Crítica: Silent Night, Deadly Night (2025)

Película escrita y dirigida por Mike P. Nelson (Wrong Turn, Sweet Revenge). Se estrenó en cines dentro de México y los Estados Unidos los pasados 11 y 12 de diciembre, recaudando hasta la fecha $2.1 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

Cuando era niño, Billy (Rohan Campbell) vio como un hombre disfrazado de Santa Claus asesinó a sus padres. Años después, ese trauma se convierte en una obsesión cuando él mismo se pone el traje rojo para embarcarse en una violenta búsqueda de venganza durante la que se supone es la época más maravillosa del año.

Comentarios generales:

La verdad no creo que nadie estuviera esperando que alguien se tomara el riesgo de revivir la franquicia de “Silent Night, Deadly Night” debido a que, con excepción de la película original de 1984, al resto casi no se les tiene nada de cariño y por eso muchos prefieren borrarlas de su memoria. Así que cuando se anunció este remake no hubo mucha exaltación porque parecía que solo sería otro intento fallido para tratar de explotar la nostalgia de los fans más fieles, pero para mi sorpresa esta nueva versión ha sido una experiencia mucho más agradable de lo que esperaba.

Y mucho de esto se debe al hecho de que Mike P. Nelson no se limita a solo imitar el material original, sino más bien reinterpreta el concepto para tratar de añadir frescura a algo que en el fondo sigue siendo un slasher en toda la regla. Aunque de inicio si tiene que guiarse por lo previamente establecido para recrear el trauma inicial de Billy y a partir de eso presentar el mayor cambio de todos con el que se crea una dinámica que te hace recordar un poco a las películas de “Venom” gracias a que con ello se logra que un personaje tan poco emocional pueda tener ciertos momentos donde se da el lujo de parecer más humano.

Llevando a que la selección de las victimas sea menos impulsiva y mantenga en línea las bases para elegirlas; sin embargo, también es cierto que con esto se limita el número de escenas de muertes ante los estragos mostrados por parte de Billy. Brindándole con ello un ritmo más pausado al filme que tal vez no sea del agrado de todos, pero que no afecta realmente el resultado general debido a que cuando se trata de mostrar un alto nivel de violencia en pantalla no se escatima en la espectacularidad visual y eso ayuda a que en ningún momento te resulte aburrido lo que estás viendo.

Dejándonos así ante una parte final en la que se le da más relevancia a un tema que solo había sido tratado de manera superficial y que es la vía para ofrecer un desenlace intenso en el que el propósito no es reivindicar al asesino, pero si solidificar el mensaje de que incluso los monstruos pueden encontrar a su alma gemela. Además de que se planta la semilla para poder expandir esta nueva idea para la franquicia en futuras secuelas.

En cuanto a las actuaciones tenemos a un Rohan Campbell que creo que cumple con su rol de manera adecuada, simplemente encaja a la perfección con este tipo de personajes dañados y los saca adelante sin muchos contratiempos. Mientras que el resto del elenco tampoco lo hace mal en lo que les piden.

Y en producción tenemos una buena factura: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte cumple, el score resulta funcional, el trabajo de sonido no tiene fallos, los efectos son de buena calidad y la labor de maquillaje efectiva.

Opinión final: Silent Night, Deadly Night me gustó. Una re-imaginación sólida para lo que aparenta ser el renacimiento de esta franquicia.

Ojometro:
****

Crítica: The Elixir (2025)

Producción indonesia dirigida por Kimo Stamboel (The Queen of Black Magic), quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a Agasyah Karim y Khalid Kashogi. Se estrenó directamente en Netflix a nivel mundial el pasado 23 de octubre.

Sinopsis:

El dueño de una renombrada empresa de medicina herbolaria y patriarca de una familia disfuncional intenta innovar para crear un nuevo producto premium, aunque este termina ocasionando un apocalipsis zombie.

Comentarios generales:

Ya he comentado cómo dentro del cine de zombies asiático cada país ha tratado de replicar a su modo el sello coreano sin demasiado éxito y por ello es que me resultan tan interesantes este tipo de proyectos porque quiero saber si alguien por fin puede hacerlo bien. Y tras ver el trailer de The Elixir parecía que esta podía lograrlo, pero para nuestra mala suerte se queda algo corta en su propuesta.

Lo cual es una lástima porque lo traído por Stamboel tenía potencial dado a que los zombies que presenta son bastante amenazantes y sabe cómo brindarles el tiempo en pantalla necesario para que resalten; sin embargo, el que no sepa cómo trabajar con el resto de los personajes termina siendo contraproducente para lo que nos quiere contar. Ya que después de un drama familiar inicial que establece las bases del caos, la verdad no tiene que pasar demasiado tiempo para empezar a desesperarse con un grupo de personajes cuyas acciones son demasiado tontas al momento de tener que afrontar a los zombies y gracias a eso lo que uno quiere es que los maten a todos de la manera más rápida posible para ahorrarte tiempo.

Algo que hace que la primera mitad de la película sea bastante floja, aunque el hecho de que los zombies tengan tanta presencia en pantalla provoca que en ningún momento el ritmo se vuelva pesado y las malas decisiones sean digeribles por el nivel de violencia que imprimen conforme la horda va creciendo. Logrando con esto que poco a poco durante la segunda mitad la sensación de riesgo sea mayor y con ello se puedan construir algunas escenas que le brinden cierta profundidad a los personajes sin que se deje de lado la brutalidad bajo la que tienen que desenvolverse, además de que se utilizan de manera original cosas como la lluvia o los fuegos artificiales para ofrecer cierto toque de frescura.

Dejándonos así frente a una parte final que resulta bastante intensa y en donde se logra establecer un grado de emocionalidad suficiente como para que el desenlace no se sienta tan hueco dentro de toda la espectacularidad visual que lo rodea.

De las actuaciones hay de todo un poco, pero la verdad ninguna sobresale como para que te preocupe demasiado alguien dentro de este grupo de personajes poco inteligentes. Mientras que en producción tiene sus principales fortalezas: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte discreta, el score no es nada del otro mundo, el trabajo de sonido no tiene fallos, los efectos son de buena calidad y la labor de maquillaje de gran nivel.

Opinión final: The Elixir está ok. Película de zombies para pasar el rato viendo mucha sangre.

Ojometro:
***

Crítica: In Our Blood (2025)

Película dirigida por Pedro Kos, cuyo guión fue escrito por Mallory Westfall. Se estrenó de manera limitada en cines a mediados de octubre, mientras que su salida en VOD se dio el pasado 5 de diciembre.

Sinopsis:

La cineasta Emily Wayland (Brittany O'Grady) se reúne con su distanciada madre después de muchos años para filmar un documental. Aunque cuando esta desaparece, ella y su camarógrafo tendrán que investigar algunas pistas que revelarán algunos perturbadores rastros de sus antiguas adicciones.

Comentarios generales:

Cada año existen un puñado de películas que vuelan por debajo del radar y la única forma en la que logran captar cierta atención es por la infalible recomendación del boca en boca, así que cuando una empieza a generar algo de ruido por esta vía mi interés se incrementa de inmediato. Obvio teniendo en mente que no siempre este tipo de recomendaciones son garantía, pero afortunadamente con In Our Blood me encontré una pequeña sorpresa cuando menos lo esperaba.

Aunque honestamente lo que nos presenta Pedro Kos es algo que en definitiva no será para todo el mundo debido a que este falso documental se toma su tiempo para poder meter de lleno al espectador en lo que quiere contar y eso provoca que durante el primer acto no existan demasiados motivos para considerar esto como una película de terror o para pensar si en verdad hay algo interesante de fondo. Sin embargo, una vez que se da la desaparición y se empiezan a presentar las complejidades sociales del lugar en el que se desarrolla la historia, las cosas poco a poco van yendo hacia una dirección en la que las dudas se vuelven un impulsor bastante fuerte para generar interés en lo que hasta este punto es desconocido.

Incrementando así de manera progresiva el nivel de tensión conforme Emily se va volviendo más temeraria al momento de conseguir respuestas sobre la desaparición de su madre, lo cual puede llevar a algunos momentos frustrantes ante su comportamiento, pero que también son la vía idónea para exponer los aparentes peligros que rodean este misterio que va soltando información a cuentagotas. Sobre todo durante un segundo acto en el que empezamos a tener algo de claridad, aunque de manera inteligente no se expone en su totalidad lo que ocurre para que la parte final funcione como se tiene pensado.

