Crítica: St. Agatha (2019)

Película dirigida por Darren Lynn Bousman (Saw II, Saw III, Abattoir), cuyo guión fue co-escrito por Andy Demetrio, Shaun Fletcher, Sara Sometti Michaels y Clint Sears. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 8 de febrero y también salió en formato físico en algunas partes de Europa.

Sinopsis:

En 1950 una joven madre embarazada de nombre Mary (Sabrina Kern) busca refugio en un convento. Sin embargo, lo que parecía el lugar perfecto para tener un hijo pronto se convertirá en un auténtico infierno que la pondrá a prueba mientras descubre la horrible verdad detrás de este.

Comentarios generales:

Darren Lynn Bousman es uno de los directores más versátiles dentro del género, ya que igual te puede regalar una secuela gore, un musical de terror o experiencias de bajo presupuesto originales que difícilmente se parecen. Por eso mismo es que St. Agatha era una de las películas que más me interesaban de 2019 debido a que, al menos en el papel, se veía como su proyecto más oscuro y polémico hasta la fecha considerando que la religión siempre adhiere eso de manera automática. Algo que afortunadamente se cumplió.  

Y además lo hace por medio de un enfoque distinto al acostumbrado cuando se involucran monjas, ya que Bousman no tiene interés en irse por el camino de lo sobrenatural sino centrarse en lo aterradores que pueden llegar a ser los seres humanos y la maldad pura con la que algunos nacen. Ofreciendo así un trabajo que prácticamente desde el inicio establece el tono oscuro que va a manejar al ponernos frente al personaje de Mary, una chica vulnerable que rápidamente se ve expuesta a un entorno hostil cuando supuestamente tendría que ser todo lo contrario y que poco a poco te va empezando a generar dudas sobre lo que hay detrás del convento debido a que para este punto todavía no es demasiado claro el propósito.

Obviamente con el pasar de los minutos esto empieza a aclararse, pero durante el proceso la manera en la que se logra ir construyendo la atmósfera y, sobre todo, la sensación de terror y peligro constante es muy buena. Todo bajo un ritmo semilento que ayuda a ir elevando la tensión por medio de una serie de eventos diseñados para crear impacto y también para empezar a detestar al personaje de la madre superior, aunque nunca sin caer en el gorefest o en lo grotesco para lograr por momentos cierta incomodidad.

A esto hay que agregar que la evolución que tiene el personaje de Mary es muy interesante de seguir, ya que nunca es presentada como una chica sumisa al 100%. Sin duda al inicio muestra vulnerabilidad; sin embargo, conforme se van revelando las acciones de las monjas ella es la única que las enfrenta o las cuestiona, siendo esto parte importante del desarrollo considerando que cada cosa que hace para salir de ahí tiene consecuencias graves para ella o para el resto de las inquilinas.

La parte final cumple con su objetivo, pero nunca logra brindar esa conclusión memorable que uno espera. En general se siente apresurada y por ende el pago no llega a ser tan gratificante como debería considerando lo visto previamente, esto a pesar de que si cuenta con una muerte particularmente llamativa.

Las actuaciones son bastante buenas, con una Sabrina Kern que está impecable como la protagonista y con una Carolyn Hennesy (Madre Superior) estupenda que ayuda a brindar algunas de las interacciones más memorables y sin duda logra sus objetivo de que la odies. La producción también es de buena factura: el trabajo de fotografía es estupendo, la dirección de arte bien cuidada, el score es sólido, el trabajo de sonido cumple, los efectos son simples y la labor de maquillaje básica.

Opinión final: St. Agatha me gustó. Película que le brinda un toque distinto a las historias de conventos y monjas.

Ojometro:
****

Crítica: Dead Ant (2019)

Película escrita y dirigida por Ron Carlson. Se estrenó el pasado 24 de enero directamente en VOD dentro de los Estados Unidos, mientras que su salida en formato físico ya está confirmada para el próximo 5 de marzo.

Sinopsis:

Sonic Grave es una banda de glam metal conocida por un hit de 1989, pero ahora planean realizar su triunfal regreso presentándose en el festival de Coachella. Lo malo es que su viaje en búsqueda de inspiración por medio del peyote pronto resultará en una feroz batalla contra hormigas asesinas gigantes.

