Crítica: The Bride! (2026)

Película escrita y dirigida por Maggie Gyllenhaal. Se estrenó en cines tanto en México como los Estados Unidos los pasados 5 y 6 de marzo; recaudando hasta la fecha $26.9 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

En el año 1936, Frankenstein (Christian Bale) le pide a la Dra. Euphronius que lo ayude a crear una compañera. Lo cual lleva a darle vida a una mujer asesinada que será conocida como La Novia (Jessie Buckley) y con la que iniciará un salvaje romance, una persecución policiaca y un cambio social radical.  

Comentarios generales:

Sabemos que desde hace un tiempo Universal Studios optó por manejar todo lo relacionado a los “Universal Monsters” de una forma peculiar, dándole prioridad a la libertad creativa en lugar de tratar de integrarlos a todos en un mismo universo cinematográfico. Decisión que en términos generales creo que ha dejado más cosas positivas que negativas, aunque con The Bride! queda claro que tanta libertad a veces puede ser riesgosa.  

Y es que desde un inicio lo traído por Gyllenhaal establece que será algo MUY distinto a lo visto en la película original de 1935 al tomar una decisión creativa controversial para justificar la presencia continua de Mary Shelley en todo esto, lo cual se siente como un recurso que no encaja para nada con lo que se quiere contar y se vuelve solo la primera de varias ideas que, en su afán por utilizarlas para querer diferenciarse tanto, no terminan por funcionar.  

Algo que durante el primer acto no es tan notorio debido a que la guía principal es la historia que todos conocemos y se le da mayor enfoque a Frankenstein para conocer un poco más de su personalidad, así como para solidificar la idea de que su motivación para tener una compañera está completamente sustentada en la soledad. Situación que provoca que el inicio sea lento y con pocas cosas de interés, siendo hasta la aparición de La Novia cuando empezamos a percibir mayor dinamismo dado a que su presencia genera un contraste agradable con Frank y prácticamente de inmediato absorbe por completo la atención por medio de su comportamiento errático y rebelde.

Llevándonos así por un camino muy a la Bonnie y Clyde en el que se combinan momentos de impacto con algunos otros que tratan de magnificar la extravagancia inherente de nuestros protagonistas sin que los resultados sean tan homogéneos como para que esta persecución policiaca pueda ir escalando de manera importante en cuanto al nivel de intensidad. Dejando siempre la sensación de que muchos acontecimientos en realidad no tienen un propósito bien definido y solo están pensados para apantallar sin tener que desarrollar a fondo aspectos que así lo piden.  

Teniendo como consecuencia que el visionado carezca de momentos memorables y, sobre todo, de un trasfondo para La Novia que pueda lograr que el desenlace tenga el peso emocional requerido. Ya que si bien cuenta con bastante fuerza y no lo catalogaría como malo, al final nada de lo propuesto termina resultando totalmente convincente.

En cuanto a las actuaciones hay que mencionar que, de no ser por la pareja protagonista, la película probablemente hubiera sido un desastre mayúsculo. Ya que Jessie Buckley y Christian Bale adoptan totalmente sus roles de “monstruos” para sacarles el mayor jugo posible ante las limitaciones del guión, siendo ella en particular la que deja una mayor impresión por medio de una Novia extravagante que jamás raya en lo caricaturesco.

Y en lo que respecta a la producción, la verdad tenemos una factura de buen nivel: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte está bien cuidada, el score es sobresaliente, el trabajo de sonido no tiene fallos, los efectos son de buena calidad y la labor de maquillaje de primer nivel.

Opinión final: The Bride! está pasable. Película con grandes actuaciones que no sabe como aterrizar lo que propone.

Ojometro:
*** 

Crítica: Honey Bunch (2026)

Película dirigida por Dusty Mancinelli y Madeleine Sims-Fewer, quienes además comparten créditos como co-escritores del guión. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 13 febrero, aunque no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Cuando Diana (Grace Glowicki) se despierta de un coma con pérdida de memoria, ella y su esposo buscan tratamientos experimentales en una clínica remota. Aunque conforme el procedimiento se intensifica, su matrimonio empieza a tambalearse cuando los verdaderos motivos de su amado salen a la luz.

Comentarios generales:

Realmente son pocas las ocasiones en las que empiezo a ver una película sin tener la certeza sobre lo que va a tratar, simplemente tantos años de ver cine de terror ha provocado que exista poco nivel de sorpresa en mi. Por ello cuando me encuentro con algún proyecto que logra eso me suelo entusiasmar y Honey Bunch por grandes lapsos pudo hacerlo, aunque al final se termina quedando a medio camino en lo que se refiere a explotar todo su potencial.

Y es que lo traído por Mancinelli y Sims-Fewer es una historia extraña que combina terror, ciencia ficción y fantasía para estar generando preguntas de manera constante sin que exista claridad con respecto al rumbo que se va a tomar. Lo cual origina un primer acto muy críptico en el que vemos a muchos personajes aparecer y desaparecer sin demasiada explicación mientras nuestra pareja protagonista se ve envuelta en una serie de sucesos diseñados para establecer ciertas dudas con respecto a las intenciones de Homer y con ello ir construyendo un misterio discreto que poco a poco irá tomando más fuerza.

Algo que sin duda tarda en darse debido a que el filme se propone a retar la paciencia del espectador debido a que el proceso para empezar a esclarecer las cosas e integrar elementos que brinden más impacto desde el lado del terror se da bajo un ritmo lento que provoca que por grandes lapsos uno piense que no se va hacia ningún lado; en especial porque el resto de los personajes siguen sin tener un motivo claro en todo esto. Sin embargo, una vez que parece que lo raro no tiene ningún tipo de sustento sólido detrás se da una revelación que cambia las cosas por completo y hace que el personaje de Diana se vuelva mucho más interesante ante determinados aspectos psicólogos y físicos que se exponen sobre ella de una manera peculiar.

Dejándonos así ante una parte final que tiene todo para irse hacía un camino extremo, pero mejor se opta por otro más ligero en el que la relación entre Diana y Homer maneja ciertas complejidades que cambia la forma de ver a ambos al plantear cosas interesantes sobre las relaciones humanas. Aunque esto también hace que el desenlace sea un tanto agridulce debido a que es imposible no quedarte con la sensación de que faltó mostrar algo más intenso.  

En lo que respecta a las actuaciones tenemos un elenco sólido liderado por una Grace Glowicki que logra sostener la película por medio de un personaje que, a partir de determinado momento, le exige diversificarse bastante. Mientras que Ben Petrie (Homer) siempre logra mantener esa sospecha intacta sobre sus intenciones para que el misterio no se eche a perder tan rápido.

Y en cuanto a producción, se tiene una factura de calidad: el trabajo de fotografía es bastante bueno, la dirección de arte cumple, el score no está mal, el trabajo de sonido no tiene fallos, los efectos están bien cuidados y la labor de maquillaje resulta efectiva.  

Opinión final: Honey Bunch está ok. Película un tanto rara con cosas para analizar que no te deja indiferente.

Ojometro:
***

Crítica: Twisted (2026)

Película dirigida por Darren Lynn Bousman (Saw II, St. Agatha), cuyo guión fue escrito por Jonathan Bernstein y James Greer. Se estrenó en VOD el pasado 6 de febrero, aunque no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Una pareja de millennials estafan a inquilinos desprevenidos al alquilarles costosos apartamentos en Nueva York que no son de su propiedad. Un plan que funciona a la perfección hasta que se topan con el Dr. Robert Kezian (Djimon Hounsou), cuyas oscuras intenciones voltearán las cartas de manera brutal.