Siendo esta una de la que se puede hablar poco sin caer en el spoiler y de la que nada más diré que es la que eleva a otro nivel al filme debido a que no solo le da sentido a ciertos detalles previos que no encajaban del todo o parecían irrelevantes, sino que además deja un cierre con mucho impacto que nunca te esperas.

Sobre las actuaciones tenemos a un elenco que no hace nada espectacular, pero que logra capturar de manera impecable la naturaleza compleja de la zona en la que se desarrolla la historia. Además Brittany O'Grady como la protagonista hace un trabajo sólido.

Y en cuanto a producción, se nota que hubo un presupuesto limitado: el trabajo de fotografía es bastante bueno, la dirección de arte simple, el score no deja nada memorable, el trabajo de sonido es limpio y todo lo referente a efectos/maquillaje es discreto.

Opinión final: In Our Blood me gustó. Falso documental que exige mucha paciencia, pero cuyo pago es satisfactorio.

Ojometro:
****

Crítica: Five Nights at Freddy’s 2 (2025)

Secuela dirigida por Emma Tammi (The Wind, Five Nights at Freddy’s), cuyo guión fue escrito por Scott Cawthon. Se estrenó en cines dentro de México y los Estados Unidos los pasados 4 y 5 de diciembre, recaudando hasta la fecha $110.5 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

Mike, Vanessa y Abby tratan de seguir con sus vidas después de la pesadilla vivida en la pizzería Freddy Fazbear un año atrás. Aunque cuando la pequeña decide rencontrarse con sus viejos amigos dará inicio una serie de aterradores eventos que revelarán nuevos oscuros secretos sobre el origen de Freddy’s y un horror que lleva oculto por décadas.

Comentarios generales:

Hace un par de años atrás lo que más me sorprendió de la primera entrega fue lo ruidosa que fue entre sectores que usualmente no cubren cine de terror cuando claramente se trataba de un producto hecho para atender a los fans del videojuego y sus interminables teorías. De pronto parecía ser la mayor referencia cinematográfica del siglo XXI y encontrabas opiniones que rayaban en lo más extremo, algo que pensaba que con Five Nights at Freddy’s 2 ya no iba a ocurrir, pero sin duda estaba muy equivocado.

Y es que una vez más lo traído por Tammi está totalmente hecho para los fans y eso seguirá desconcertando a quienes no están enterados de todo el lore del videojuego, aunque en esta ocasión ya no es necesario tener que construir una historia nueva y por lo mismo se pueden utilizar los secretos detrás de la pizzería para expandir lo establecido hace un par de años atrás. Brindándole así un ritmo un poco más ágil a la primera mitad de la película para que la presentación de la nueva amenaza no se sienta tan pesada al agregar un poco más de violencia en el camino; sin embargo, esto tampoco quiere decir que no existan cosas que tienen poco sentido o rayen en lo absurdo cuando es momento de ir integrando a los animatrónicos de manera más constante en las acciones.

Lo cual hacen por medio de una mezcla de humor ligero con scare jumps que no es la más efectiva, ocasionando así que el desarrollo pierda fluidez y durante la segunda mitad se entre en una etapa de aburrimiento ante el predecible avance que existe con el misterio propuesto. Algo que tampoco es que sea tan catastrófico para las aspiraciones del filme dado a que se sigue nutriendo con todo el fanservice posible para que ciertas situaciones no se sientan muy forzadas y encajen de algún modo con toda esta problemática llena de elementos sobrenaturales a la que en un punto se le tiene que dejar de buscar la lógica detrás.

Llevándonos así a una parte final bastante entretenida en donde se opta por ofrecer mayor acción para que los animatrónicos resulten más amenazantes y con ello se pueda tener un desenlace intenso con el que se le da un aparente cierre a una de las ideas centrales de la primera entrega, pero al mismo tiempo planta la semilla para lo que veremos en la siguiente película.

En lo que respecta a las actuaciones no hay mucha diferencia a lo visto anteriormente, ya que tanto Josh Hutcherson (Mike) como Elizabeth Lail (Vanessa) manejan exactamente el mismo tono y sus interacciones incluso resultan menos interesantes. Aunque la breve presencia de Wayne Knight (Mr. Berg) es bastante agradable.

Y en lo que respecta a la producción seguimos teniendo una buena factura con la que se puede notar que hubo un mayor presupuesto: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte está muy bien cuidada, el score no es nada del otro mundo, el trabajo de sonido es limpio, los efectos están bien hechos y la labor de maquillaje destaca poco.

* Cuenta con una escena a la mitad de los créditos y un dialogo post-créditos

Opinión final: Five Nights at Freddy’s 2 está pasable. Otra entrega pensada para satisfacer a su inmenso número de fans.

Ojometro:
***

Crítica: The Healing (2025)

Película dirigida por Denis Kryuchkov, cuyo guión fue co-escrito por Olga Loyanich y Robert Orr. Se estrenó en VOD y formato físico dentro de los Estados Unidos el pasado 14 de octubre.

Sinopsis:

Lyuba (Alena Mitroshina) deja a su abusivo esposo para ir a un retiro con sus amigas. Un lugar misterioso con extraños rituales y visiones que revelarán oscuros secretos que la obligan a confrontar una difícil decisión: escapar o sucumbir ante un aterrador destino.

Comentarios generales:

Gracias al conflicto bélico que todos conocemos se ha vuelto complicado el que producciones rusas lleguen a este lado del planeta y por lo consiguiente la tendencia de ver un poco más de cine de terror ruso se terminó esfumando. Por ello es que cuando supe de The Healing no dude en darle una oportunidad, aunque al final me he llevado una decepción.

En gran parte porque lo presentado por Kryuchkov es un thriller psicológico con el que ni él mismo parece tener cierta claridad sobre cómo desarrollar una historia que durante el primer acto no da muestras de ser algo especial y sigue patrones habituales de cualquier otra película sobre cultos hasta que empieza a jugar con la mente de nuestra protagonista. Lo cual añade cierto misterio a las cosas, pero rápidamente empieza a volverse frustrante dado a que todo ocurre de manera aleatoria y sin suficiente sustento para darle un rumbo sólido a determinadas situaciones, apostando a que sea la excentricidad del líder la que pueda solventar muchas de las carencias que son perceptibles.

Algo que lamentablemente nunca se corrige y que para la segunda mitad empeora, no solo por el hecho de que tratan de hacer que una problemática demasiado simple parezca compleja, sino porque con cada alucinación de Lyuba se va generando una sensación de que nada es importante y solo se trata de un recurso barato para darle demasiadas vueltas a lo mismo ante la falta de sustancia. Además de que con esto básicamente se le quita relevancia a los personajes secundarios, cuyas apariciones se vuelven más efímeras con el pasar de los minutos y presentan unos cambios de personalidad tan abruptos que no tienen ningún un tipo de sentido; en especial cuando se trata de jugar con los dilemas morales por lo que ocurre dentro del retiro.

Dejándonos así ante una parte final a la que se llega con más dudas que certezas y una falta de intensidad muy marcada, aunque se debe de reconocer que por lo menos tratan de brindar un poco más de estabilidad a las acciones al dejar de lado tanta alucinación. Logrando con esto que el desenlace tenga cierta claridad y fuerza para que no te resulte tan indiferente.

En lo referente a las actuaciones no hay mucho que decir. Alena Mitroshina no es precisamente la protagonista más convincente, mientras que dada la naturaleza de la historia el resto del elenco cuenta con participaciones que no les ofrecen el tiempo necesario para poder desarrollar personajes que no sean tan irrelevantes.

Y en cuanto a producción, la verdad hay alguna que otra cosa para destacar: el trabajo de fotografía es bastante bueno, la dirección de arte no resalta, el score es un complemento agradable, el trabajo de sonido es limpio, los efectos son simples y la labor de maquillaje muy discreta.

Opinión final: The Healing es decepcionante. Thriller psicológico pretensioso que aburre más de lo que entretiene.

Ojometro:
**

Crítica: Queens of the Dead (2025)

Película dirigida por Tina Romero, quien comparte créditos como co-escritora del guión junto a Erin Judge. Se estrenó de manera limitada en cines dentro de los Estados Unidos a finales de octubre, mientras que su salida en VOD se dio el pasado 11 de noviembre.