Comentarios generales:

Cuando uno termina de leer la sinopsis de Dead Ant sabe inmediatamente qué tipo de película le espera, ya que decir que su premisa es absurda sería quedarme corto. Por eso mismo es un trabajo que no es tan sencillo de analizar porque dada su propia naturaleza esto pasa a un segundo término considerando que su meta no es cumplir con los estándares artísticos convencionales, sino más bien tratar de entretener por medio de las ideas más tontas que se puedan imaginar y en ese sentido puede llegar a ser o no efectiva dependiendo de cómo cada persona pueda asumir este humor.

En mi caso la verdad es que lo presentado por Carlson no me terminó por convencer, obvio entiendo el propósito que hay detrás y todo eso, pero simplemente en ningún momento me pareció que lo ocurrido en pantalla lograra su objetivo. Y es que, más allá de las excentricidades y la burla al glam metal, realmente no hay demasiado en esta historia que resulte lo suficientemente entretenido como para hacer de la primera mitad digerible ante la simpleza de las acciones y el avance un tanto lento que tiene para llegar a lo que es supuestamente el punto central de todo esto, ósea… las hormigas gigantes.

Las cuales integran cierto factor sorpresa a la trama una vez que empiezan a ser más relevantes, proporcionando así cierta profundidad a las razones por las cuales son de ese tamaño. Un detalle que podrá parecer menor pero que en cierta medida ayuda a que lo ocurrido durante la segunda mitad tengan un poco más de lógica y vuelva ligeramente más compleja la situación para los personajes. Aunque también da material para algunos momentos de humor pobre que se sienten muy forzados.

Ya para la parte final el nivel de ridiculez es demasiado alto, pero debo de decir que esta es por lo menos divertida. El hecho de que el objetivo principal de la banda se cumpla y al mismo tiempo esto sea la solución para vencer a las hormigas de algún modo funciona, dejando así un desenlace que provocará alguna que otra carcajada.  

Las actuaciones están ok, en el tono ridículo que se espera y no van más allá de eso. La producción es de corte muy similar a lo que vemos en las películas de The Asylum: el trabajo de fotografía es apenas aceptable, la dirección de arte es básica, el score genérico, el trabajo de sonido irregular, la labor de maquillaje decente y los efectos en verdad terribles, dignos de una cinemática de videojuego de PC a inicios de los 90s.

Opinión final: Dead Ant es ridícula a más no poder. Película para no tomar en serio y que ya dependerá de cada quien si gusta o no.

Ojometro:
**

Crítica: Escape Room (2019)

Película dirigida por Adam Robitel (Insidious: The Last Key), cuyo guión fue co-escrito por Bragi Schut y Maria Melnik. Se estrenó en cines dentro de los Estos Unidos el 4 de enero e hizo lo propio en México durante el pasado fin de semana. Recaudando hasta la fecha $108 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

Seis extraños son invitados a participar en un cuarto de escape por la posibilidad de ganar mucho dinero. Estando ahí se enfrentarán a diversos cuartos con condiciones extremas en los que descubrirán esto es más que un simple juego y tendrán que pelear con sus vidas para poder encontrar una salida.

Comentarios generales:

La verdad es que cuando vi el trailer de Escape Room mi reacción fue de indiferencia, no tanto porque la película se viera mal, sino que simplemente el concepto como tal no me resultaba tan atractivo. Sin embargo, con el pasar de las semanas esto fue cambiando poco a poco debido a las opiniones que fui escuchando sobre que podría tratarse del inicio para una nueva tendencia, eso me generó bastante interés y me alegra que fuera así porque este es un trabajo que vale la pena.

Lo que si dudo es marque algún tipo de tendencia a futuro, aunque claramente puede ser el inicio de una franquicia porque lo que nos trae Robitel está diseñado para eso al ofrecer una experiencia que gira en torno a algo inagotable como es la solución de acertijos. Una idea que no parece tan llamativa pero que no tardan demasiado en vendértela con una introducción potente que solo te provoca querer ver más y más al respecto, ya que con excepción de unos cuantos minutos para presentar a los personajes, las acciones no paran por un buen rato.

Y es que se trata de una historia simple, sin mucha ciencia detrás, que está pensada para que en ningún momento el espectador pueda relajarse ante las situaciones a las que se ve expuesto este grupo de personajes. Todo bajo un ritmo bastante ágil y con un buen diseño de los acertijos que van incrementando los niveles de tensión de manera progresiva conforme estos se van volviendo más elaborados gracias a las temáticas de cada uno de los cuartos, los cuales también empiezan a soltar pistas sobre el pasado de los desafortunados participantes y así dejar en claro que hay algo más grande detrás.