Comentarios generales:

Tras un inicio de carrera prometedor llevando las riendas de la franquicia de “Saw”, la verdad parecía que Darren Lynn Bousman sería uno de los directores más importantes para el género de terror con el pasar de los años; en especial porque ha demostrado una versatilidad interesante con sus proyectos. Sin embargo, también es evidente que tras esos primeros años su carrera no despegó como se esperaba y se volvió un director de películas medianas que muchas veces ni siquiera los propios fans saben de su existencia, siendo este el caso con Twisted.

Algo que incluso puede que sea lo mejor para este filme dado a que lo traído por Bousman es de esas historias a las que cuesta trabajo encontrarles un atractivo particular gracias a la manera tan poco arriesgada con la que desarrollan su idea central. La cual de inicio no luce nada mal al ponernos frente a una protagonista que en realidad no es buena persona y cuyas acciones hacen suponer que su castigo será brutal, logrando así que durante el primer acto se cuente con la paciencia del espectador a pesar de no tener momentos particularmente intensos dado a que, en teoría, lo que está por delante será potente y valdrá la pena la espera.

Un pensamiento que al entrar al segundo acto se empieza a desvanecer debido a que conforme vemos de manera más clara las intenciones del Dr. Kezian se cae en una dinámica en la que tratan de construir algo intenso para casi de inmediato diluirlo por medio de sucesos un tanto incoherentes que cortan por completo la poca tensión lograda. Obligándolos a recurrir a escenas de shock efímero que se encuentran bastante distanciadas entre si y a una forzadísima investigación policiaca que solo hacen que el ritmo se vaya volviendo lento ante la carencia de situaciones que ayuden a brindarle solidez al quiebre mental del doctor y jueguen de manera interesante con los dilemas morales que representan sus acciones.

Dejándonos así frente a una parte final en la que se incrementan las dosis de impacto visual, pero la realidad es que jamás se logra generar una tensión tan alta como para que el desenlace tenga la fuerza que requiere. Además de que la forma en la que cierran todo esto es demasiado predecible.   

En cuanto a las actuaciones tenemos a un Djimon Hounsou que hace lo necesario con un personaje que es bastante plano y a una Lauren LaVera (Paloma Joia) que va de más a menos dado a que al llegar a cierto punto de la película te empieza a desesperar con tanto grito y realmente en ningún momento le compras al 100% su papel de víctima.

Y en lo que se refiere a producción, la verdad tampoco hay muchas cosas para destacar: el trabajo de fotografía cumple, la dirección de arte es desangelada, el score no tiene mucho peso, el trabajo de sonido es limpio, los efectos están bien hechos y la labor de maquillaje es sólida.

Opinión final: Twisted es decepcionante. Película que trata de impactar sin saber realmente cómo hacerlo.

Ojometro:
**

Crítica: Scream 7 (2026)

Película dirigida por Kevin Williamson, quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a Guy Busick. Se estrenó en cines dentro de México y los Estados Unidos los pasados 26 y 27 febrero; recaudando hasta la fecha $96.7 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

Cuando un nuevo Ghostface aparece en el pueblo donde Sidney Prescott (Neve Campbell) ha construido una nueva vida, su peores miedos se vuelven realidad cuando se da cuenta que su hija es el siguiente objetivo del asesino.

Comentarios generales:

Tras dos entregas exitosas que volvieron a posicionar a Scream en el imaginario colectivo uno hubiera pensado que todo sería una luna de miel para los involucrados; sin embargo, las maneras de operar de Hollywood siempre son extrañas y lo que se suponía que sería la consolidación de la franquicia durante esta década terminó volviéndose un caos que nadie vio venir. Dejando a Scream 7 con la difícil tarea de darle continuidad a algo que perdió gran parte de su identidad moderna y que claramente sufre para recuperarla.

Ya que a lo traído por Williamson no lo catalogaría como terrible pero, tras una gran introducción, todo el tiempo percibes que se la pasa dando volantazos para que la historia se pueda re-adaptar de manera forzada a Sidney por medio de la compleja relación con su hija adolescente. Lo cual lleva a situaciones de peligro desde muy temprano que hacen que la película por algunos minutos se sienta fresca ante la rapidez con la que se establece lo arriesgados que son estos nuevos Ghostface al momento de tratar de cumplir su objetivo y con ello complicar que el espectador pueda pensar con claridad sobre quién está detrás de todo el caos.

Hasta ahí todo marcha relativamente bien, lo malo es que una vez que ocurre el primer gran ataque a Sidney las cosas se van enredando y lo que se propone con respecto a la identidad de los asesinos resulta demasiado absurdo. Además de que la manera en la que se integra a Gale Weathers, Mindy y Chad en todo esto refleja que no sabían realmente qué hacer con ellos tras lo ocurrido en “Scream VI”, simplemente quieren hacer como si dichos eventos nunca hubieran existido y eso provoca la sensación de que solo están ahí con el objetivo de tener rostros familiares ante la incapacidad mostrada para lograr que los nuevos personajes te importen.

Una situación que además termina afectando las escenas de muertes porque, si bien la manera en la que están construidas es competente y el nivel violencia que manejan resulta satisfactorio visualmente hablando, lo cierto es que el impacto emocional que tienen sus asesinatos es prácticamente inexistente.

Dejándonos así ante una parte final en la que se trata por todos los medios que el conflicto decisivo sea memorable, incluso si eso significa recaer en viejos vicios que no aportan gran cosa más allá de algunos cameos irrelevantes. Y aunque el desenlace tiene la fuerza suficiente como para no resultar aburrido, la verdad es que la revelación de las identidades es tal vez la menos coherente de toda la franquicia y solo incrementa la percepción de que mucho de lo visto no aportó nada a esta.  

En cuanto a las actuaciones tenemos a una Neve Campbell que sabe cómo sacarle el mayor jugo posible a un personaje que no da para mucho más y a una Courteney Cox cuyo rol en esta ocasión es bastante limitado. Mientras que de los nuevos rostros la única que destaca por la manera en la que está diseñada la historia es Isabel May (Tatum), quien hace un trabajo correcto como la hija de Sidney.

Y en lo que se refiere a la producción, la verdad tenemos una buena factura: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte discreta, el score es buen complemento, el trabajo de sonido no tiene fallos, los efectos son de buena calidad y la labor de maquillaje cumple.

Opinión final: Scream 7 está pasable. Película para pasar el rato que sin duda significa un retroceso para la franquicia.

Ojometro:
*** 

Crítica: Killer Whale (2026)

Película dirigida por Jo-Anne Brechin, quien comparte créditos como co-escritora del guión junto a Katharine McPhee. Se estrenó de manera limitada en cines y VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 26 de enero, aunque no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Dos mejores amigas deciden pasar unas lujosas vacaciones en Tailandia, pero durante su viaje a una laguna remota sufrirán el ataque de una orca asesina llamada Ceto.

Comentarios generales:

Salvo por “Orca” de 1977 y alguno que otro proyecto más, la verdad no existen muchas películas sobre orcas asesinas. Simplemente es un animal que por su propia imagen no genera demasiado terror a pesar de que es un depredador despiadado y por lo mismo las productoras no suelen tomar el riesgo de realizar proyectos basados en estas, siendo Killer Whale un caso aislado que al final de cuentas viene a reafirmar el porqué de dicha renuencia.

Y mucho de esto se debe a que lo traído por Jo-Anne Brechin da la impresión de que incluye a la orca más que nada porque la historia no se podía sostener con lo que tenían planeado de inicio, ya que realmente su presencia en pantalla durante la primera media hora se limita a un par de minutos y no se brinda ningún tipo de explicación sobre su agresividad. Centrándose principalmente en una amistad que utiliza todos los clichés posibles para trasladar las acciones a un lugar “exótico” con el que se pueda justificar una locación más acorde al peligro marino y al menos brindarle un poco de lógica a lo que se está viendo.

