sábado, 31 de mayo de 2014

Crítica: Las brujas de Zugarramurdi (2014)

Película dirigida por Álex de la Iglesia, quien además es co-escritor de la misma junto con Jorge Guerricaechevarría. Se estrenó en cines a finales del año pasado en España y aquí en México llegó a inicios del 2014; mientras que en Estados Unidos solo ha estado disponible en festivales.

Sinopsis:

Después de robar una casa de empeño, José (Hugo Silva) y Antonio (Mario Casas) huyen de las autoridades por medio de un taxi ocupado. Su plan es cruzar la frontera hasta Francia, pero en el camino llegan al pueblo de Zugarramurdi; donde se toparán con una familia de brujas que los esperan como parte de una festividad en la cual ellos forman parte del banquete.

Comentarios generales:

Mentiría si dijera que soy gran fan del director vasco, casi todas sus películas terminan teniendo algunos detalles que por lo regular hacen que su filmografía no me entusiasme demasiado y cuando me entere de este proyecto la verdad no esperaba mucho. Era como lanzar una moneda al aire y por ello la vi con mucho escepticismo; sin embargo, el resultado en esta ocasión fue totalmente opuesto a lo que esperaba.

Esto gracias a que en Las brujas de Zugarramurdi vemos el regreso de De la Iglesia a sus raíces o, al menos, donde recobra el espíritu de sus primeros filmes al combinar de manera más que acertada humor, terror y espectacularidad. Brindándonos así un trabajo en el cual desde la primera escena nos envuelve dentro de un ritmo frenético como pocos para no soltarnos, generando así unos primeros 30/40 minutos de primer nivel llenos de comedia en donde no solo se limita a provocarnos risas mediante diálogos, sino también por medio de algunas imágenes que quedarán grabadas en la cabeza del espectador por un lapso de tiempo importante (acuérdense de esto: Bob Esponja).

Después viene la aparición de las brujas, entrando así al terreno del terror, pero sin dejar de lado lo cómico. Sin duda otra parte caótica esta del aquelarre, llena de la acción necesaria que como dicen los gringos esta over the top, pero cuyo propósito es ese mismo para seguir golpeándote con el dinamismo y no dejarte descansar ni un solo minuto; añadiéndole elementos que profundizan mucho más las acciones “oscuras” de las brujas sin ningún tipo de complejos. Aunque también cuenta con un pequeño punto bajo al presentar un romance construido en no más de cinco minutos.

El otro momento en donde flaquea un poco es durante la parte final, lo cual no es nada nuevo en las películas del director. Y no es que le baje muchos puntos, pero aquí es cuando la locura me parece que se desborda y no saben cómo controlarla del todo; generando así una sobre saturación importante de situaciones que no terminan por acoplarse de manera fluida.

A nivel actoral es bastante buena, tiene un casting amplio y de primer nivel con algunos actores que se salen por completo de lo que nos tienen acostumbrado con resultados muy positivos; así como un trió conformado por Carmen Maura, Terele Pávez y Carolina Bang (ah, la sexy Carolina Bang) con una química muy disfrutable. En el lado de la producción tiene una nota alta: el trabajo de fotografía es muy bueno, la dirección de arte es excelente, el trabajo de sonido esta ok, el score es atrapante y las caracterizaciones, si bien no son espectaculares, si son sólidas. Lo único no tan convincente son algunos efectos especiales en la parte final.

Opinión final: Las brujas de Zugarramurdi no creo que sea para todo el mundo, pero yo la encontré muy divertida de principio a fin. Bastante recomendable.

Ojometro:
*****

jueves, 29 de mayo de 2014

Crítica: Motel Hell (1980)

Película dirigida por Kevin Connor (The House Where Evil Dwells) y escrita por Robert & Steven-Charles Jaffe. Se estrenó en 1980 logrando una decente recaudación en taquilla de un poco más de 6 millones de dólares y actualmente se puede conseguir en un DVD que MGM lanzó en el 2002 como parte de sus paquetes de Midnite Movies, aunque a partir de agosto de este año estará disponible en Blu-ray gracias a Scream Factory.

Sinopsis:

Vincent Smith (Rory Calhoun) y su hermana Ida (Nancy Parsons) viven en una granja que además cuenta con un hotel. Sin embargo, su principal fuente de ingresos es la carne ahumada que este vende y que es considerada la más deliciosa del área; cuyo ingrediente secreto es carne humana.

Comentarios generales:

1980 es un año particularmente interesante dentro del género gracias a que es sin duda la etapa transición entre la creatividad de los 70s y la sobre explotación de los 80s, lo cual hace que de este veamos algunos trabajos con un sello muy particular que difícilmente pudo ser replicado en los años posteriores y Motel Hell es tal vez uno de los ejemplos más claros de esto.