Sinopsis:

Drag queens y club kids se ven rodeados por zombies durante su show drag en Brooklyn, obligándolos a dejar sus conflictos personales de lado para poder utilizar sus distintivas habilidades para enfrentar una amenaza que se niega a morir.

Comentarios generales:

Llevar el apellido Romero y hacer una película de zombies debe de ser uno de los retos más complejos considerando todo el contexto histórico que existe detrás, pero el hecho de que la hija de quien es considerado el padre del género zombie quisiera hace cine de este tipo creo que era algo natural. Por ello es que cuando se supo de la existencia de Queens of the Dead los fans respondieron con entusiasmo por lo que podía ofrecer para extender el legado familiar; sin embargo, creo que el resultado final no es precisamente el esperado.

Y es que si bien a lo presentado por Tina Romero hay que reconocerle su sinceridad desde la introducción, lo cierto es que lo único que nos ofrece es una historia en la que apuesta más por el humor extravagante y no tanto por utilizar a los zombies de una manera interesante para solidificar su mensaje sobre como la sociedad está completamente esclavizada por los celulares y las redes sociales. Esperando a que sea un grupo de personajes llamativos los que puedan generar interés por medio de un tipo de comedia que desde el primer acto se siente demasiado simplona al momento de ir creando mini conflictos que lleven a situaciones en las que el peligro sea palpable.

Todo bajo un ritmo que no es precisamente lento, pero que se siente así gracias a la poca imaginación mostrada para ir integrando a los zombies dentro de un caos que se va tornando bastante repetitivo ante los mismos chistes y los mismos problemas a los que se tienen que enfrentar los personajes. Algo que indudablemente vuelve aburridas las acciones y eso solo empeora por la pocas escenas de muertes que existen, lo cual provoca que todo resulte en exceso blando y por lo mismo se vaya generando mucho desinterés en el espectador por lo que pueda ocurrir durante la parte final.

Una que por lo menos contiene algunos momentos entretenidos con los que se puede construir un desenlace con cierto nivel de intensidad que explote de manera superficial la crítica social que pretendía hacer la directora, aunque esto no hace que las sensaciones por lo visto durante 100 minutos mejoren demasiado.

En cuanto a las actuaciones contamos con un elenco que le da vida a un conjunto de personajes súper extravagantes que desde el inicio manejan un tono exagerado en todo lo que hacen y no lo cambian en lo absoluto. Viéndose forzados a tener que trabajar bajo un tipo de humor que es poco efectivo y los limita demasiado al momento de tratar de ofrecer algo más cuando las cosas ameritan mayor emocionalidad.

Y en lo que respecta a la producción, tampoco hay mucho para destacar: el trabajo de fotografía cumple, la dirección de arte es muy básica, el score no contiene nada memorable, el trabajo de sonido está bien cuidado, los efectos son simples y la labor de maquillaje cumple con lo básico para una película de este tipo.

Opinión final: Queens of the Dead es decepcionante. Película de zombies que, de no ser por el apellido de su directora, habría pasado desapercibida.

Ojometro:
**

Crítica: The Toxic Avenger (2025)

Película escrita y dirigida por Macon Blair, la cual representa un reboot de la franquicia. Se estrenó en cines dentro de los Estados Unidos a finales de agosto y posteriormente en VOD el 30 de septiembre, mientras que su salida en formato físico se dio el pasado 28 de octubre.

Sinopsis:

Un terrible accidente tóxico transforma al oprimido conserje Winston Gooze (Peter Dinklage) en una nueva evolución de héroe: El Vengador Tóxico.

Comentarios generales:

El hecho de que se quisiera hacer un reboot de “The Toxic Avenger” no fue algo que me sorprendiera demasiado, ya que al final de cuentas se trata de una franquicia de culto con el potencial suficiente para intentar revivirla. Sin embargo, las dudas llegaban por el lado de Truma Entertaiment debido a que las producciones de este estudio en general son de un corte muy específico que en los años 80s o 90s funcionaban, aunque para las épocas actuales pueden llegar a sentirse un tanto obsoletas.

Algo que con esta versión de 2025 afortunadamente no ocurre debido a que Blair muestra bastante entendimiento sobre cómo contarnos una historia que desde su inicio se sostiene en base al humor bobo y la violencia gráfica mientras, de manera sutil, se integra cierto drama familiar para darle un toque más humano a nuestro héroe gracias a los estragos ocasionados por su vida parental. Lo cual puede no sonar tan atractivo conociendo la naturaleza ridícula del personaje, pero ante el desarrollo acelerado de los eventos en ningún momento el espectador se va a aburrir y justo cuando se da la mutación dicho drama termina siendo un buen recurso para balancear un poco toda la locura que conlleva la exposición del propio Vengador Tóxico.

Quien una vez que entra de lleno a la acción convierte esto en un espectáculo donde lo que predomina es el caos por medio de situaciones extremas que se combinan con cierta sátira al momento de matar delincuentes cuyos comportamientos son cada vez más tontos. Siendo esto algo que sin duda lleva a que la dinámica se vuelva un tanto redundante y se maneje un humor que para algunas personas será difícil de digerir, a pesar de que ayuda a que el propósito principal de ofrecer un espectáculo absurdo con mucha violencia y sangre se cumpla a la perfección.

Dejando así una parte final que no baja en lo absoluto su apuesta y trata de seguir añadiendo más extravagancias en el camino por medio de un conflicto decisivo que es tan ridículo como entretenido. Donde tal vez no se llega a mostrar la espectacularidad visual que uno imaginaba y en definitiva ciertas cosas se sienten forzadas, pero resulta suficiente como para que el cierre sea competente. 

Con respecto a las actuaciones tenemos un elenco de peso en el que Peter Dinklage hace un buen trabajo al combinar un humor simplón con cierto toque dramático para que su transformación sea un poco más entrañable a pesar de las rarezas que rodean al personaje. Mientras que Kevin Bacon (Bob Garbinger) y Elijah Wood (Fritz Garbinger) añaden su toque de rareza para ser unos villanos que no desentonen a lado de nuestro héroe.

Y en cuanto a producción es todo lo que se espera de un filme de este tipo: el trabajo de fotografía cumple, la dirección de arte está ok, el score resulta agradable, el trabajo de sonido es limpio, los efectos en su mayoría son de buena calidad y la labor de maquillaje es efectiva.

* Cuenta con una escena post-créditos

Opinión final: The Toxic Avenger está entretenida. Película de corte serie B con la que se puede pasar un buen rato.

Ojometro:
***

Crítica: Shelby Oaks (2025)

Película escrita y dirigida por Chris Stuckmann, la cual significa su primer largometraje. Se estrenó en cines dentro de los Estados Unidos durante el mes de octubre, mientras que hizo lo propio en México el pasado 20 de noviembre; recaudando hasta la fecha $5.6 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

La obsesiva búsqueda de Mia Brennan (Camille Sullivan) por su hermana la lleva a toparse con un aterrador misterio que se encuentra en manos de un mal desconocido.

Comentarios generales:

Es difícil encontrar películas que muestren tanta dedicación al momento de hacer su campaña publicitaria como ocurrió con Shelby Oaks, la cual inició incluso antes de que fuera anunciada la propia película gracias a un canal de YouTube que mostraba videos de un show (The Paranormal Paranoids) que forma parte importante de la historia. Siendo esta una manera muy original de llamar la atención que terminó rindiendo sus frutos al generar expectativa por un proyecto que en su superficie no parecía nada fuera de lo común.

Y es que durante sus primeros 15 minutos lo que nos presenta Stuckmann es un found footage estándar muy del corte de “The Blair Witch Project” en donde se ven todos los clichés conocidos del formato con los cuales el espectador rápidamente queda predispuesto a pensar lo peor. Sin embargo, una vez que cruzamos este umbral las cosas toman un rumbo que sin duda resulta novedoso al hacer la transición a un formato convencional para contarnos una historia mucho más estructurada sobre la búsqueda de Mia.

Decisión que ayuda que a la primera mitad de la película maneje un corte detectivesco que genera gran intriga por saber más con respecto a lo que hay detrás no solo la de perturbadora desaparición de Riley, sino de todo lo raro que rodea a Shelby Oaks. Logrando así que se combinen situaciones que lleven a dudas razonables tanto del lado “real” como del sobrenatural para que cada paso que da Mia en su investigación vaya convirtiendo el tono en uno más oscuro y la sensación de peligro se incremente ante los riesgos mismos que ella toma, aunque lamentablemente eso se termina desaprovechando con el pasar de los minutos.