Algo que tampoco es que funcione demasiado dado a que todo lo referente a Ceto se sigue tratando de manera extremadamente superficial y eso lleva a que las cosas se vuelvan muy aburridas dado a que no pasa nada interesante durante mucho tiempo, lo cual básicamente obliga a que la parte de la laguna sea la que trate de salvar todo esto y por algunos instantes parece que puede hacerlo. Sin embargo, una vez que se da el primer ataque la intensidad disminuye rápidamente y se cae en una dinámica pesada con dos personajes que jamás le llegan a importar al espectador como para que la sensación de peligro sea decente.

Detalle que evidentemente afecta a una parte final que flaquea no solo en la generación de escenas intensas, sino también desde el lado emocional que pretende explotar. Dejándonos así con un desenlace carente de emociones y totalmente hueco.

Sobre las actuaciones tampoco hay mucho que decir dado a que las dos protagonistas solo se dedican a sobrellevar sus personajes y ninguna logra dejar una buena impresión. Mientras que en producción también se pueden notar las limitaciones: el trabajo de fotografía es pobre, la dirección de arte no tiene nada destacado, el score es genérico, el trabajo de sonido está ok, los efectos son simples y la labor de maquillaje muy discreta.

Opinión final: Killer Whale es bastante mala. Película con un animal asesino que, en realidad, es lo que menos importa.

Ojometro:
*

Crítica: Night Patrol (2026)

Película dirigida por Ryan Prows (V/H/S/94), quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a Shaye Ogbonna, Tim Cairo y Jake Gibson. Se estrenó en cines dentro de los Estados Unidos durante el mes de enero, mientras que su salida en VOD se dio el pasado 10 de febrero.

Sinopsis:

Un policía de Los Ángeles descubre que un grupo de fuerzas especiales esconde un secreto que pone en peligro a los residentes del barrio donde creció.

Comentarios generales:

Si uno ha escuchado un poco de la historia policial en Los Ángeles probablemente sabrá que siempre ha existido mucha polémica a su alrededor, pero particularmente aquella que es de índole racial es la que predomina. Por ello es que Night Patrol resultaba llamativa debido a que, a pesar de ser una película de vampiros, parecía que intentaría algo distinto y en gran parte es lo que pretende, aunque no todo lo que propone funciona de la mejor manera.

Y mucho de eso probablemente se debe al hecho de tener a tantas personas involucradas en la elaboración del guión dado a que desde temprano resulta evidente que existen demasiadas ideas que jamás logran cohesionarse de manera optima para que lo presentado por Prows tenga un camino claro y no se sienta como una historia que da saltos de un lado a otro esperando que en algún punto la identidad que busca llegue por arte de magia.

Siendo esto un problema si tomamos en cuenta que estamos frente a una película de vampiros que durante los primeros 30 o 40 minutos no los utiliza de manera predominante para enfocarse principalmente en la dinámica dentro del barrio y sus complejidades existentes ante las tensiones raciales. Lo cual no se escucha para nada mal, sin embargo, la manera en la que se nos van presentando cada subtrama es demasiado pobre y realmente un conflicto tan simple se empieza a enredar con cuestiones que siempre dejan la sensación de que se tuvieron que desarrollar a medias ante la falta de tiempo.

Algo que afortunadamente no es suficiente como para condenar por completo a la película, ya que una vez que los vampiros empiezan a tener mayor presencia en pantalla las cosas mejoran dado a que se enfoca mucho más en la acción frenética y en el salvajismo que conlleva su principal meta. Brindándole así un mayor dinamismo a la segunda mitad que además ayuda a ocultar un poco el revoltijo de ideas previamente mencionado ante el incremento de la violencia e incluso a la presencia de cierto toque serie b que logra rescatar algunas escenas gracias al humor bobo que las rodea.

Dejando con esto una parte final que nunca hace el intento por brindar claridad; de hecho, en algunas cuestiones solo vuelve más ridículas las cosas. Pero a pesar de todo esto jamás te resulta aburrido lo que estás viendo y el desenlace como tal es lo suficientemente funcional como para no dejarte indiferente.

En el tema de las actuaciones no hay mucho que destaque, siendo tal vez Justin Long (Ethan Hawkins) el único capaz de ofrecer algo interesante. Mientras que el resto del elenco termina quedándose en una posición en la que no es que sus personajes sean caricaturescos, pero la manera en la que manejan sus interpretaciones dejan esa idea.

Y en cuanto a producción, la verdad tiene algunas cosas para resaltar: el trabajo de fotografía es bueno, la dirección de arte discreta, el score no está mal, el trabajo de sonido está bien cuidado, los efectos son sólidos y la labor de maquillaje cumple.

Opinión final: Night Patrol está ok. Película desechable para ver un día en el que no tengan nada más que hacer.

Ojometro:
***

Crítica: Death Name (2026)

Película dirigida por Réi y escrita por Regina Kim. Se estrenó directamente en Tubi dentro de los Estados Unidos el pasado 9 de enero, aunque no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Sophie Park (Amy Keum) es una joven coreano-estadounidense que anhela poder conocer un poco más de su herencia coreana, aunque no sabe que conforme más investiga el pasado una maldición familiar mortal despertará para atormentarla.

Comentarios generales:

Corea del Sur se encuentra en boca del mundo entero desde hace un tiempo y sin duda su industria del entretenimiento ha tenido mucho que ver al respecto debido a que se ha encargado de posicionar parte de su cultura en el imaginario colectivo de una manera que nadie se hubiera imaginado hace diez años atrás. Es algo que llama la atención y no es de extrañar que productoras de otros países traten de aprovecharse del “boom coreano”, aunque Death Name no es precisamente el mejor ejemplo de eso.

Ya que lo traído por Réi lo utiliza de manera muy superficial para trata de añadir cierto misterio alrededor del nombre de Sophie, pero la realidad es que quitando ese detalle la historia resulta demasiado genérica y en todo momento se siente que esta podría haberse contado perfectamente sin este. Sobre todo porque el primer acto se limita a cuestiones poco interesantes sobre la adaptación de nuestra protagonista a su nueva vida universitaria o al conflicto que le genera no saber más sobre su lado coreano, haciendo con esto que la construcción del suspenso se limite más que nada a sueños y a breves escenas con jump scares predecibles.

Ante esto realmente las cosas se vuelven aburridas de manera rápida y todo empeora cuando introducen a un personaje en específico que básicamente termina con el misterio que se está tratando de desarrollar. Provocando así que la película caiga en un ritmo pesado del que jamás se logra recuperar dada la incapacidad que existe para al menos proponer una resistencia mejor pensada por parte de Sophie, quien empieza a verse involucrada en situaciones que se vuelven demasiado repetitivas y solo hacen que el tema de la maldición se vaya solucionando por medio de casualidades que no aportan nada de sustancia a la trama.

Lo cual evidentemente provoca que durante la parte final se intente corregir sin grandes resultados mucho de lo que no lograron establecer de manera sólida en todo el previo. Aunque por lo menos se tiene mayor intensidad durante un cierre que trata de no ser tan predecible.

En el tema de las actuaciones no hay mucho que decir, la mayoría son pobres y Amy Keum como la protagonista jamás te logra involucrar de lleno con el riesgo que vive su personaje. Mientras que en producción se nota que es de un presupuesto discreto: el trabajo de fotografía es cumplidor, la dirección de arte no resalta, el score es genérico, el trabajo de sonido no tiene fallos, los efectos son muy simples y la labor de maquillaje ínfima.

Opinión final: Death Name es mediocre. Típica película del montón de Tubi que olvidarán en un par de días.

Ojometro:
**

Crítica: Whistle (2026)

Película dirigida por Corin Hardy (The Hallow, The Nun) y escrita por Owen Egerton. Se estrenó en cines dentro de México y los Estados Unidos los pasados 5 y 6 de febrero; recaudando hasta la fecha $1.3 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

Un grupo de estudiantes de preparatoria se topa con un objeto maldito: un antiguo silbato azteca de la muerte. El cual al tocarlo emite un aterrador sonido que invocará a sus futuras muertes para que empiecen a cazarlos. 