Es obvio que en parte está inspirada en TCM, pero lo que nos trae Connor no podría estar más alejado del clásico del 74 y genera su propio sello personal dentro del mundo del canibalismo con una historia ciertamente más ligera en la forma de presentárnosla, siendo más una sátira; donde el punto central es la carne humana claro, pero en lugar de darnos una perspectiva un tanto grotesca o perturbadora opta por tomar un camino un poco más chusco o cuasi inocente con los personajes pueblerinos. Un aspecto que sin duda le quita impacto visual a la película, pero por otra parte logra brindarle una sensación de locura bastante peculiar al añadirle una frialdad a los actos de los asesinos que está justificada en una creencia meramente personal de su parte, la cual además se ve amplificada con los extraños métodos de preparación de la carne ahumada.

Y es que si uno se pone a analizar a detalle ciertamente no encontrará muchas cosas aterradoras; de hecho, el guión en general es bastante pobre, muy básico y los eventos poco a poco se tornan repetitivos, pero es precisamente esa simpleza la que, junto con el tono alegre de dos caníbales que se la pasan sonriendo todo el tiempo, le dan un toque distinto. Además de que su ritmo es lo suficientemente fluido como para poder soportar algunas escenas que se sienten forzadas.

El final es por mucho la parte más intensa de todas. Se podría decir que es lo que más se acopla a los estándares actuales al mostrar una pelea con sierras o un momento que quiere representar cierta esencia “zombie” a su modo.

Calhoun y Parsons están realmente geniales en sus roles, te los crees por completo y eso mismo hace que el resto del elenco quede en un segundo plano. La producción es decente; aparentemente su presupuesto fue de unos tres millones de dólares, pero incluso se nota mucho más modesta: gran parte esta filmada en exteriores, casi no hay trabajo de maquillaje y los efectos son muy básicos. Aunque debo de decir que está bastante bien ambientada, la dirección de arte cumple a la perfección su cometido.

Opinión final: Motel Hell es una película que deben de ver al menos una vez. Especialmente si están interesados en la evolución del género dentro de una etapa tan importante.

Ojometro:
*** 

miércoles, 28 de mayo de 2014

Trailer: The Strain (FX)

Después de varios teasers que estuvieron siendo presentados en los últimos meses, por fin el día de hoy se dio a conocer el primer tráiler oficial de la serie de FX, The Strain. La esperada serie producida por Guillermo del Toro que es una adaptación del primer libro de la “Trilogía de la Oscuridad” que él mismo escribió en colaboración con Chuck Hogan.

La serie contará con la participación de Corey Stoll, David Bradley, Kevin Durand, Robert Maillet, y Mia Maestro.

De momento solo se conoce su fecha de estreno para los Estados Unidos, que será el próximo 13 de julio. Para otros mercados aún no se informa nada, aunque no sería extraño que tenga un estreno simultaneo en Latinoamérica. 


lunes, 26 de mayo de 2014

Crítica: Patrick: Evil Awakens (2014)

Remake de la película de 1978 que significa el primer largometraje para el director Mark Hartley y del guionista Justin King. Se estrenó a finales del año pasado en Australia, pero de este lado salió tanto en cines como en VOD dentro de los Estados Unidos durante el mes de marzo.

Sinopsis:

En el cuarto numero 15 de la Clínica Roget yace Patrick, un asesino en estado de coma por muerte cerebral que es sujeto de pruebas para el doctor Roget (Charles Dance). A nadie le importa lo que hagan con él, esto hasta que una nueva enfermera de nombre Kathy (Sharni Vinson) entabla comunicación con este por medio de sus poderes psíquicos, generando así una extraña afección muy peligrosa.

Comentarios generales:

Cuando supe de este remake la verdad no sabía que pensar, ya que la original no es que sea precisamente recordada por las masas, sino más bien por un pequeño (y fiel) grupo de fans; lo cual básicamente lo convierte en uno que a la gente realmente no le importa demasiado. Aunque igualmente esto mismo hace que su camino por el cruel mundo de los remakes sea mucho más ligero, brindándole así un margen de maniobra interesante para permitirse ciertas libertades sin ser tan cuestionada.

Hartley y King lo que nos ofrecen con Patrick en general no creo que genere gran malestar, de hecho, creo que muchos quedarán satisfechos por algunos pequeños homenajes que le hacen a la original; sin embargo, a mi me quedó la sensación de que vi dos películas distintas en los poco mas de 90 minutos que dura.