Esto porque es claro que cuando se llega a la segunda mitad las cosas empiezan a estancarse al seguir patrones conocidos que hacen pesada la experiencia ante el ritmo lento predominante. Enfocando todos los esfuerzos en una temática con tintes satánicos que no presenta nada original y se vuelve bastante predecible una vez que se revelan ciertos detalles con los cuales se deja una parte final a la que no catalogaría como mala, pero que se queda corta al momento de explotar los elementos sobrenaturales y poder brindar así un cierre más espectacular.   

En cuanto a las actuaciones no hay mucho que decir, Mia Brennan cumple con su rol y el resto del elenco la complementa de buena forma. Mientras que en producción vemos un buen aprovechamiento del presupuesto discreto con el que se contó: el trabajo de fotografía es bueno, la dirección de arte poco llamativa, el score no está mal, el trabajo de sonido es limpio, los efectos son simples y la labor de maquillaje resulta efectiva.  

Opinión final: Shelby Oaks está aceptable. Película que intenta algo novedoso sin poderlo explotar de la mejor manera.

Ojometro:
***

Crítica: Your Host (2025)

Película dirigida por DW Medoff (Pollen) y escrita por Joey Miller. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 29 de agosto, aunque todavía no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Cuatro amigos son atrapados en un sádico juego, obligados a burlar a un retorcido asesino serial mientras tienen una carrera contra el tiempo. Cualquier movimiento los acercará más a su libertad o… a una muerte espantosa.

Comentarios generales:

El impacto que tuvo “Saw” ha sido tan grande que básicamente cualquier otra película que trate sobre algún tipo de juego va a terminar siendo comparada con dicha franquicia, algo que puede ser un plus a favor o en contra dependiendo desde que perspectiva se le vea. Razón por la cual muchas propuestas tratan de buscar diferenciarse lo más que se pueda para no tener que cargar con esa loza tan pesada, pero a Your Host eso no podría importarle menos.

Y es que desde la introducción se pueden notar las marcadas influencias de “Saw” tanto en la temática como en la propia estética del filme y en ningún momento DW Medoff pretende ocultarlas debido a que esto es lo que hace digeribles unos primeros 20 minutos en los que ocurre poco o nada durante la presentación de un grupo de “amigos” que compiten por ver quién es el más desagradable. Facilitando así que su elección para el mortal juego esté justificada y gracias a ello se pueda obtener una dinámica ágil con la que el asesino, al menos de inicio, no deba de explicar de manera consistente sus motivaciones para que la atención se centre en la brutalidad de sus acciones.

Logrando que el ritmo en general sea agradable y se puedan construir algunas escenas que proporcionen un nivel de impacto elevado, pero sobre todo incrementen el sentimiento de que estos personajes están condenados a morir si o si. Lo cual tratan de ir mezclando con una historia de venganza que añade ciertos dilemas morales al momento de revelar lo que hay detrás de la locura del asesino y con ello poner al espectador a cuestionarse sobre quién es la peor persona en ese lugar, aunque eso conlleva el mostrar situaciones que estancan un poco el desarrollo y por lo consiguiente no dejan que el camino rumbo a la parte final sea tan interesante como debería.

La cual tratan de llenar con violencia y sangre para que tenga suficiente fuerza; sin embargo, esta jamás logra ser convincente. Y mucho se debe a la manera tan poco intensa con la que se decide concluir el conflicto central cuando se supone que se trata de algo muy personal, dejando así un cierre más llamativo que efectivo.

En cuanto a las actuaciones es Jackie Earle Haley (Barry Miller) quien más destaca como un asesino bastante dañado al que sabe mantener siempre en el tono adecuado para que no raye en lo caricaturesco. Mientras que en producción es de una factura discreta: el trabajo de fotografía cumple, la dirección de arte es sólida, el score genérico, el trabajo de sonido tiene algunos problemas, los efectos están bien hechos y la labor de maquillaje es de buena calidad.

Opinión final: Your Host está ok. Película para pasar el rato viendo violencia sin grandes pretensiones.

Ojometro:
***

Crítica: Vicious (2025)

Película escrita y dirigida por Bryan Bertino (The Strangers, The Dark and the Wicked). Se estrenó a nivel mundial directamente en Paramount+ y formato digital el pasado 10 de octubre.

Sinopsis:

Polly (Dakota Fanning) pasa la noche peleando por su existencia mientras se adentra a un mundo oscuro tras recibir un peculiar regalo de un visitante nocturno. 

Comentarios generales:

Después de seguir de cerca esta industria durante tantos años uno puede darse cuenta cuando las cosas no son muy alentadoras para una película y más en esta época en la que los estudios ya no tan discretos al momento de hacer relucir sus insatisfacciones o dudas con respecto a algún proyecto. Por eso es que cuando Vicious fue negada a tener un estreno en cines se intuía que algo andaba mal y las cosas empeoraron cuando se anunció que saldría directo en streaming, lo cual después de verla es una decisión que difícilmente se puede cuestionar.

Ya que lo traído por Bertino es una propuesta que en su búsqueda por mantener cierto minimalismo termina por no saber cómo plantear los cuestionamientos existenciales de su protagonista sin que el espectador se aburra tras unos minutos iniciales que al menos proponían algo interesante. Sobre todo al establecer una serie de reglas bajo las cuales se irá desarrollando la historia, pero que en realidad solo están ahí para insertar una presencia paranormal con la que Polly interactúa por medio de llamadas telefónicas que poco a poco se van convirtiendo en un fastidio debido a que no solo perjudican el ritmo, sino que además acaban con prácticamente cualquier intento por generar suspenso de manera sostenida.

Llevándonos por una serie de sucesos con los que se trata de ponerla bajo situaciones extremas que juegan con su estado mental para generar momentos de mayor intensidad que por algunos minutos resultan efectivos; sin embargo, la poca claridad que existe con respecto a lo que hay detrás de la caja impide que estos logren tener el impacto necesario como para que te importe lo que ocurre. Y es que cuando las cosas empiezan a ponerse más personales esa sensación de verdadero peligro jamás logra estar presente y lo que debería de generar dudas con respecto a lo que es real (o no) se termina quedando como una serie de situaciones sin mucha lógica que de algún modo deben de encajar.

Ante esto la parte final se vuelve una en donde muchas cosas se dejan abiertas a la interpretación y los sacrificios tanto físicos como morales de Polly añaden algo de fuerza. Aunque nada es suficiente como para evitar que el desenlace deje sensaciones de que lo ocurrido en realidad no tuvo mucha importancia y bien se pudo haber contado en mucho menos tiempo dentro de alguna antología.

En cuanto a las actuaciones tenemos a una Dakota Fanning que es la que carga con el peso casi total de la película y tiene algunos momentos de lucidez, pero la naturaleza repetitiva de la historia termina afectando mucho su trabajo. Mientras que la limitada aparición de Kathryn Hunter (the woman) es la que deja una mayor impresión.

Y en lo referente a la producción, la verdad es de un presupuesto limitado: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte simple, el score no resalta, el trabajo de sonido es bueno, los efectos no son nada del otro mundo y la labor de maquilla es discreta.

Opinión final: Vicious es decepcionante. Película aburrida que jamás sabe establecer de manera coherente lo que quiere contar. 

Ojometro:
**

Crítica: Hell House LLC: Lineage (2025)

Película escrita y dirigida por Stephen Cognetti, la cual significa la quinta entrega de la franquicia. Se estrenó en cines dentro de los Estados Unidos a mediados de agosto, mientras que su salida en VOD se dio el pasado 30 de octubre.

Sinopsis:

Tras su experiencia casi fatal, Vanessa Shepherd (Elizabeth Vermilyea) experimenta pesadillas en Abbadon. Y mientras misteriosas muertes ocurren a su alrededor, ella descubrirá su conexión con el hotel Abbadon, la mansión Carmichael y décadas de asesinatos sin explicación. 

Comentarios generales:

La franquicia de Hell House LLC es una que siempre ha navegado por debajo del radar, pero gracias a su legión de fieles fans ha podido mantenerse a flote a pesar de que casi siempre pasa desapercibida para la gran mayoría de las personas. Algo que con la última entrega parecía que se iba a revertir al ser, por mucho, la mejor de todas y generar un mayor ruido al acostumbrado; sin embargo, creo que con Hell House LLC: Lineage ese empujón lleno de positivismo se esfumará rápidamente.