Comentarios generales:

Es innegable que las películas de terror enfocadas en grupos de adolescentes son el pan de cada día y eso ha hecho que sea complicado el poder encontrar mucha originalidad entre estas debido a que casi siempre se centran en las mismas temáticas o subgéneros. Sin embargo, esto nunca ha sido impedimento para tener propuestas que valgan la pena y logren su objetivo de entretener, siendo este el caso con Whistle.

Una historia que tiene claras influencias de “Final Destination” y con las que Hardy, en lugar de tratar de negarlas, las adopta para ofrecer algo que en todo momento se siente familiar pero con su toque distintivo gracias al silbato y también a los problemas existenciales adolescentes presentados. Lo cual puede que durante el primer acto ocasione cierto tedio porque se sigue cada paso esperado en la adaptación de Chrys a su nuevo hogar, aunque durante este periodo también se logra establecer un tono oscuro que encaja a la perfección con todo lo que provoca utilizar el objeto maldito y así construir determinados momentos que proporcionan una buena dosis de suspenso.

Algo que en general logran mantener durante el resto de la película y con ello el asecho de la muerte se vuelve cada vez más inquietante, incluso si la manera en la que se desarrollan las acciones se siente un tanto acelerada gran parte del tiempo. Ya que en realidad la profundización sobre todo lo que rodea al silbato no es algo a lo que se le dediquen mucho minutos y por lo mismo se vuelve complicado el poder elaborar situaciones que te hagan sentir empatía hacia los adolescentes, ocasionando con esto que sus muertes sean visualmente llamativas, pero sin una carga emocional tan grande que haga de esto algo más desgarrador.

Dejando así una parte final que apuesta por elevar el nivel de sangre en pantalla y, sobre todo, por plantear ciertos dilemas morales en lo respecta a la forma de lidiar con la amenaza. Siendo esto lo que le añade cosas positivas a un desenlace intenso que se enreda un poco al momento de resolver el problema, aunque termina resultando convincente.

En el tema de las actuaciones tenemos a una Dafne Keen (Chrys) que por momentos puede ser desesperante con un personaje que mantiene todo el tiempo la misma expresión y que carece de emocionalidad por grandes lapsos de la película. Mientras que el resto del elenco logra ser un buen complemento y ayudan a que ese detalle en particular no resulte tan perjudicial.

Y en cuanto a producción, nos encontramos con una factura cuidada: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte discreta, el score es agradable, el trabajo de sonido es espectacular, los efectos son de buena calidad y la labor de maquillaje cumple.

Opinión final: Whistle está entretenida. Película para pasar un buen rato viendo sufrimiento adolescente.

Ojometro:
***

Crítica: Vampire Zombies... From Space! (2026)

Película dirigida por Michael Stasko, quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a Jakob Skrzypa y Alex Forman. Se estrenó en VOD y formato físico dentro de los Estados Unidos el pasado 20 de enero.

Sinopsis:

Desde las profundidades del espacio, Drácula (Craig Gloster) ha desarrollado su plan más atroz hasta la fecha: convertir a todos los residentes del pequeño pueblo de Marlow en vampiros zombies!

Comentarios generales:

Solo basta con leer el titulo para saber la clase de película que será Vampire Zombies... From Space! y con ello establecer las expectativas adecuadas considerando que se trata de un homenaje a ese cine serie b de los 50s que tiene un encanto tan particular. Siendo esto último lo que precisamente la condicionaba debido a que no todo mundo suele digerir de buena forma lo que rodea a esa clase de producciones, aunque en esta ocasión creo que se ha conseguido hacer un producto agradable.

Ya que se nota que Stasko tenía muy bien estudiado el tipo de películas que quería imitar y desde el inicio sabe cómo establecer lo absurdo de esta historia sin tener que darle demasiadas vueltas a las motivaciones de Drácula para mantener la simplicidad y dejar que el espectador pueda ponerle la atención debida a los aspectos visuales o técnicos que son fundamentales al momento de capturar la esencia serie b. Algo que complementa con un extenso grupo de personajes totalmente caricaturizados con los que se se dan algunas situaciones cuyo grado de efectividad es variada para que la primera media hora de la película fluya de una manera un tanto extraña ante el hecho de que ocurre mucho en pantalla sin tener una estructura tan clara.

Siempre bajo un humor que no todo el tiempo funciona, pero que sirve para brindarle un tono ligero a las cosas y con ello ridiculizar lo más que se pueda la invasión por parte de los vampiros zombies. Llevando así a un segundo acto en el que cada escena empieza a ser más absurda que la anterior, sobre todo aquellas que involucran algún tipo de riesgo para los humanos y que van construyendo un conflicto dentro del pueblo en el que de a poco se empiezan a introducir de manera predominante elementos que aportan un nivel de violencia ligeramente más elevado.

Dejándonos con una parte final en la que Drácula vuelve a tomar protagonismo y se sustenta en el caos para que el enfrentamiento decisivo deje algunos momentos bastante graciosos, así como otros que sienten un tanto forzados. Aunque definitivamente es la manera tan sui generis en la que se resuelven las cosas la que termina haciendo que el desenlace no sea uno genérico y por lo mismo deje sensaciones positivas.

En cuanto a las actuaciones todas se encuentran bajo el tono adecuado y cumplen con su propósito principal, incluso si por algunos lapsos el tipo de humor que tiene que manejar no es el más efectivo. Mientras que en producción es lo que necesita ser: el trabajo de fotografía es bueno, la dirección de arte cumple, el score no es nada del otro mundo, el trabajo de sonido es limpio, los efectos son totalmente arcaicos a propósito y la labor de maquillaje cumple.

Opinión final: Vampire Zombies... From Space! está entretenida. Comedia con premisa sumamente absurda que logra su principal propósito.

Ojometro:
***

Crítica: Cold Storage (2026)

Película dirigida por Johny Campbell, cuyo guión fue escrito por David Koepp. Se estrenó en cines dentro de México el pasado 29 de enero; recaudando hasta la fecha $24,074 dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

Cuando un altamente peligroso hongo escapa de un laboratorio secreto, el ex agente de bioterrorismo Robert Quinn (Liam Neeson) regresa a la acción para tratar de controlarlo con la ayuda de dos jóvenes empleados cuyo turno nocturno nunca olvidarán.  

Comentarios generales:

La primera vez que escuché sobre Cold Storage fue en 2022 cuando estaba siendo ofrecida en el Marché du Film del Festival de Cannes y debido a su elenco, así como el hecho de que StudioCanal era el estudio de estaba detrás, me generó mucha curiosidad. Sin embargo, con el pasar del tiempo fue quedando en el olvido y no se supo nada sobre la película hasta hace poco que salió su trailer, dejándola en una posición de total irrelevancia que ciertamente no se merecía.

Ya que lo traído por Campbell es una comedia de zombies entretenida que no pretende descubrir el hilo negro dentro de un subgénero muy explotado y mejor se dedica a aprovechar sus bondades para contarnos una historia que de inicio parece que se irá por un evento totalmente apocalíptico, pero que rápidamente se ve reducido a algo más especifico. Lo cual termina beneficiándole debido a que esto permite que el humor se pueda centrar casi en su totalidad en una pareja protagonista cuyos problemas laborales van convirtiéndose en algo mucho mayor y resultan fundamentales en el crecimiento exponencial de una amenaza muy peculiar.

Algo que de inicio hace que la película tenga un ritmo un tanto lento dado a que no ocurren muchas cosas llamativas, aunque una vez que el hongo empieza a hacer de las suyas la dinámica se vuelve ágil y el toque excéntrico que conlleva la infección brinda unas escenas bastante peculiares que ayudan a establecer de manera sólida el nivel de peligro que representa. Dándole así mayor relevancia al personaje de Robert Quinn, quien hasta este punto había quedado en un rol medio secundario y que poco a poco logra generar un buen balance entre lo cómico y lo “serio” para que situaciones un tanto absurdas encajen perfectamente rumbo a lo que será la parte final.