Ya que la primera mitad se sustenta en gran parte por generar una atmósfera idónea para esta historia y en un casi perfecto timing al ir mostrando pequeños sucesos claves con un ritmo pausado que permite involucrarte de manera mucho más directa con los personajes y, además, envolverte de tal manera para que caigas en varios sustos a la vieja escuela. Básicamente sin mostrar mucho logran crear un pequeño e intimo drama con dosis de tensión muy altas que parecen prepararte para algo bastante importante del lado psicológico.

Lamentablemente ese “algo” no se da, ya que la segunda mitad en gran medida destruye todo lo construido y prefiere irse por un lado mucho más extremo con las habilidades psíquicas de Patrick; generando así algunos momentos que caen mas en lo cómico sin realmente pretender que sea así. Además se sigue sin poder explicar de manera decente el por qué de las habilidades de este, situación que tal vez para quienes vieron la original no sea problema, pero si eres de los que solo tienen conocimiento del remake probablemente quieras saber más al respecto.

El final está entretenido. Es una buena resolución al conflicto entre los personajes principales con varias dosis de sangre y brutalidad, aunque definitivamente puede que a muchos les resulte muy exagerado.

En las actuaciones Sharni Vinson sigue consolidándose como una futura Scream Queen, aunque por momentos es complicado creerle en papeles un poco más dulces; mientras que Charles Dance tiene una presencia enorme y Rachel Griffiths muestra una frialdad poco vista en ella. La producción está bastante bien: el trabajo de fotografía es muy bueno, parte fundamental para poder crear una atmósfera tan íntima y un aspecto visual atrapante; la dirección de arte está ok, el score combina modernidad con estilos clásicos y el maquillaje funciona en un porcentaje elevado. Mi único problema fueron los efectos especiales, algunos lucen algo pobres (en especial la escena del automóvil y el barranco).

Opinión final: Patrick está ok. No es de los mejores remakes que se han hecho, pero tampoco es una aberración.

Ojometro:
***

viernes, 23 de mayo de 2014

Crítica: The Borderlands (2014)

Película escrita y dirigida por Elliot Goldner, quien hace su debut dentro del género. Se estrenó de manera limitada en cines dentro del Reino Unido durante el pasado mes de marzo y posteriormente en abril salió directamente en DVD.

Sinopsis:

Un equipo de investigadores es enviado por el Vaticano a realizar una investigación sobre actividad paranormal reportada en una remota iglesia localizada en el suroeste de Inglaterra. Al inicio parece que todo es un simple invento por parte del sacerdote encargado del lugar, pero pronto las cosas se tornaran mucho más siniestras.



Comentarios generales:

Así es, otro found footage de actividad paranormal que involucra temas religiosos.

Aunque para ser sinceros The Borderlands es tal vez uno de los trabajos que menos me ha aburrido de dicho formato en un buen rato, especialmente porque Goldner sabe perfectamente cómo jugar con las limitaciones del guion y gracias a ello nos brinda un mucho mejor desarrollo de los personajes, así como un seguimiento de la historia mucho más pausado, que permite al espectador en cierta forma involucrarse de manera profunda con quienes están frente y detrás de la cámara; una situación poco común dentro del found footage, donde por lo general la mayoría espera con ansia que todos mueran lo antes posible dado a lo poco que se sabe o puede ver de ellos.

Aunque esto evidentemente provoca que gran parte de la película sea pesada y en general con muy pocos sustos (los cuales además están muy distanciados unos de otros); una situación que juega en su contra al momento de querer generar algo de tensión. Ya que si bien la atmósfera que se logra construir es bastante sólida, esta termina importando poco ante el impacto sumamente ligero (son por medio de trucos muy baratos y repetitivos) que aportan los contados momentos diseñados para estremecer al espectador. Quien además podría llegar sumamente fastidiado a cada uno de estos gracias a un manejo de la cámara un tanto desesperante.

El final es por mucho lo mejor. Los últimos 10/15 minutos parecen de una película completamente diferente: son bizarros, de auténtico terror y que además logran generar una sensación de claustrofobia bastante fuerte.

En cuanto a las actuaciones debo de decir que Gordon Kennedy (Deacon) y Robin Hill (Gray) tienen una buena química; este último puede llegar a ser fastidioso por algunos momentos pero Kennedy es un buen contrapeso que lo mantiene en línea. La producción es en extremo austera, realmente lo único más o menos destacado son una decente fotografía y un buen trabajo de sonido.

Opinión final: The Borderlands es un found footage ligeramente decente, aunque nada que revolucione al formato.

