bacon (Bob Garbinger) y Elijah Wood (Fritz Garbinger) añaden su toque de rareza para ser unos villanos que no desentonen a lado de nuestro héroe.

Y en cuanto a producción es todo lo que se espera de un filme de este tipo: el trabajo de fotografía cumple, la dirección de arte está ok, el score resulta agradable, el trabajo de sonido es limpio, los efectos en su mayoría son de buena calidad y la labor de maquillaje es efectiva.

* Cuenta con una escena post-créditos

Opinión final: The Toxic Avenger está entretenida. Película de corte serie B con la que se puede pasar un buen rato.

Ojometro:
***