Y es que a pesar de que Cognetti asume el riesgo de dejar atrás el found footage para dar el salto a un formato convencional, lo cierto es que este cambio termina generando muchos problemas debido a que obliga a tener que desarrollar la historia bajo un ritmo demasiado lento que permita añadir la mayor cantidad de información posible relacionada con las cuatro películas anteriores. Llevándonos así por una serie de sucesos que pueden resultar confusos si es que no las tienes tan frescas en tu memoria y cuyo propósito de generar suspenso durante el primer acto se ve frenado ante la obsesión que se tiene por mostrar a Vanessa contando sus traumas una y otra vez sin que se sienta algún avance concreto al respecto.

Simplemente todo es plano o sin un rumbo claro, incluso cuando se empiezan a integrar algunos otros personajes del pasado cuya presencia jamás se logra justificar de una forma coherente; en especial si es que se decide involucrarlos en escenas de muertes porque ninguna de estas se da en cámara y por lo consiguiente el factor shock también se encuentra ausente. Lo cual es un problema general durante toda la película debido a que con el nuevo formato se le termina quitando la sensación de riesgo a las situaciones en las que la amenaza está presente y cuando se quiere incrementar un poco el nivel de tensión básicamente resulta imposible conseguirlo dada su naturaleza simplista, dejando así puros momentos olvidables que solo están ahí para consumir algo de tiempo.

Ante esto realmente la parte final carece de emociones y mucho de lo que se trata de hacer con el misterio jamás logra tener el suficiente impacto como para que el vinculo de Vanessa con el hotel y la casa se sienta orgánico. Dejándote con un cierre demasiado forzado que pone en evidencia que la idea central ya no da para más. 

En cuanto a las actuaciones no hay mucho que destacar gracias a que la naturaleza extremadamente pasiva del filme evita que existan interpretaciones que llamen la atención. Aunque Elizabeth Vermilyea hace lo que puede para tratar de sacar adelante a su personaje.

Y en lo referente a producción nos topamos con algo muy discreto: el trabajo de fotografía no está mal, la dirección de arte es desangelada, el score no destaca, el trabajo de sonido es sólido, los efectos son simples y la labor de maquillaje cumplidora.

Opinión final: Hell House LLC: Lineage es decepcionante. Película que quiere exprimir más de la cuenta su propia mitología y falla en el intento.

Ojometro:
**

Crítica: Frankenstein (2025)

Película escrita y dirigida por Guillerno del Toro (Cronos, Crimson Peak). Se estrenó de manera limitada en cines dentro de México durante el 24 de octubre, mientras que su estreno a nivel mundial se dio el pasado 7 de noviembre por medio de Netflix.

Sinopsis:

Víctor Frankenstein (Oscar Isaac) es un brillante pero ególatra científico que trae de vuelta a la vida a una criatura (Jacob Elordi) durante un monstruoso experimento que conduce a la perdición tanto al creador como a su trágica creación. 

Comentarios generales:

Adaptar la novela de Mary Shelley al cine tiene sus complejidades y no precisamente porque se trate de una obra difícil de trasladar a la pantalla grande, sino más bien porque ya resulta complicado el poder realizar algo que sobresalga tras ver un gran número de versiones y reinterpretaciones durante 94 años. Sin embargo, creo que no había duda que Guillermo del Toro era uno de los pocos individuos dentro de Hollywood que podía regalarnos una nueva “Frankenstein” para volver a poner los reflectores en uno de los personajes más icónicos que existen y eso es lo que ha logrado.

Ya que el director mexicano nos trae una adaptación que no es totalmente fiel, pero sin duda es la que más se acerca al espíritu del libro al no solo darle mayor relevancia a lo gótico antes que al terror convencional, sino también por tratar de brindar una historia más humana a lo que habitualmente se acostumbra y con ello asumir cierto riesgo dado a que eso vuelve a la primera mitad del filme una que puede llegar a retar la paciencia de algunas personas al explorar de manera un poco más detallada la vida de Víctor Frankenstein y entender lo que hace tan peculiar a este personaje. Aunque gracias a los sutiles cambios realizados a su pasado y a la manera en que se presentan sus ambiciones en ningún momento el visionado se vuelve pesado.

Sobre todo porque el aspecto visual del filme ayuda a que se le ponga atención a muchos detalles que te hacen olvidar dicha “pasividad” y estos poco a poco van haciendo que la expectativa por la aparición de la criatura sea muy grande. La cual una vez que se presenta en pantalla de forma predominante hace que el aspecto emocional se magnifique dado a que se entrelazan una serie de situaciones que nos muestran quién es el verdadero monstruo en todo esto y cómo el rencor de la criatura hacia su creador es algo que se forma de manera justificada gracias a varios momentos trágicos muy potentes que también aportan las dosis de violencia extrema requerida para establecerla como una amenaza imponente, a pesar de que en realidad no quiere dañar a nadie por voluntad propia.

Llevándonos así a una parte final que es probablemente la que puede molestar a los más puristas dado a que es donde vemos los mayores cambios con respecto al libro, pero sin que se altere demasiado la esencia del mismo. Apostando fuertemente por el melancolismo en lugar de la espectacularidad para dejar un desenlace que tiene como principal sustento el perdón y la redención con los que se le da un aire de esperanza al futuro de un ser que por su naturaleza siempre tendrá todo en contra.

En cuanto a las actuaciones tenemos un casting de primer nivel con un Oscar Isaac que sabe darle su toque de excentricidad a un antipático, egocéntrico y, por grandes lapsos, despreciable Víctor Frankenstein. Mientras que Jacob Elordi como la criatura hace un trabajo por demás destacado al ir mostrando una evolución con un personaje al que siempre es complicado encontrarle el tono exacto para que genere tanto terror como empatía al mismo tiempo.

Y en producción simplemente tenemos una factura que refleja su altísimo presupuesto: el trabajo de fotografía es muy bueno, la dirección de arte espectacular, cuenta con un gran score, el trabajo de sonido es impecable, los efectos son de gran calidad y la labor de maquillaje es de primer nivel.

Opinión final: Frankenstein es bastante buena. Adaptación sólida que se toma sus libertades para humanizar a un personaje legendario.   

Ojometro:
*****

Crítica: No me sigas (2025)

Producción mexicana dirigida por Ximena García Lecuona, quien comparte créditos como co-escritora del guión junto a Eduardo Lecuona. Se estrenó en cines dentro de México el pasado 30 de octubre, recaudando hasta la fecha $652,414 dólares en taquilla.

Sinopsis:

En su búsqueda por ser famosa en las redes sociales, Carla (Karla Coronado) finge encuentros con fantasmas en un departamento abandonado. Aunque cuando ella invoca de manera accidental a un verdadero espíritu maligno, la posesión desdibuja la línea entre lo auténtico y lo fingido para sus seguidores.

Comentarios generales:

Gracias a su enorme expansión durante los últimos años, Blumhouse básicamente se ha posicionado como el principal referente en cuanto a la producción de cine de terror y eso obliga al estudio a tener que estar buscando nuevas propuestas por todos lados para satisfacer una demanda por películas de terror cada vez mayor. Así que no es de extrañar que ahora también incursionen en producciones habladas en español dado a que el mercado hispanoparlante tiene mucho potencial, aunque creo que con “No me sigas” se quedaron algo cortos.

Y no es porque lo traído por Ximena García Lecuona me parezca malo, de hecho es una película competente, pero la falta de originalidad le termina pesando debido a que se trata de una historia en la que en todo momento se pueden percibir las dificultades en su búsqueda por no caer en los típicos clichés de siempre y eso provoca que jamás se pueda sentir el desarrollo bajo el contexto mexicano como uno totalmente orgánico. Sobre todo durante una primera media hora que tiene pocas cosas para destacar y que en general flaquea bastante en su manera de plantear las obsesiones de Carla tanto con lo paranormal como por su búsqueda de fama en las redes sociales.