Ojometro:
***

jueves, 22 de mayo de 2014

Crítica: Mr. Jones (2014)

Película escrita y dirigida por el debutante Karl Mueller. Se estrenó el pasado 2 de mayo de manera limitada en cines dentro de los Estados Unidos y días después salió directamente en formato físico.
 
Sinopsis:

Scott (Jon Foster) es un cineasta en busca de inspiración y para encontrarla se muda junto con su novia a una casa en medio del bosque. Ya estando ahí descubren que su vecino es Mr. Jones, un elusivo personaje que es conocido en todo el mundo por sus perturbadoras esculturas, a quien ven como su nuevo proyecto y se comprometen a investigarlo; sin saber que eso puede tener aterradoras consecuencias.


Comentarios generales:

He aquí otra película que me es complicado clasificarla como 100% de terror; incluso me es complicado el poder clasificarla como found footage cuando supuestamente esta realizada bajo dicho formato. Creo que más que nada se podrá decir que es una combinación entre Exit Through the Gift Shop con cualquier otro trabajo de dicho subgénero sobre leyendas urbanas.

En Mr. Jones lo que Mueller nos ofrece es una forma innovadora de presentar el formato found footage, aunque sin mostrar realmente mucho convencimiento por contarnos una historia que nos termine dejando lo suficientemente satisfechos o, por lo menos, con una idea clara sobre lo que trató. Ya que su primera mitad te conduce por un camino de falso documental con algo de investigación y misterio combinado con cosas ocultas que de alguno u otro modo logran engancharte sin gran esfuerzo a pesar de que no ocurre mucho en pantalla y que el implemento de la cámara es exageradamente incomodo, pero una vez que se pasa este periodo las cosas dejan de tener sentido.

De pronto la película se convierte en un ejercicio de experimentación tanto a nivel de dirección como a nivel de historia, ocasionando así que se vuelva un desastre prácticamente imposible de seguir gracias a no solo todo el aspecto psicológico establecido que juega con la realidad y las pesadillas, sino que además los cortes rápidos de toma, la iluminación y diferentes técnicas implementadas por el director hacen incluso mucho más incomoda la ya de por si caótica experiencia visual. A esto también hay que añadirle el hecho de que el personaje central, que es Mr. Jones, termina siendo un simple personaje secundario (casi casi un extra) cuyo misterio bien construido desaparece por completo.

El final afortunadamente logra explicar ciertas cosas, pero no es lo suficientemente sólido como para poder rescatar todo el sinsentido previo.

Actoralmente no tiene mucho; realmente son Foster y Sarah Jones los que cargan un 95% de la película y el formato no les permite mostrar demasiado, salvo unas expresiones bastante exageradas. En producción debo de decir que la edición, en su afán por querer hacer esto mucho más dinámico y caótico, termina frustrándote; el trabajo de fotografía está ok y la dirección de arte es bastante buena: tétrica, especialmente cuando se muestran las esculturas.

Opinión final: Mr. Jones me decepcionó bastante. Es más estilo que contenido, lo cual puede ser atractivo para muchos, pero conmigo nada mas no funcionó.

Ojometro:
**

domingo, 18 de mayo de 2014

Crítica: The Sacrament (2014)

Película escrita, dirigida y editada por Ti West, quien además es uno de los tantos productores junto a Eli Roth. Se estrenó el pasado 1 de mayo vía iTunes y VOD, mientras que su salida en cines dentro de los Estados Unidos se dará de manera limitada durante el mes de junio.

Sinopsis:

Un fotógrafo viaja junto con un par de colegas a una comunidad remota de nombre Eden Parish, lugar donde su hermana lleva viviendo desde que dejó su rehabilitación. Estando ahí empiezan a documentar todo y parece que han encontrado un lugar utópico dirigido por un peculiar personaje a quien llaman “Father” (Gene Jones), pero pronto descubrirán que eso es solo una fachada que oculta algo mucho más siniestro.

Comentarios generales:

Ti West debe de ser uno de los directores más peculiares del género actualmente, esto debido a que su estilo por lo general reta en demasía la paciencia del espectador y eso lo ha convertido en una figura que polariza a los fans. Una situación que no cambiara mucho después de que vean este trabajo.

Es muy evidente que The Sacrament en un 95% está basada en la masacre de Jonestown, ya que por más que se esfuercen en decir que toma elementos de diversos sucesos de la vida real el parecido con lo ocurrido en los 70s es difícil de ocultar. Eso mismo es lo que le brinda una atmósfera muy realista y a su modo perturbadora, la cual el propio West se encarga de volver mucho más complicada de digerir al, una vez más, regalarnos una introducción sumamente lenta que nos presenta un escenario en teoría alegre, pero que nunca deja de reflejar cierta sensación de tristeza y un terror un poco diferente. Todo bajo un formato de found footage (que por momentos tiene algunas tomas imposibles para un falso documental) cuyo buen uso convierte la experiencia en una mucho mas inmersiva.