Una que se sustenta en la acción y por lo mismo hay mucho caos que aporta ciertos elementos visuales de buen impacto. Además de que el desenlace como tal no se complica en lo absoluto, es directo, exagerado y con la espectacularidad suficiente como para darle un cierre definitivo a las cosas.

De las actuaciones hay que decir que son Georgina Campbell (Naomi) y Joe Keery (Travis) quienes cargan con el peso de la película y la verdad logran una buena química en pantalla que hace que el toque cómico funcione sin ser tan exagerado. Mientras que Liam Neeson los complementa de buena manera en un rol más secundario que explota el tipo de personajes que lleva interpretando desde hace bastante tiempo. 

Y en cuanto a producción, la verdad se nota una factura sólida: el trabajo de fotografía cumple, la dirección de arte está bien cuidada, el score no es nada del otro mundo, el trabajo de sonido es limpio, los efectos están bien hechos y la labor de maquillaje es de buena calidad.

Opinión final: Cold Storage me gustó. Película simple y sin muchas pretensiones con la que se puede pasar un buen rato. 

Ojometro:
**** 

Crítica: Doctor Plague (2026)

Película dirigida por Ben Fortune y escrita por Robert Dunn. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 12 de enero, aunque no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

El detective John Verney (Martin Kemp) se encuentra tras la pista de un asesino serial que está causando estragos en el este de Londres al replicar los asesinatos de Jack el Destripador en 1888 y de los antiguos médicos de la peste.

Comentarios generales:

Uno ya sabe qué esperar con las producciones de bajo presupuesto del cine de terror inglés y por eso suelo tener las expectativas más bajas posibles para no terminar arrancándome los ojos durante el visionado. Siendo esta una estrategia que normalmente da buenos resultados dado a que así la decepción no es tan grande; sin embargo, esto no quiere decir que vuelva más tolerables los terribles minutos que te hacen pasar y ese es el caso con Doctor Plague.

Y es que lo traído por Fortune no es que no sepa lo que quiere contar, sino que simplemente no sabe cómo hacerlo al jamás abrazar por completo su lado slasher y tampoco explotar el lado detectivesco de la historia para que el misterio detrás del asesino al menos resulte intrigante. Teniendo como consecuencia una película que desde muy temprano se siente sin rumbo por la pobre exposición de su mayor atractivo (el asesino), quien realmente tiene poco peso en lo que ocurre mientras todo se enfoca en un protagonista sin carisma cuyos problemas laborales y familiares van convirtiendo las acciones en un carrusel de aburrimiento brutal del que jamás pueden salir.

Situación que lleva a que durante la segunda mitad del filme el ritmo sea pesado y además no se tenga claridad alguna sobre las motivaciones detrás de los asesinatos, lo cual provoca que la labor del detective no tenga mucho sentido. Obligando a repetir lo mismo en varias ocasiones para poder perder tiempo hasta que ocurran un par de situaciones significativas que, en teoría, deberían de añadir tensión a los sucesos y esclarecer el misterio, pero nada de lo presentado funciona de manera efectiva para poder lograr eso; de hecho, la revelación principal resulta tan forzada que básicamente vuelve imposible el poder tomar en serio lo que resta por ver.

Dejando así una parte final en la que se trata de unir todo de la manera más coherente posible para construir un encuentro que contenga algo de emocionalidad. Y aunque se aplaude que por lo menos se atreven a no irse por el camino convencional, lo cierto es que para este punto ya nada importa y el shock del cierre no representa ninguna clase de mejora que salve el desastre.

Las actuaciones son realmente malas con un Martin Kemp que no tiene ningún tipo de carisma como el detective protagonista y un grupo de secundarios que compite para ver quien lo hace peor. Mientras que en producción tampoco hay muchas cosas para destacar: el trabajo de fotografía es pobre, la dirección de arte no destaca, el score es genérico, el trabajo de sonido es bastante malo, los efectos están pasables y la labor de maquillaje es ínfima.  

Opinión final: Doctor Plague es terrible. De esas películas de las que uno se debe de mantener totalmente alejado.

Ojometro:
*

Crítica: Return to Silent Hill (2026)

Película dirigida por Christophe Gans (Silent Hill), quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a William Josef Schneider y Sandra Vo-Anh. Se estrenó en cines dentro de México y Estados Unidos los pasados 22 y 23 de enero; recaudando hasta la fecha $3.8 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

Tras recibir una misteriosa carta de su antiguo amor, James Sunderland (Jeremy Irvine) entra en Silent Hill. Un otrora pueblo pacífico y familiar que ahora se encuentra consumido por la oscuridad.

Comentarios generales:

Silent Hill 2 es uno de esos videojuegos con un estatus legendario, así que evidentemente cualquier adaptación en cine representaba una labor titánica para cualquiera gracias al escrutinio que recibiría por parte de los fans. Por ello es que la elección de un director que ya conocía la franquicia parecía la más acertada y la verdad es que lo que se iba viendo de Return to Silent Hill durante su periodo promocional no lucía nada mal; sin embargo, el resultado final ha sido por demás decepcionante.

Ya que lo traído por Gans es una adaptación que indudablemente mantiene intacto el núcleo de la historia del videojuego, pero sus dudas por apegarse lo más posible a este o hacer cambios para no ser una simple calca terminan generando un caos que poco a poco va afectando el visionado.

Lo cual durante los primeros 20/25 minutos no es tan notable debido a que ese apego al material original es agradable para el fan y los flashbacks utilizados para exponer la relación de James con Mary solo proporcionan la información necesaria en cuestiones fundamentales que no interfieren con la exposición de las rarezas del pueblo. Resultando esto en un show visual que sabe explotar todo lo referente al diseño de producción y de los propios monstruos para generar escenas entretenidas que reflejan perfectamente el peligro tan grande que existe dentro de Silent Hill.

El problema es que una vez pasada la novedad inicial las cosas empiezan a enredarse demasiado y con ello los cambios, así como el uso constante de los flashbacks, se vuelven frustrantes debido a que no dejan que la historia se desarrolle de manera fluida durante más de la mitad de la película. Provocando que lo ocurrido en pantalla sea cada vez menos interesante ante la falta de profundización en cuestiones fundamentales como el duelo o la culpa de James por lo ocurrido con Mary, así como el poco tiempo que se les brinda a otros personajes relevantes para que ayuden a solidificar todo el misterio que existe detrás de los sucesos.

Dejando así una parte final en la que tratan de integrar muchas cosas de manera forzada para darle sentido a todo lo expuesto previamente, aunque la realidad es que nada de esto funciona y lo que debería ser un desenlace con bastante peso emocional queda como uno random que solo replica por mera conveniencia uno de los tantos finales del videojuego.

En cuanto a las actuaciones la verdad es que James Sunderland hace lo que puede y no creo que sea de los males que invaden a la película. Mientras que Hannah Emily Anderson (Mary, Maria, Angela), a pesar de que interpreta a múltiples personajes, no deja nada memorable con ninguno de estos y se termina quedando más como una simple curiosidad.

Y en lo que se refiere a la producción, sin duda es donde vemos las mayores fortalezas del filme: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte impecable, el score es genial, el trabajo de sonido no tiene fallos, los efectos son de buena calidad y la labor de maquillaje es de primer nivel.

Opinión final: Return to Silent Hill es mediocre. Película que trata de satisfacer a los fans y no fans del videojuego sin los mejores resultados.  