Llevándonos así por un camino en donde se tienen que sobreexplotar recursos simples para tratar de generar jumps scares que tienen diferentes grados de efectividad y cuyo principal propósito es más que nada evitar que el ritmo se vuelva demasiado cansino conforme se desenvuelven los misterios detrás del departamento. Lo cual pareciera que no ayuda en nada, sin embargo, lo cierto es que una vez que entramos a la segunda mitad de la película estos mismos recursos de a poco van haciendo que el nivel de tensión se eleve y con ello se puedan ir estableciendo interrogantes sólidas sobre la estabilidad mental y emocional de nuestra protagonista bajo una atmósfera cada vez más oscura que termina potenciando a la amenaza.

Todo esto para preparar una parte final que en cierto modo es la que hace que tanta parsimonia previa haya valido la pena gracias a que es aquí donde se pueden notar una mayor toma de riesgos con respecto al rumbo de la historia al presentar algo muy distinto a lo esperado. Y aunque no todo es tan convincente, lo cierto es que vuelve el cierre uno mucho más potente y con mayor impacto.

En cuanto a las actuaciones tenemos un elenco limitado en donde realmente todo gira alrededor de Karla Coronado y ella hace un buen trabajo para mantenerte atento la mayor parte del tiempo. Mientras que en producción hay cosas interesantes: el trabajo de fotografía es sólido, la dirección de arte simple, el score es buen complemento, el trabajo de sonido es muy bueno, los efectos están bien hechos y la labor de maquillaje es discreta.

Opinión final: “No me sigas” está ok. Película estándar sobre redes sociales y espíritus para perder el tiempo.  

Ojometro:
***

Crítica: The Jester 2 (2025)

Secuela escrita y dirigida por Colin Krawchuk (The Jester). Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 17 octubre, mientras que su salida en formato físico está confirmada para el próximo 11 de noviembre.

Sinopsis:

Cuando los caminos de Max (Kaitlyn Trentham) se cruzan con los del siniestro The Jester durante la noche de Halloween, ella tendrá que ser más astuta que un asesino sobrenatural cuya magia es demasiado real y sus trucos siempre terminan en un baño de sangre.

Comentarios generales:

Hace un par de años atrás las intenciones de la primera película fueron demasiado evidentes y eso en cierto modo fue lo que la condenó al fracaso, así que cuando se dio a conocer que habría una secuela de The Jester no fueron pocos quienes se sorprendieron ante tal noticia. Sobre todo porque era claro que el personaje principal difícilmente iba a poder lograr el impacto que se tenía pensado dado a lo poco original que resultaba, aunque con The Jester 2 creo que por lo menos se logra hacerlo ligeramente más interesante.

En gran parte porque lo traído por Krawchuk ahora si se preocupa por construirle una historia al asesino que siempre lo mantenga presente en pantalla y no solo sea un mero recurso para mantener la atención del espectador cuando todo lo demás no sea lo suficientemente atractivo, incluso si eso significa no tener mucha claridad en ciertos aspectos. Llevándonos así por una primera media hora en la que es evidente que hay muchas cosas que se desarrollan de manera un tanto acelerada y eso provoca la sensación de que no se está yendo hacía a ningún lado; en especial cuando The Jester empieza con el acoso hacia Max y se nos muestran una serie de situaciones que vuelven tedioso el visionado ante lo repetitivas que resultan.

Algo que en cierta medida corrigen una vez entrado el segundo acto dado a que se nos explican las motivaciones detrás de las muertes y se establecen ciertas reglas con respecto a la dinámica que veremos de ahora en adelante. Lo cual no es que cambie de manera tan radical la experiencia pero esto por lo menos le da cierta lógica a lo que ocurre y hace que la desesperación de Max por tratar de escapar sea más interesante ante la evidente desventaja en la que se encuentra, ayudando así a que la tensión sea palpable y de a poco el ritmo se vaya estabilizando mientras se presentan algunas escenas con una buena dosis de violencia.

Todo para llegar a una parte final en la que uno más o menos puede predecir lo que ocurrirá durante un desenlace en el que, a pesar de su falta de fuerza, se logra cerrar de manera decente lo que se había planteado.

En cuanto a las actuaciones volvemos a tener a un Michael Sheffield que mantiene su carisma silencioso como The Jester y por algunos lapsos logra brindarle un aire un poco más amenazante que lo visto en la primera entrega. Mientras que Kaitlyn Trentham como su contraparte no es precisamente la más convincente, pero logra sacar adelante las escenas más relevantes.

Y en producción nuevamente podemos notar que hubo un presupuesto limitado: el trabajo de fotografía no es el más pulido, la dirección de arte es simple, el score tiene algunos buenos detalles, el trabajo de sonido cumple, los efectos no están mal y la labor de maquillaje es decente.  

Opinión final: The Jester 2 está pasable. Una ligera mejora con respecto a su predecesora para ver cualquier día que no tengan nada más que hacer.

Ojometro:
*** 

Crítica: R.L. Stine's Pumpkinhead (2025)

Película escrita y dirigida por Jem Garrard, la cual es una adaptación de la historia corta “Pumpkinhead”. Se estrenó directamente en Tubi dentro de los Estados Unidos el pasado 15 de octubre, aunque no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Cuando su hermano mayor desaparece y todos parecen haberse olvidado de su existencia, Sam (Bean Reid) tendrá que resolver un desconcertante misterio que envuelve al pueblo antes de que sea demasiado tarde.

Comentarios generales:

No cabe duda que el interés por las historias de R.L. Stine se encuentra en su punto más alto y mucho se debe a que, a diferencia de otros autores, sus obras en general se pueden considerar para todo tipo de público y esa suele ser una razón poderosa para que cualquier estudio se atreva a adaptarlas. Por eso es que no fue novedad que alguien se interesara en la colección de Nightmare Hour y mucho menos que hicieran una adaptación de Pumpkinhead, la cual es sin duda una opción más que adecuada para ver en estas fechas con la familia.

Y es que lo traído por Garrard es una historia simple con la que realmente no se necesita demasiada elaboración al momento de establecer el problema central y saber cual será rumbo que se tomará para resolverlo, lo cual hace que el primer acto realmente se trate más que nada de exponer el comportamiento rebelde de Sam y cómo básicamente él es el culpable de lo que le termina ocurriendo a su hermano. Llevándonos así por caminos comunes no tan atractivos que te hacen recordar a algunos episodios de series de los 90s gracias a su humor bobo o su tono ligero, incluso cuando se tratan de exponer situaciones que deberían de proporcionar un poco más de drama.

Siendo realmente hasta que se llega al segundo acto cuando las cosas empiezan a ponerse interesantes debido a que poco a poco se nota un mejor manejo del humor dentro de esta problemática en la que existe algo mucho más perturbador de por medio y con la se van presentando determinados sucesos que le brindan un ritmo más dinámico al filme; en especial cuando se trata de lidiar con el Espantapájaros. Quien es básicamente la única vía que existe para agregar intensidad dado a que aquí no hay sangre, ni tampoco violencia extrema, pero gracias a su peculiar forma de moverse y a la manera en la que lo usan se logra que por lo menos se sienta que los niños se encuentran en verdadero peligro ante su presencia.

Construyendo así un camino agradable rumbo a una parte final que en teoría debería de ser bastante predecible; sin embargo, es todo lo contrario dado a que se logra darle un giro efectivo a las cosas. Siempre con un marcado tinte sobrenatural que añade fuerza a un desenlace que termina siendo mucho menos feliz de lo que uno se hubiera imaginado.

En cuanto a las actuaciones hay que decir que, sin ser nada del otro mundo, todas cumplen con su propósito y logran manejar lo mejor que pueden un humor que por momentos es muy bobo. Mientras que en producción tenemos una factura cuidada: el trabajo de fotografía cumple, la dirección de arte es simple, el score tiene buenas cosas, el trabajo de sonido no tiene fallos, los efectos están bien hechos y la labor de maquillaje es limitada.

Opinión final: R.L. Stine's Pumpkinhead está entretenida. Película de corte ligero sin grandes pretensiones pare ver en maratones de Halloween. 

Ojometro:
***

Crítica: Good Boy (2025)

Película dirigida por Ben Leonberg, quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a Alex Cannon. Se estrenó en cines dentro de los Estados Unidos a inicios de octubre, mientras que en México lo hizo el día 23 del mismo mes; recaudando hasta la fecha $7.3 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

Indy es un perro fiel que se muda con su dueño a una cabaña donde descubrirá que fuerzas sobrenaturales acechan en las sombras, obligándolo a ser valiente y pelear por proteger a quien más ama.