Y es que desde el primer momento en que se llega a Eden Parish se puede palpar una tensión inusual, la cual va incrementando poco a poco hasta llegar a niveles realmente altos justo cuando hace su aparición el líder. No es nada visualmente impactante, violento o sangriento, pero aun así dicha tensión es bastante notoria y sabes que tarde o temprano explotará con algo verdaderamente loco.

Aunque particularmente me pareció un tanto decepcionante que una vez que aparece dicho personaje no le den mayor seguimiento y limiten su tiempo en pantalla porque eso termina afectando mucho a la conclusión; sobre todo al momento de tratar de armar un motivo lo suficientemente convincente para justificar lo que hace. Al final sus creencias o convicciones por tener una sociedad totalmente alejada y posteriormente acabar con ella nunca son realmente tratadas de manera profunda, lo cual creo que se pudo haber hecho tomando en cuenta que no era un trabajo cuyo propósito fuera explicar al 100% lo que paso en Jonestown.

Los minutos finales son desgarradores, difíciles de presenciar. Especialmente porque uno sabe que eso ocurrió.

En actuaciones está bastante bien: Jones tiene una presencia enorme a pesar de que aparece poco en pantalla, Amy Seimetz como Caroline ofrece la locura necesaria y en general el resto del elenco cumple. En producción diría que lo más llamativo es el trabajo de fotografía y sobre todo el score; el cual es fundamental principalmente al momento de brindarle un mayor peso a la terrible conclusión.

Opinión final: The Sacrament no es una película para todo el mundo. Si eres de aquellos que están atados a los convencionalismos del cine de terror la odiaras, pero si eres de los que busca un poco más allá de pura violencia seguro la disfrutaras.

Ojometro:
****

sábado, 17 de mayo de 2014

Crítica: Compound Fracture (2014)

Película dirigida por Anthony J. Rickert-Epstein y escrita por la dupla Renae Geerlings / Tyler Mane, quienes además son los protagonistas. Se estrenó apenas el pasado martes 13 de mayo dentro de los Estados Unidos en DVD y VOD.

Sinopsis:

Michael (Mane) dejó su casa cuando era un adolescente y nunca regresó, pero después de la muerte de su hermana decide visitar a su excéntrico padre junto con su prometida y su sobrino. Ya estando ahí nota que las cosas están mucho más extrañas de lo normal, lo cual asume que es gracias a la condición de su padre, pero pronto comprenderán que algo siniestro rodea a la familia.


Comentarios generales:

Ciertamente fue extraño enterarme que Tyler Mane protagonizaría una película, ya que hasta el momento solo lo habíamos visto en roles secundarios y como Michael Myers en las versiones de Rob Zombie. Aunque no era solo eso, sino que el hecho de que él y su esposa fueran los creadores/productores por un momento me hizo pensar que el único propósito de este trabajo era glorificar a ambos, pero no es así.

En Compound Fracture podemos presenciar una historia que mezcla horror con eventos paranormales (y otras cosas), aunque en realidad es la habilidad de Rickert-Epstein lo que verdaderamente la convierte en algo mucho más interesante debido a que utiliza diferentes tipos de cámaras para reflejar una mayor intimidad, pero también para generar con ello la sensación de que el peligro no solo se encuentra dentro de la propia casa, sino fuera de esta por igual; siempre con un balance idóneo para que no afecte el desarrollo de los eventos y no se convierta en una cuasi found footage. Cosa que es vital si tomamos en cuenta que los primeros 30 minutos son bastante pesados y gracias a la dinámica que le brinda el constante cambio de tomas es que se puede soportar de mucho mejor manera este lapso.

Dejando las habilidades del director de lado, esta película se queda en medio de la línea de ser un trabajo aceptable y uno decepcionante; especialmente porque se toma demasiado tiempo en ir construyendo algo para apartarse por completo de lo convencional y de alguna u otra forma siempre regresa a los escenarios conocidos, aunque por medio de explicaciones complejas. Lo cual no está mal, pero esto provoca que nunca terminen por encajar todas las ideas y justo cuando empieza lo más emocionante uno realmente no sabe bien qué diablos está pasando debido a que la construcción del suspenso hasta ese punto fue muy débil como para poder identificar si se trataba de un trabajo plenamente de fantasmas, de invasión, algún tipo de slasher mal construido o una mezcla de todo.