Ojometro:
**

Crítica: Sleepwalker (2026)

Película escrita y dirigida por Brandon Auman. Se estrenó de manera limitada en cines y VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 9 de enero, aunque no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Sarah (Hayden Panettiere) es una madre afligida por la muerte de su hija en un accidente automovilístico que dejó a su abusivo esposo en coma. Aunque las cosas empeoran cuando se ve plagada de sueños inquietantes que la hacen transitar la difusa línea entre la realidad y las pesadillas.

Comentarios generales:

Existen películas que apuestan absolutamente todo por un rostro conocido para poder hacerse realidad y lograr que alguien se atreva a distribuirlas, lo cual sin duda conlleva ciertos riesgos, pero en muchos casos es la única opción que se tiene. Siendo este un propósito que Sleepwalker logró solventar con la presencia de Hayden Panettiere como su protagonista y que probablemente sea la única razón por la que uno sabe de su existencia.

Ya que lo traído por Auman es demasiado genérico y carece totalmente de personalidad como para provocar un gran interés en el espectador más allá de los primeros 15 minutos, esperando a que una gran cantidad de clichés e ideas desarrolladas a medias de algún modo logren sostener una historia a la que no la sobra profundidad y desgasta demasiado rápido el tema del sonambulismo de Sarah. Lo cual lleva a que al menos durante la primera mitad se quiera exprimir lo más que se pueda el drama familiar y con ello se tenga un ritmo cansino que afecta de manera importante lo que se pretende contar dado a que la sensación general es que no existe ningún tipo de avance en las acciones.

Algo que empeora con el transcurrir de los minutos debido a que los sueños de Sarah son prácticamente iguales salvo por algunas ligeras variaciones y eso, en lugar de ir generando suspenso, solo hace que lo que ocurre sea cada vez más predecible. Situación que quieren disimular un poco al ir integrando de manera más marcada los elementos sobrenaturales que se supone están detrás de todo esto, pero que en realidad nunca se sienten como algo orgánico dentro de la historia y terminan siendo solo recursos inefectivos con los que se originan muertes demasiado ridículas e irrelevantes.

Además todo lo anterior ni siquiera sirve para potenciar los estragos por parte de Sarah al momento de diferenciar los sueños de la realidad y por lo consiguiente la parte final resulta demasiado blanda ante la carencia de tensión. Apostando por un desenlace que puede ser sorpresivo si no pusiste atención a todo lo previamente contado, aunque si ese no es el caso te terminará siendo totalmente irrelevante.

En cuanto a las actuaciones realmente todo gira alrededor de Hayden Panettiere y su interpretación dista mucho de ser de las mejores que le hemos visto. Mientras que en producción se nota que tampoco hubo mucho presupuesto: el trabajo de fotografía cumple, la dirección de arte es desangelada, el score repetitivo, el trabajo de sonido no presenta fallos, los efectos son bastante simples y la labor de maquillaje discreta.

Opinión final: Sleepwalker es decepcionante. Película aburrida y genérica que mientras más rápido la olvides será mucho mejor. 

Ojometro:
**

Crítica: 28 Years Later: The Bone Temple (2026)

Secuela dirigida por Nia DaCosta (Candyman), cuyo guión fue escrito por Alex Garland. Se estrenó en cines dentro de México y los Estados Unidos los pasados 15 y 16 de enero; recaudando hasta la fecha $31.2 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

Tras ser incorporado contra su voluntad al culto de Jimmy Crystal (Jack O'Connell), Spike tendrá que iniciar una travesía que lo hará cruzarse nuevamente con el Dr. Kelson (Ralph Fiennes). Quien ha hecho un descubrimiento que podría cambiar al mundo entero.  

Comentarios generales:

“28 Years Later” resultó ser más divisiva de lo que uno hubiera imaginado y en gran parte se debió a que tuvo un enfoque muy diferente al que muchos esperaban o, en ciertos casos, por el peculiar final que presentaba. Algo que no ponía en riesgo el futuro de la trilogía dado a que era muy claro cuál era el camino elegido para llevar las cosas, pero si le añadía un poco de presión a “28 Years Later: The Bone Temple” en su búsqueda por satisfacer a los fans que no quedaron tan conformes el año pasado y creo que en términos generales tiene todo para lograr dicho objetivo.

Y es que lo traído por Nia DaCosta es más salvaje a pesar de que mantiene la misma línea de no convertir esto en un show con hordas de zombies sin control que dominen la narrativa, enfocándose en el culto de Jimmy Crystal y también en el Dr. Kelson para generar una diferenciación importante con respecto a la película anterior. Lo cual inmediatamente pone los ojos del espectador en las dos principales interrogantes que habían quedado pendientes y las utiliza de manera inteligente para profundizar sobre cómo el terror dentro de este territorio tan hostil no solo recae en los propios infectados.

Siendo todo lo relacionado con el culto la vía para proporcionar situaciones de impacto y cuya presencia dominante durante la primera mitad hace que siempre exista un nivel de tensión elevado ante lo impredecible que resultan las acciones de Jimmy Crystal al utilizar el satanismo como el medio para justificar todas sus atrocidades mientras se genera un contraste con las acciones más “humanas” del Dr. Kelson. Quien por medio de una relación muy peculiar logra brindar escenas ligeras en las que el factor de riesgo también está latente, pero que poco a poco llevan a algo mucho más trascendental en la forma de entender el comportamiento de los infectados y por lo mismo expande el abanico de posibilidades para la franquicia en el futuro sin caer en excesos que puedan afectar el ritmo tan estable que se maneja. 

Poniéndonos así frente a una parte final que significa el choque de ideologías entre ambos personajes y gracias a eso se nos brinda una de las escenas más memorables del año que también juega con el tema satánico. Dejando un desenlace bastante espectacular a nivel visual que puede llegar a ser un tanto depresivo y presenta lo que seguramente será el punto central de la tercera entrega.

Sobre las actuaciones tenemos un elenco que hace un trabajo bastante bueno al momento de exponer a un conjunto de personajes que en esta ocasión, salvo por contadas excepciones, manejan un concepto mucho más extravagante y cruel. Siendo Jack O'Connell y el propio Ralph Fiennes quienes destacan al ser quienes reflejan esa extravagancia de forma más marcada desde diferentes perspectivas al momento de lidiar con el mundo en el que viven.

Y en cuanto a producción, una vez, tenemos una tremenda factura: el trabajo de fotografía es muy bueno, la dirección de arte impecable, el score es genial, el trabajo de sonido espectacular, los efectos son de buena calidad y la labor de maquillaje sigue siendo sólida. 

Opinión final: 28 Years Later: The Bone Temple me gustó bastante. Secuela salvaje que deja la mesa puesta para la entrega final.

Ojometro:
*****

Crítica: Chain Reactions (2025)

Documental escrito y dirigido por Alexandre O. Philippe. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 21 de octubre, aunque no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

El impacto de The Texas Chain Saw Massacre contado por medio de entrevistas con cinco diferentes artistas  (Patton Oswalt, Takashi Miike, Alexandra Heller-Nicholas, Stephen King, Karyn Kusama), quienes exploran como el filme moldeó su arte por medio de traumas de la infancia.

Comentarios generales:

Todo mundo sabe cuales son las películas de terror que suelen ser consideradas como influyentes a una escala mayor y sin duda “The Texas Chain Saw Massacre” es una de esas, aunque por lo regular suele quedar un poco relegada frente a otras producciones al tratarse de un slasher. Sin embargo, si a uno le gusta investigar sobre el género sabrá que es una película a la que se le tiene una alta estima por varias razones en distintos círculos y la verdad es agradable tener un documental centrado estrictamente en eso.

Lo cual puede que no sea tan llamativo para quienes busquen material nunca antes visto o la historia detrás de la filmación, pero la realidad es que Alexandre O. Philippe hace un buen trabajo con cada entrevistado para que sus experiencias resulten lo suficientemente variadas y con ello evitar que se caiga en lo monótono. Sobre todo porque se enfoca mucho en las distintas interpretaciones que cada uno de ellos tiene sobre la película y gracias a eso el espectador puede identificarse con alguno de estos o, al contrario, pensar que es demasiado rebuscado lo que pretenden explicar sobre algo que en teoría es una historia relativamente simple.