Comentarios generales:

No recuerdo una película de terror en tiempos recientes que haya logrado hacer tanto ruido en un periodo tan corto de tiempo como ocurrió con Good Boy, ya que desde sus primeras exhibiciones en festivales solo tuvieron que pasar ocho meses para que se estrenara a nivel comercial y eso no suele ser algo tan común. Todo gracias a un original concepto que llamó poderosamente la atención por distintos motivos y con el que afortunadamente se logra ofrecer una experiencia que no solo se queda como una pintoresca curiosidad.  

Y es que Leonberg sabe cómo lidiar con una historia en la que dicho concepto es también su principal limitante dado a que tratar presentar emocionalidad por medio de un perro es complejo gracias a que no se le pueden exigir cosas que a los actores normalmente se les pide y por ello mismo mejor se opta por construir algo simple en donde la atmósfera y los sonidos serán los principales medios para ir generando incertidumbre. Todo mientras vemos el vínculo de Indy con su dueño bajo un ritmo pausado que hace del primer acto uno muy contemplativo en el que no existen demasiadas cosas memorables y ante eso podría resultar algo aburrido para algunos.

Un problema que en cierto modo se contrarresta por la propia duración de la película debido a que se tienen que establecer mayores peligros de manera rápida y en este punto básicamente se trata de poner a Indy en múltiples situaciones en las que luce indefenso, lo cual ayuda a que en todo momento se pueda obtener un ritmo ágil y unos niveles de tensión elevados para que el espectador se preocupe por su bienestar. Aunque esto siempre bajo un enfoque un tanto minimalista que no es el más benéfico al momento de desarrollar una problemática profunda, pero que en este caso hace que el aspecto sobrenatural se pueda contener en determinados detalles fundamentales y con ello ir convirtiendo de manera progresiva el tono en uno mucho más oscuro.

Brindándole así a la parte final un toque depresivo en el que la sensación de desesperanza es muy marcada y por lo mismo se puede alcanzar una intensidad que parecía complicada de obtener. Logrando un desenlace potente y sorpresivamente emocional con el que se solidifica el mensaje de que el perro siempre será el mejor amigo del hombre bajo cualquier circunstancia.

En el tema de las actuaciones evidentemente las cosas son distintas porque aquí el protagonista es un perro y no se puede analizar lo mismo que con humanos, pero la verdad es que Indy está tan bien dirigido que te encariñas demasiado con este y en todo momento tu nivel de preocupación por lo que le pueda ocurrir es muy alto. Mientras que el papel de los actores humanos es limitado en general.

Y en cuanto a producción es de un presupuesto discreto, pero bien aprovechado: el trabajo de fotografía es bastante bueno, la dirección de arte cumple, el score no está mal, el trabajo se sonido es impecable, los efectos está bien hechos y la labor de maquillaje resulta poco espectacular.

Opinión final: Good Boy me gustó. Un concepto fresco que tiene sus limitantes, pero que ofrece una experiencia difícil de ignorar.

Ojometro:
****

Crítica: Night of the Reaper (2025)

Película dirigida por Brandon Christensen (Still/Born, Superhost), quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a Ryan Christensen. Se estrenó en VOD dentro de los Estados Unidos el pasado 19 de septiembre, aunque no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Tras el brutal asesinato de una niñera adolescente, la estudiante universitaria Deena (Jessica Clement) regresa a casa durante el fin de semana para terminar en un trabajo de niñera. Aunque cuando el Sheriff local recibe evidencia de que el asesinato pudo no haber sido un hecho aislado las cosas empezarán a volverse siniestras ante el riesgo de que el asesino haya regresado.

Comentarios generales:

A pesar de que Halloween es una festividad de un solo día, lo cierto es que es la fecha que dicta el calendario del cine de terror desde prácticamente el mes de septiembre y por ello es que la abundancia que existe durante dos meses es tan marcada. Algo que sin duda es benéfico para los fans por la cantidad de oferta disponible; sin embargo, para muchas producciones puede ser un gran problema debido a que si no logran destacar durante su faceta promocional lo más probable es que pasen totalmente desapercibidas y ese ha sido el caso con Night of the Reaper.

Una película con la que Christensen no puede ocultar su inspiración en “Halloween”, pero jamás logra replicar la sensación de terror y peligro constante dentro de una historia cuyo tono es uno mucho más ligero al de la mayoría de los slasher actuales. Lo cual sin duda puede hacer que los primeros 30/35 minutos se sientan como una secuencia de acciones un tanto irrelevantes debido a que, más allá del asesinato inicial y un detalle sobre perros muertos, realmente no existe mucho que añada sustancia al misterio detrás del asesino como para que el espectador se involucre de lleno o pueda percibirlo como una amenaza de consideración ante su falta de acción constante.

Situación que tratan de tapar por medio de la investigación del Sheriff, quien es la vía para ir generando dudas con respecto a su identidad y exponer por medio de videos VHS sus actos con la esperanza de que esto agilice un poco las cosas; en especial al momento de hacer sentir que Deena está en verdadero peligro. Aunque en realidad esto no genera un cambio tan radical dado a que todo el segundo acto básicamente se sustenta en nuestra protagonista mirando pasillos oscuros o escuchando sonidos dentro de la casa para tratar de generar pequeños jump scares cuya efectividad caduca muy rápido y gracias a eso el ritmo nunca termina por ser el más agradable ante la sensación de que simplemente están alargando lo más que se pueda la revelación.

Dejando así un panorama poco alentador para una parte final que no parece tener solución, pero de manera sorpresiva se dan una serie de giros que añaden frescura y cambian el panorama de golpe. No como para solucionar todos los problemas previos, más si logran que con esto que el cierre tenga un mayor impacto y le dé sentido a ciertas cuestiones que eran poco claras.

Las actuaciones no son las más espectaculares, aunque Jessica Clement creo que hace un trabajo correcto con un personaje que no le exige demasiado. Mientras que en producción se nota un presupuesto discreto: el trabajo de fotografía cumple, la dirección de arte no es la gran cosa, el score resulta agradable, el trabajo de sonido es limpio, los efectos son de buena calidad y la labor de maquillaje simple.

Opinión final: Night of the Reaper está ok. Película cuya parte final la salva de la total intrascendencia.

Ojometro:
***

Crítica: Black Phone 2 (2025)

Secuela dirigida por Scott Derrickson (Sinister, The Black Phone), quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a C. Robert Cargill. Se estrenó en cines dentro de México y los Estados Unidos los pasados 16 y 17 de octubre; recaudando hasta la fecha $42 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

Cuatro años después de que Finn (Mason Thames) matara a The Grabber, su hermana empieza recibir llamadas dentro de sus sueños por medio del teléfono negro. Obligándola a tener visiones aterradoras de tres niños siendo perseguidos en un campamento conocido como Alpine Lake. 

Comentarios generales:

Cuando empezaron a salir rumores sobre una posible secuela de “The Black Phone” me costó trabajo asimilarlo porque honestamente parecía que esa historia estaba totalmente cerrada, pero en el cine de terror sabemos que eso no importa demasiado y de a poco empecé a tener curiosidad por ver cuál era el plan para darle continuidad. Algo que sin duda podía resultar en cualquier cosa; sin embargo, para nuestra fortuna Black Phone 2 logra ser una secuela por demás funcional que logra tener su propia identidad.

Y es que lo traído por Derrickson es algo muy diferente a la primera entrega y eso ayuda muchísimo a que la historia pueda tomarse ciertas libertades al momento de explotar las visiones de Gwen, así como en poder justificar la presencia de The Grabber tras su muerte. Provocando con esto que el aspecto sobrenatural sea todavía más importante desde un inicio y durante la primera media hora este se pueda combinar con el impacto emocional que tuvo en Finney lo ocurrido cuatro años atrás para mantener siempre un tono un tanto depresivo que conlleva utilizar un ritmo pausado que por momentos resulta frustrante.

Aunque esto en ningún momento afecta de gran manera el visionado debido a que el director sabe perfectamente en qué momentos mostrar situaciones perturbadoras con las cuales se pueda ir subiendo de a poco el nivel de intensidad, sobre todo cuando se trata de establecer que ahora es Gwen la que se encuentra en peligro y los medios por los cuales The Grabber pretende hacerle daño. Algo que ciertamente raya en terrenos muy tipo “A Nightmare on Elm Street”, pero gracias a este nuevo enfoque se logran construir algunas escenas potentes en las que no solo se apuesta por lo visual, sino también en tratar de volver el conflicto todavía más personal por medio de una revelación importante.