Los 20 minutos finales son bastante buenos; de hecho, son en gran medida lo que la salvan. Hay sangre, mejores explicaciones (aunque algo forzadas) y sobre todo, una pelea entre dos tipos que han significado bastante para el género en los últimos años y que seguramente más de uno quería ver.

Las actuaciones debo de decir que están bastante bien: Mane demuestra que puede ser algo mucho más que simplemente un tipo enorme con súper fuerza, mientras que Muse Watson es un buen contrapeso (aunque el actor que representa al sobrino me parece que queda a deber). En producción se nota que es muy austera; por ahí tiene una buena dirección de arte llena de símbolos y efectos correctos que no necesitan de muchísimo trabajo, pero no hay mucho más.   
Opinión final: Compound Fracture no está mal para ser un trabajo independiente, pero tiene muchos detalles que no le permiten ser algo más.

Ojometro:
***

miércoles, 14 de mayo de 2014

Crítica: The Quiet Ones (2014)

Nueva producción de los estudios Hammer dirigida y co-escrita por John Pogue (Quarantine 2: Terminal). Se estrenó tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos durante el pasado mes de abril; mientras que aquí en México recién se estrenó el 9 de mayo. Hasta el momento ha recaudado $9.2 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.

Sinopsis:

En la década de los 70s el profesor de la universidad de Oxford, Joseph Coupland (Jared Harris), reúne a un pequeño equipo de estudiantes para llevar a cabo un experimento en una joven de nombre Jane (Olivia Cooke). Al inicio todo es con meros propósitos científicos, pero con el paso de los días descubrirán que hay algo mucho más diabólico detrás.


Comentarios generales:

La película está basada en supuestos hechos reales, así que después de investigar un poco descubrí que esto es en parte cierto debido a que toma como base un experimento (Philip Experiment) realizado en Canadá durante la década de los 70s. Al saber esto mi nivel de intriga se elevó bastante, por lo que fui al cine esperando ver un trabajo de gran nivel considerando el estudio que tenia detrás; aunque el resultado fue un tanto decepcionante.

The Quiet Ones no es mala, pero todo el tiempo me dejó la sensación de que estaban mucho más preocupados por querer replicar la estética que hizo tan famosas a las películas de los estudios Hammer que por tratar de explotar de buena manera una fórmula que está más que comprobado que si es bien manejada puede brindar grandes resultados. Ya que Pogue en general solo se limita a ir alargando de manera correcta el desarrollo de los personajes sin mostrar mucho interés por pisar el acelerador, lo cual hace que la historia fluya de manera sumamente lenta y sin realmente nada destacable; una situación que encaja con el lado “científico” que pretenden manejar, pero que la torna bastante repetitiva en muchas de las situaciones con más importancia.

Además le hace falta fuerza, casi todo lo manejan por medio de sustos fáciles que se sobre explotan y que van perdiendo impacto con el paso de los minutos gracias a que logras identificar los momentos exactos en los que ocurrirán. Aunque tampoco puedo decir que no tenga cosas que valgan la pena: las sesiones con Jane logran generar una atmósfera bastante aterradora y esa mezcla científico-paranormal te mantiene atento gran parte del tiempo ante la duda razonable sobre qué camino tomaran para terminar de explicarte lo que estás viendo.

El final es entretenido, especialmente porque se sale un poco de la tónica general. Le dan un giro que no pude evitar pensar que se siente fuera de lugar, pero después de analizarlo me convencí de que era la manera más correcta para brindarle un desenlace potente a una historia que hasta un poco antes de los 20 minutos finales no parecía llevarte a ningún lado.

Las actuaciones diría que están normalitas, nadie resalta por encima del resto. La producción si es de aplaudir: el trabajo de fotografía es bastante bueno tanto en interiores como en exteriores, la dirección de arte está bien cuidada y el trabajo de sonido resalta muchas cosas que pasarían desapercibidas si no fuera efectivo. Aunque en cuestión de efectos y maquillaje es muy básica.

Opinión final: The Quiet Ones es un débil intento de los estudios Hammer por recuperar su gloria. Tiene algunos destellos de brillantez, pero no son suficientes.

Ojometro:
*** 

martes, 13 de mayo de 2014

Penny Dreadful: ¿La nueva gran joya del género en la TV?



Para nadie es un secreto que actualmente el género de terror vive un tipo de época dorada en la pantalla chica y el 2014 pintaba para ser uno de los años más fuertes en cuanto a la producción de nuevos shows con trabajos como The Strain de FX, Scream de MTV (todavía pendiente su confirmación), From Dusk till Dawn: The Series de Netflix o Rosemary's Baby de NBC. Sin embargo, dentro de todas estas propuestas había una que resaltaba sobre el resto gracias a su peculiar concepto, su estilo visual y el canal que la producía: me refiero a Penny Dreadful de Showtime.