Además, contrario a trabajos similares, aquí no se recae en el uso de la violencia extrema o de litros de sangre para hacer que las muertes tengan impacto. Obvio desde el aspecto visual no resultan llamativas, pero la manera en las que estas se dan es lo que hace que resulten tan efectivas debido a la forma en la que afectan el comportamiento de los sobrevivientes y la manera en la que atacan los problemas.

La parte final es la que evita que el filme alcance un nivel mayor. No es precisamente mala, simplemente contrasta demasiado con la dinámica manejada en los actos previos y elimina casi por completo esa tensión tan bien construida durante cuatro de los cuartos. Todo para ir construyendo un desenlace que deja al aire algunas preguntas en la búsqueda de una posible secuela. 

Las actuaciones están bastante bien, en teoría Taylor Russell (Zoey) es la protagonista pero en realidad es la labor en conjunto la que resalta y hace que las situaciones de peligro funcionen. La producción es de buena factura: el trabajo de fotografía es bastante bueno, la dirección de arte impecable, el score es sólido, el trabajo de sonido es limpio y los efectos son de buena calidad.

Opinión final: Escape Room me gustó. Película bastante entretenida que les hará pasar un buen rato.

Ojometro:
****

Crítica: Braid (2019)

Película escrita y dirigida por Mitzi Peirone, la cual significa su primer largometraje. Se Estrenó de manera limitada en cines y VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 1 febrero, pero todavía no se sabe cuándo saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Dos jóvenes prófugas de la justicia deciden robar a su adinerada amiga psicópata que vive en un mundo de fantasía que ellas mismas crearon durante su infancia. Aunque para llevarse el dinero tendrán que formar parte de un perverso y mortal juego difícil de creer.

Comentarios generales:

Hay veces en las que escribir sobre una película es complicado porque realmente no sabes qué diablos es lo que acabas de ver, incluso si ya pasaron algunas horas para poder digerirla de mejor manera. No es algo tan común, pero pasa, y eso fue lo que me ocurrió con Braid: un trabajo que hace todo lo posible por no seguir las fórmulas convencionales al grado de que realmente no sabes si es bueno o malo lo que está tratando de proponer.

Esto porque lo que nos trae Peirone me atrevería a decir que, salvo por los primeros diez minutos, no tiene sentido en ningún momento. No tanto porque la historia sea un desastre, extremadamente compleja o porque no esté bien estructurada, sino que simple y sencillamente está diseñada de esa manera para generar dudas constantes ante un espectáculo en el que predominan las rarezas de principio a fin para construir más que nada momentos visualmente muy bien diseñados (además de llamativos) en lugar de escenas que profundicen de manera convencional la relación entre estas tres chicas. Siendo el más espectacular una secuencia que involucra ácidos y se ve invadida por colores rosas y purpuras.

En general nunca se hace mucho hincapié en los motivos por los cuales se lleva a cabo el peculiar juego, uno que desde el inicio establece reglas que sirven para desatar ciertos sucesos que añaden un toque violento al filme y que por un momento parece que llevarán algo convencional. Sin embargo, pronto la directora deja en claro que su intención nunca es resolver el misterio central y básicamente en un punto opta por no desarrollar en lo absoluto este tema para enfocarse en la inestabilidad mental de estas chicas cuyas acciones empiezan a ser cada vez más inexplicables.

Por si esto no fuera poco, la parte final involucra un giro que revuelve mucho más las cosas. Aquí cualquier tipo de coherencia deja de existir y es imposible identificar si lo que viste solo fue producto de la imaginación de una de ellas o si fueron eventos “reales”, dejando muchísimas preguntas en el aire mientras termina de manera abrupta.

En las actuaciones sin duda es Madeline Brewer (Daphne) quien resalta, ya que aunque las otras dos actrices no lo hacen mal, es ella la que le añade fuerza a cada una de las situaciones más extravagantes del filme. La producción es bastante buena: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte está bien cuidada, el score cumple, el trabajo de sonido no tiene fallos, los efectos son mínimos y la labor de maquillaje es discreta.

Opinión final: Braid es una película difícil de valorar, aunque no me dejó una gran impresión. Propuesta extraña con la que es mejor dejar que cada quien forme su propia opinión.

Ojometro:
**