Y es que desde paralelismos con “Nosferatu” hasta presagios de la decadencia de los Estados Unidos se pueden ver tratados aquí bajo un ritmo que fluye de manera agradable y un respeto de los tiempos bastante adecuado para poder profundizar cada visión de manera equitativa sin tener que recurrir a demasiado material extra adicional. Aunque también es cierto que los segmentos de Stephen King o de Takashi Mike pueden llegar a ser los que más llamen la atención debido a que se trata de dos figuras predominantes vinculadas con el terror y gracias a eso resulta más interesante ver la influencia de TCM en sus respectivas carreras.

Por último. En cuanto al tema de producción nos encontramos con un documental relativamente básico, pero bien cuidado: la edición es sólida, el trabajo de sonido es limpio y el score logra complementar de manera sutil las partes que así lo necesitan. 

Opinión final: Chain Reactions me gustó. Documental sobrio para conocer la influencia de un innegable clásico.

Ojometro:
****

Crítica: Primate (2026)

Película dirigida por Johannes Roberts (Resident Evil: Welcome to Racoon City), quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a Ernest Riera. Se estrenó en cines dentro de México y los Estados Unidos los pasados 8 y 9 de enero; recaudando hasta la fecha $13.4 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

Las vacaciones tropicales de un grupo de amigas se convierten en una aterradora historia de supervivencia cuando el chimpancé mascota de una de ellas se vuelve una bestia violenta sedienta de sangre.

Comentarios generales:

El cine de terror está infestado de películas con animales asesinos, pero cuando uno se pone a buscar aquellas centradas en primates realmente son contadas las opciones y la mayoría se remontan a las décadas de los 80s o 90s (Link, Shakma, Monkey Shines). Una situación que hasta cierto punto le terminó beneficiando a Primate debido a que esto le brindó un toque de novedad que otros trabajos de este tipo no tienen y que afortunadamente no ha desperdiciado.

Y es que si bien lo traído por Johannes Roberts no es la película más profunda que te vas a encontrar allá afuera, lo cierto es que explota a la perfección su punto de interés principal y se encarga de que esto sea lo que dicte el cómo se va a desarrollar una historia tan sencilla. La cual en un inicio pareciera que se va a centrar en un drama juvenil que no es de gran interés, pero que rápidamente lo desechan ante el cambio de personalidad de Ben y la violencia que trae esto de golpe para comenzar un viaje que no se impone ninguna clase de limitante cuando pretende generar impacto.

Haciendo con esto que el segundo acto sea uno relativamente simple en lo que respecta a las situaciones de peligro para los personajes, aunque el hecho de que el chimpancé sea genuinamente aterrador y tenga tanta ventaja física hace que cada momento cuente con la tensión necesaria para mantener intacta la atención del espectador. Poniéndonos frente algunas muertes bastante gráficas y decisiones algo tontas que poco a poco hacen que la dinámica se vaya volviendo más ágil al utilizar de mejor manera el espacio en el que se desarrollan las acciones; en especial cuando es tiempo de ir construyendo lo que será un enfrentamiento decisivo que de algún modo tienen que equilibrar.

Dejando así una parte final en la que claramente existen ciertas conveniencias con el guión que terminan ayudando a que esta tenga un nivel de intensidad alto y con ello se pueda presentar un mayor caos en pantalla. Donde tal vez la violencia no sea tan extrema como en los minutos previos, pero que logra ofrecer una conclusión seca y sin sentimentalismos que funciona de manera eficiente.

En cuanto a las actuaciones creo que el elenco en general está bien, todos cumplen con su rol de manera correcta a pesar de que la mayoría solo está ahí para morir cruelmente. Mientras que en cuanto a la producción vemos una buena factura: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte está bien cuidada, el score es buen complemento, el trabajo de sonido impecable, los efectos son de buena calidad y la labor de maquillaje resulta efectiva.

Opinión final: Primate me gustó. Película simple para pasar un buen rato viendo a un chimpancé increíblemente violento. 

Ojometro:
****

Stranger Things: Quinta temporada

El pasado 31 de diciembre llegó a su final Stranger Things, una de las series de terror/sci-fi más relevantes de todos los tiempos. Un fenómeno mundial cuya magnitud básicamente convertía a esta quinta temporada en uno de los proyectos más complejos dentro de la TV debido a que era imposible que se pudiera satisfacer a todo mundo y aunque los hermanos Duffer hicieron el intento para brindar un cierre competente, la verdad es que esta fue una temporada que dejó sensaciones agridulces.

En el tema de audiencia se sabe que la temporada final rompió varios records para Netflix, incluyendo un debut con 59.6 millones de televidentes (el mejor para una serie en inglés). Además de que la exhibición limitada en cines del episodio final generó alrededor de 25 millones de dólares en taquilla dentro de los Estados Unidos y Canadá.

Aquí me centraré en lo positivo y negativo de la temporada, ya que de lo contrario me extendería demasiado. Así que, si aún no la han visto o no la han visto completa, ES MOMENTO QUE DEJEN DE LEER PORQUE HABRÁ SPOILERS IMPORTANTES.

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LO POSITIVO

Derek

Nunca es sencillo introducir personajes en series con elencos tan bien establecidos y mucho menos hacerlo durante la temporada final dado a que el tiempo en pantalla no permite desarrollarlos de manera sólida; sin embargo, Stranger Things todavía se pudo dar el lujo de regalarnos un último personaje entrañable en Derek.

No solo por su personalidad tan peculiar, sino porque genuinamente era la única vía para añadir un poco de humor dentro de un suceso cuyo tono era predominantemente oscuro.

Will Byers finalmente es relevante

A pesar de que la primera temporada gira alrededor de su desaparición, la verdad es que el personaje de Will siempre se sintió un tanto ajeno y su rol dentro de la historia se quedaba en un segundo plano ante los demás personajes. Por ello es que fue gratificante ver que POR FIN le dieron su importancia y no se quedó solo como el chico del peinado ridículo.

Epílogo

Era complicado que el episodio final de Stranger Things dejara satisfechos a todos y ciertamente ha sido objeto de un acalorado debate entre los fans gracias a las libertades que se tomaron los hermanos Duffer al momento de concluir su historia. Aunque a mi juicio es el epílogo lo que termina haciendo que el final de la serie sea uno sólido, a pesar de que claramente deja cosas en el aire que no les costaba nada clarificar.

Siendo la escena en el techo y la escena con los chicos jugando D&D las que añaden un grado de emotividad muy elevado dado a que son situaciones con las que una gran mayoría de nosotros se puede identificar por lo que significa dejar a los amigos de la infancia atrás.

Episodios imperdibles:

(2) Chapter Two: The Vanishing of Holly Wheeler
(3) Chapter Three: The Turnbow Trap
(4) Chapter Four: Sorcerer
(8) Chapter Eight: The Rightside Up

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LO NEGATIVO

Demasiadas preguntas sin respuesta 

Dejar ciertas cosas abiertas a la interpretación no está mal y por ello lo ocurrido con Eleven no me pareció malo, pero lo que sí es bastante frustrante es la cantidad de preguntas sin responder que los hermanos Duffer dejaron en el aire y que gracias a sus posteriores declaraciones queda claro que jamás tuvieron muchas intenciones de aclararlas.

Vecna y los niños

Para tratarse de un elemento vital en la trama, la verdad es que el secuestro de los niños por parte de Vecna jamás se sintió como algo tan trascendental y conforme avanzaban los episodios era claro que su desarrollo no era lo más estable. Dejando a la idea como una que solo sirvió para alargar el conflicto final y generar odiosas comparaciones con otra serie de terror.