La serie que recién se estrenó este pasado domingo 11 de mayo sin duda es, junto con The Strain, el proyecto más ambicioso que tendremos durante este año y después de ver el primer episodio sin duda alguna puedo decir que, tal vez, estemos ante la nueva gran joya del género en la TV. Especialmente porque el concepto que maneja es sumamente atractivo para una época en donde las figuras clásicas del terror cada vez están más alejadas de sus orígenes y porque el hecho de utilizar obras del dominio público abre el abanico de posibilidades de manera muy importante en dado caso de que la serie tenga el suficiente éxito como para producir otra temporada más.

Visualmente es impecable, si son fans de todo ese tipo de ambientaciones de la Inglaterra del siglo XIX seguramente les va a encantar. Tiene un reparto muy balanceado (aunque Josh Harnett como que no encaja del todo) y aunque los productores solo han indicado que aparecerán personajes como Victor Frankenstein (con su criatura), Dracula y Dorian Gray, la verdad no sería nada extraño que nos sorprendan con algún otro icónico personaje con el paso de los episodios.

De momento les recomiendo que le den una checada al primer capítulo, especialmente porque introdujo de muy buena manera el concepto de la serie y logró ofrecer algunos momentos en verdad bastante únicos que esperemos puedan mantener en lo que resta de la temporada. 

lunes, 12 de mayo de 2014

Crítica: Only Lovers Left Alive (2014)

Producción británica-alemana escrita y dirigida por Jim Jamusch. Ganó notoriedad al exhibirse en Cannes hace un año, aunque su estreno en cines se dio el pasado mes de febrero dentro del Reino Unido y en abril de manera limitada en los Estados Unidos.

Sinopsis:

Adam (Tom Hiddleston) es un músico vampiro que se la pasa totalmente alejado de la sociedad dentro de su casa en Detroit, esto causado por la depresión que le genera el estado actual del mundo moderno. Para alegrarlo, su esposa Eve (Tilda Swinton) viaja a los Estados Unidos, aunque esto también causará que su conflictiva hermana, Ava (Mia Wasikowska), aparezca y los meta en problemas.

Comentarios generales:

Cuando reúnes a un elenco de tal magnitud para una película con una temática en donde nunca los hubieras esperado ver evidentemente vas a llamar la atención, sea buena o mala. Por ello este era uno de los trabajos que mas esperaba durante el año, especialmente porque desde que salió el primer trailer se podía notar que sería algo poco común.

Y es que Only Lovers Left Alive es sin duda alguna la película de vampiros que menos parece una película sobre vampiros; sabes lo que son por el tema de la sangre, pero este trabajo se encarga de ponerlos con un perfil tan pero tan bajo que al final parece mera casualidad que hayan sido integrados bajo ese tipo naturaleza dentro de la historia. Ya que Jamusch se centra más que nada en la soledad, el secretismo y en una relación amorosa ancestral que básicamente es la que carga con absolutamente todo el peso de la película por medio de interacciones totalmente ajenas a las típicas situaciones espectaculares y sangrientas que estamos acostumbrados a ver.

Sin embargo, esta ausencia de elementos comunes hace que gran parte del filme se sienta sumamente hueco, integrado por escenas que estéticamente pueden resultar espectaculares, pero que no aportan realmente mucho e incluso convierten en todo un reto el poder mantenerte enfocado al 100% con lo que ocurre en pantalla por la falta de un ritmo mucho más dinámico. Solamente logran darle un poco de variedad justo cuando hace su aparición el personaje de Ava: un antagónico que viene a dar frescura a un circulo de sucesos que empiezan a caer en lo repetitivo y que ayuda una enormidad al momento de establecer la tónica para los últimos minutos.

El final es interesante porque juega con la idea de la naturaleza de cada uno y sobre cómo por lo general esta terminará apareciendo cuando lo que está en riesgo es tu propia vida.   

Las actuaciones son de diez gracias a que Hiddleston y Swinton tienen una química impresionante en pantalla que logra sacar adelante muchos momentos pesados; mientras que la breve aparición de Wasikowska merece también una mención. En producción igualmente es muy destacada: el trabajo de fotografía logra generar una atmósfera desoladora increíble, la dirección de arte esta muy bien cuidada y el trabajo de maquillaje logra que ambos protagonistas tengan un aspecto decrepito en exceso creíble. Aunque mención aparte merece el estupendo score, el cual es el alma de la película.

Opinión final: Only Lovers Left Alive es la película de vampiros menos común que he visto. Vale la pena, pero no me maravilló.