Dejándonos así una parte final en la que la sensación de riesgo es muy fuerte ante la ventaja que tiene el asesino y que sirve para darle cierta dosis de espectacularidad a un desenlace en el que, con excepción de algunos detalles que se sienten un poco forzados, siempre maneja un ritmo ágil y un nivel de violencia considerable que ayuda a que el cierre sea convincente y tal vez definitivo.

Las actuaciones no varían demasiado con respecto a lo que vimos en la primera película debido a que Mason Thames (Finney) y Madeleine McGraw (Gwen) mantienen su química fraternal intacta, aunque está última logra destacar un poco más dado a que la historia se centra principalmente en su personaje. Mientras que Ethan Hawke como The Grabber sigue haciendo un trabajo increíble, ya que es sumamente intimidante y logra reflejar muchísima maldad a pesar de que su tiempo en pantalla es mucho menor en esta ocasión.

Y en cuanto a producción, la factura es de primer nivel: el trabajo de fotografía es muy bueno, la dirección de arte cumple, el score es un gran complemento, el trabajo de sonido impecable, los efectos son sólidos y la labor de maquillaje es sumamente efectiva.

Opinión final: Black Phone 2 me gustó. Secuela sólida que no está al nivel de la original, pero que ayuda a posicionar a The Grabber en la cultura popular.  

Ojometro:
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Crítica: Please Don’t Feed the Children (2025)

Película dirigida por Destry Allyn Spielberg y escrita por Paul Bertino. Se estrenó directamente en Tubi dentro de los Estados Unidos el pasado 27 de junio, aunque todavía no hay información sobre si saldrá en formato físico.

Sinopsis:

Un grupo de huérfanos viaja hacia el sur con la esperanza de tener una nueva vida después de que un virus mortal diezmara a la población adulta del país y culparan a los niños por esparcirlo. Aunque esto los pondrá a merced de una mujer psicótica que oculta un peligroso secreto.  

Comentarios generales:

Tener el apellido de uno de los directores más importantes e influyentes de todos los tiempos seguramente te puede abrir muchas puertas que otros difícilmente podrían alcanzar, pero también es cierto que esto puede llegar a ser un arma de doble filo por distintos motivos. Entre los cuales se encuentran los reflectores que trae consigo dicho vinculo dado a que le da mayor exposición a proyectos que tal vez no tenían aspiraciones tan grandes y sin duda Please Don’t Feed the Children se ha visto afectada por eso.

Ya que lo presentado por Destry Allyn Spielberg es una historia apocalíptica zombie que, salvo por su introducción, realmente no se siente como si fuera una debido a que rápidamente opta por reducir su escala a un grupo de niños con los que de manera muy vaga trata de exponer lo infernal que se ha vuelto su vida gracias a los prejuicios de los adultos. Algo que en teoría no está mal, sin embargo, la manera en la que se desarrolla este tema es demasiado acelerado y prácticamente no existe nada que te haga interesarte demasiado en ellos como para que su situación apremiante genere niveles de tensión altos una vez que llegan a la casa de Clara.

Un personaje que cuando aparece en pantalla asume el control total de las acciones y básicamente la película se empieza a centrar en ella, lo cual significa un cambio tanto en el ritmo como en la propia trama dado a que no solo el tema apocalíptico queda en un plano muy secundario, sino que además ahora el enfoque está más en saber qué diablos es lo que hay detrás de su locura. Siendo esto un aspecto que vuelve muy inconsistente el desarrollo dado a que no saben realmente hacía donde dirigir la atención del espectador, volviendo complicado el poder construir momentos tensos efectivos y con ello básicamente esperar a que sea la parte final la pueda sacar esto adelante.

Sobre todo porque por fin se puede utilizar el tema zombie y eso de manera inmediata proporciona el shock suficiente para que el desenlace tenga un poco más de intensidad. Aunque la verdad tampoco hace mucha diferencia debido a que el desenlace, a pesar de que tiene una carga emocional decente, simplemente te deja con una sensación de indiferencia muy marcada.

En cuanto a las actuaciones, quien se lleva todos los reflectores es Michelle Dockery (Clara) gracias a un personaje que combina de buena manera la locura con la crueldad al momento de lidiar con los niños. Mientras que el elenco “infantil” y Giancarlo Esposito (Fitz) están correctos en lo que cada uno tiene que hacer.

Y del lado de la producción, sin duda es donde se ven sus mayores fortalezas: el trabajo de fotografía es bastante bueno, la dirección de arte resulta competente, el score cumple, el trabajo de sonido es limpio, los efectos en general son discretos y la labor de maquillaje efectiva.

Opinión final: Please Don’t Feed the Children es decepcionante. Película con alguna que otra cosa interesante que terminará en el olvido.

Ojometro:
**

Crítica: Clown in a Cornfield (2025)

Película dirigida por Eli Craig (Tucker & Dale vs. Evil), quien comparte créditos como co-escritor del guión junto a Carter Blanchard. Se estrenó en cines y VOD dentro de los Estados Unidos durante el mes de mayo, mientras que hizo lo propio en México el pasado 9 de octubre.

Sinopsis:

Quinn (Katie Douglas) se muda junto a su padre al pueblo de Kettle Springs. Un lugar en decadencia tras el incendio de la fábrica de jarabe de maíz Baypen, cuya mascota es un payaso llamado Frendo que parece tener un problema con los adolescentes del pueblo.

Comentarios generales:

La verdad no tenía conocimiento de que Clown in a Cornfield estaba basada en un libro, así que mi primer pensamiento al ver el trailer fue que era solo otro intento por popularizar a un nuevo payaso salvaje como el ya muchas mencionado Art the Clown. Algo que se magnificó cuando se hizo mucho énfasis en su nivel de brutalidad como uno de sus puntos fuertes, pero la realidad es que se trata de una película un poco distinta a lo que pensaba.

Lo cual durante su primera media hora puede ser difícil de creer debido a que lo presentado por Craig sigue la clásica fórmula slasher al pie de la letra, sin exponer de manera tan constante a Frendo y centrándose plenamente en la nueva vida de Quinn. Una que muestra todos los estereotipos adolescentes esperados que hacen medio aburrida la experiencia en este punto al poder visualizar paso por paso los problemas en las que se meterá nuestra protagonista, aunque también es importante señalar que de manera sutil se va estableciendo un aspecto fundamental para el desarrollo dentro de la propia dinámica del pueblo.

Dejándonos así ante una historia que avanza a un ritmo poco atractivo y que no es sino hasta que el payaso empieza con su matanza cuando mejora debido a que por fin vemos algo de la brutalidad que tanto se nos vendió para ir construyendo el camino de una masacre entretenida, siendo esto precisamente lo que se da. Sin embargo, también es a partir de esta situación cuando se nos revela cierto detalle con Frendo que cambia por completo las cosas y convierte lo que era un simple slasher en algo de una escala un poco más amplia donde no es que sea tan complicado descifrar lo que ocurre, pero sin duda este ligero cambio hace que uno como espectador pueda tolerar ciertas cosas como el humor pobre o la falta de muertes memorables.

Principalmente durante una parte final en la que la gran revelación no es tan apantallante y no se sabe cómo redondear el conflicto generacional. Ocasionando así que el desenlace sea eficiente en cuanto al nivel de violencia, pero te deje con ciertas sensaciones de que lo ocurrido realmente no tuvo grandes consecuencias.

En lo que respecta a las actuaciones hay que decir que Katie Douglas está correcta en su papel de adolescente rebelde con absolutamente todos los clichés que uno podría imaginar para este tipo de personaje. Mientras que el resto del elenco raya entre lo aceptable y lo caricaturesco gran parte del tiempo, aunque sin que ninguno termine afectando las cosas de gran manera.

Mientras que en producción contamos con una buena factura: el trabajo fotografía es sólido, la dirección de arte no es muy llamativa, el score está ok, el trabajo de sonido es limpio, los efectos son de buena calidad y la labor de maquillaje cumple.

Opinión final: Clown in a Cornfield está entretenida. Slasher un tanto diferente a lo esperado para pasar el rato.

Ojometro:
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