La irrelevancia de la Dra. Kay 

Traer a Linda Hamilton parecía una de las mejores decisiones de esta temporada; sin embargo, el personaje de la doctora Kay terminó siendo demasiado intrascendente la mayoría del tiempo. Al grado de que literalmente desaparece sin mayor explicación durante el epílogo.

Max

Desde su debut se fue estableciendo al personaje de Max como uno de los más importantes de la serie y tras lo ocurrido en la cuarta temporada uno esperaba que su rol fuera bastante relevante durante la conclusión. Algo que lamentablemente no sucedió al volverla la niñera de Holly y posteriormente al tenerla en silla de ruedas para dejarla fuera de la batalla final.

 Pocas muertes

Por las propias palabras de los creadores se sabía que el número de muertes sería limitado, aunque eso no evita sentir decepción ante el hecho de que la única significativa dentro de un suceso tan grande fue la de Kali, cuya presencia se sintió demasiado forzada en todo momento.  

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Opinión final: La quinta temporada de Stranger Things honestamente me pareció decepcionante. El final en términos generales no me desagradó, pero el camino para llegar a este no fue el más convincente al dejar pocos momentos memorables, muchas preguntas sin respuesta y desviarse demasiado de las bases que hicieron de la serie todo un fenómeno mundial.

Películas 2026

Aquí dejo el calendario con las películas que se conoce saldrán en 2026 y sus fechas tentativas de estreno durante este año dentro de los Estados Unidos, país de origen o del país en donde se distribuirá primero.

Es importante señalar que no todas las películas están 100% confirmadas, además de que siempre puede haber retrasos; mientras que en ciertos casos solo se ha revelado que saldrán este mismo año, pero no la fecha exacta.

* Recuerden que este calendario se estará actualizando de manera constante durante prácticamente todo el año cuando se den a conocer trailers o fechas de estreno.

ENERO

We Bury the Dead
Fecha de estreno: 2 de enero
Formato: En cines
Trailer

Sleepwalker
Fecha de estreno: 9 de enero
Formato: Limitado en cines y VOD
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Primate
Fecha de estreno: 9 de enero
Formato: En cines
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Night Patrol
Fecha de estreno: 16 de enero
Formato: En cines
Trailer

28 Years Later: The Bone Temple
Fecha de estreno: 16 de enero
Formato: En cines
Trailer

The Confession
Fecha de estreno: 16 de enero
Formato: Formato digital
Trailer

Vampire Zombies… from Space!
Fecha de estreno: 20 de enero
Formato: DVD y Blu-ray
Trailer

House Sitter
Fecha de estreno: 20 de enero
Formato: Formato digital
Trailer

Return to Silent Hill
Fecha de estreno: 23 de enero
Formato: En cines
Trailer

Mother of Flies
Fecha de estreno: 23 de enero
Formato: En cines
Trailer

Dooba Dooba
Fecha de estreno: 23 de enero
Formato: Sin confirmar
Trailer

The Containment
Fecha de estreno: 23 de enero
Formato: En cines
Trailer

Send Help
Fecha de estreno: 30 de enero
Formato: En cines
Trailer

Doctor Plague
Fecha de estreno: Sin confirmar
Formato: Digital
Trailer

 

FEBRERO

The Strangers: Chapter 3
Fecha de estreno: 6 de febrero
Formato: En cines
Trailer

Whistle
Fecha de estreno: 6 de febrero
Formato: En cines
Trailer

The Teacher's Pet
Fecha de estreno: 6 de febrero
Formato: Digital
Trailer

Cold Storage
Fecha de estreno: 13 de febrero
Formato: En cines
Trailer

Sweetness
Fecha de estreno: 13 de febrero
Formato: Digital
Trailer

The Observance
Fecha de estreno: 13 de febrero
Formato: Limitado en cines
Trailer

Honey Bunch
Fecha de estreno: 13 de febrero
Formato: VOD
Trailer

The Mortuary Assistant
Fecha de estreno: 13 de febrero
Formato: En cines
Trailer

Ghost Train
Fecha de estreno: 17 de febrero
Formato: Digital
Trailer

Psycho Killer
Fecha de estreno: 20 de febrero
Formato: En cines
Trailer

This is Not a Test
Fecha de estreno: 20 de febrero
Formato: En cines
Trailer

Redux Redux
Fecha de estreno: 20 de febrero
Formato: Limitado en cines
Trailer

The Dreadful
Fecha de estreno: 20 de febrero
Formato: Digital
Trailer

Diabolic
Fecha de estreno: 20 de febrero
Formato: Digital
Trailer

Scream 7
Fecha de estreno: 27 de febrero
Formato: En cines
Trailer

Noseeums 
Fecha de estreno: 27 de febrero
Formato: Digital
Trailer

MARZO

The Hermit
Fecha de estreno: 3 de marzo
Formato: Digital
Trailer

The Bride!
Fecha de estreno: 6 de marzo
Formato: En cines
Trailer

Twisted
Fecha de estreno: 6 de marzo
Formato: Digital
Trailer

undertone 
Fecha de estreno: 6 de marzo
Formato: En cines
Trailer

Dolly
Fecha de estreno: 6 de marzo
Formato: En cines
Trailer

Slanted
Fecha de estreno: 13 de marzo
Formato: En cines
Trailer

Bodycam
Fecha de estreno: 13 de marzo
Formato: VOD
Trailer

Jitters
Fecha de estreno: 17 de marzo
Formato: Digital
Trailer

The Deep Dark
Fecha de estreno: 24 de marzo
Formato: VOD
Trailer

They Will Kill You
Fecha de estreno: 27 de marzo
Formato: En cines
Trailer

The Mortuary Assistant
Fecha de estreno: 27 de marzo
Formato: VOD
Trailer

ABRIL

Rabisu: Curse of the Demon
Fecha de estreno: 3 de abril
Formato: VOD
Trailer

Smother
Fecha de estreno: 7 de abril
Formato: DVD y digital
Trailer

Bone Keeper
Fecha de estreno: 6 de abril
Formato: Digital
Trailer

Ready or Not: Here I Come
Fecha de estreno: 10 de abril
Formato: En cines
Trailer

Exit 8
Fecha de estreno: 10 de abril
Formato: En cines
Trailer

Faces of Death
Fecha de estreno: 10 de abril
Formato: En cines
Trailer

The Cure
Fecha de estreno: 13 de abril
Formato: Digital
Trailer

The Mummy
Fecha de estreno: 17 de abril
Formato: En cines
Trailer

Mother Mary
Fecha de estreno: Sin confirmar
Formato: En cines
Trailer

 

MAYO

Hokum
Fecha de estreno: 1 de mayo
Formato: En cines
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Deep Water
Fecha de estreno: 1 de mayo
Formato: En cines
Trailer

Obsession
Fecha de estreno: 15 de mayo
Formato: En cines
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The Ugly
Fecha de estreno: 26 de mayo
Formato: Amazon Prime Video
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JUNIO

Scary Movie
Fecha de estreno: 12 de junio
Formato: En cines
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JULIO

Shiver
Fecha de estreno: 3 de julio
Formato: En cines
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Evil Dead Burn
Fecha de estreno: 24 de julio
Formato: En cines
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AGOSTO

Insidious 6
Fecha de estreno: 21 de agosto
Formato: En cines
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SEPTIEMBRE

Clayface
Fecha de estreno: 11 de septiembre
Formato: En cines
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Resident Evil
Fecha de estreno: 18 de septiembre
Formato: En cines
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OCTUBRE

Other Mommy
Fecha de estreno: 9 de octubre
Formato: En cines
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Remain
Fecha de estreno: 23 de octubre
Formato: En cines
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NOVIEMBRE

DICIEMBRE

Werwulf
Fecha de estreno: 25 de diciembre
Formato: En cines
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FECHA SIN CONFIRMAR

- Deathgasm 2: Goremageddon (Trailer)