Ojometro:
****

viernes, 9 de mayo de 2014

Crítica: Doc of the Dead (2014)

Documental dirigido y co-escrito por Alexandre O. Philippe, cuya producción corrió a cargo del canal Epix. Oficialmente se estrenó dentro de los Estados Unidos el pasado 10 de marzo en el festival South by Southwest y cinco días después fue transmitido en TV por medio del propio Epix; aunque no hay información sobre si saldrá en formato físico o si será transmitido en otros países.

Sinopsis:

En Doc of the Dead se analiza al género zombie dentro del cine, la TV, la literatura y como parte de la cultura pop en general. Para ello se entrevistan a diversas personalidades dentro de varios campos que tratarán de explicar cómo los zombies no solo los cambiaron a ellos, sino como el género ha impactado a la sociedad en general.

Comentarios generales:

Los documentales siempre han estado presentes dentro del género, pero de cuatro o cinco años a la fecha estos empezaron a tomar bastante relevancia y desde entonces se han visto trabajos de altísima calidad que han puesto el listón exageradamente alto, ya sea por como manejan el tema que tocan (Nightmares in Red, White and Blue: The Evolution of the American Horror Film) o por la cantidad bestial de contenido que presentan (Never Sleep Again, Crystal Lake Memories). Por ello este trabajo de Epix me intrigaba y en términos generales logra hacerse de un nombre propio, aunque lejos de las grandes ligas.

Doc of the Dead de entrada realiza un gran trabajo en cuanto a la elección de los entrevistados, ya que cuenta con la presencia de básicamente todo aquel personaje vivo que ha colaborado de una u otra forma dentro del género de manera destacada: George A. Romero, John Russo, Tom Savini, Robert Kirkman, Max Brooks, Greg Nicotero, Simon Pegg, Bruce Campbell, Stuart Gordon, Brian Yuzna (entre muchos otros) hacen apariciones y eso le agrega un plus bastante valioso. Ya que quien mejor que todas estas personalidades para dar sus peculiares puntos de vista sobre el género que ellos mismos han ido moldeando desde los años sesenta.

Aunque una pena que realmente las cosas no se centren en ellos, sino en otros temas.

Y es que este documental es un tanto engañoso debido a que inicia vendiéndote la idea de que analizará a fondo los orígenes e historia en general de los zombies, lo cual hace de manera bastante acelerada durante los primeros 30 minutos, pero una vez rebasado ese lapso le empieza a dar más relevancia a otras cuestiones que a uno como fan realmente no le importan. De pronto te encuentras que una parodia porno de The Walking Dead, cosas de supervivencia apocalíptica o una explicación científica que involucra a las hormigas tienen más tiempo en pantalla que trabajos como Re-Animator, Return of the Living Dead o las últimas tres películas de Romero (que nunca son nombradas); vamos… incluso tocan apenas con pinzas la relevancia de los videojuegos para el género zombie en los 90s o su crecimiento dentro de la literatura en los ultimos años. Dejándote así con una sensación de vacío bastante importante.

A pesar de todo esto tampoco se puede negar que toca algunos puntos interesantes como el origen del término zombie, las cosas ridículas que se han creado gracias a su popularidad, los motivos que generaron su renacer durante la década pasada y el eterno debate sobre si son mejores los zombies lentos o los que corren. Además de que cuenta con algunos momentos graciosos, la mayoría proporcionados por Bruce Campbell.

En cuanto a la producción se puede decir que cumple: la edición hace que nunca se sienta pesado, tiene un buen soundtrack y muestra bastante contenido visual interesante.

Opinión final: Doc of the Dead es un trabajo aceptable al que le falta un poco más de ambición. Aún así vale la pena checarlo.

Ojometro:
***

miércoles, 7 de mayo de 2014

Crítica: Vampire Academy (2014)

Adaptación de la novela del mismo nombre que está dirigida por Mark Waters. Se estrenó en cines dentro de los Estados Unidos y México durante el pasado mes de febrero, aunque apenas está llegando a otros países; recaudando hasta el momento $15.3 millones de dólares a nivel mundial en taquilla.

Sinopsis:

Rose (Zoey Deutch) es una chica mitad humano y mitad vampiro cuyo deber es proteger a los pacíficos vampiros conocidos como Moroi, especialmente a su amiga Lissa (Lucy Fry). Para ello deciden escapar de la Academia donde estudian, pero dos años después son encontradas y regresan a ese lugar; el cual para su mala suerte es mucho más peligroso de lo que imaginan.

Comentarios generales:

El hecho de que Hollywood este tan desesperado por tratar de encontrar a su próximo Twilight está provocando que cualquier cantidad de novelas para adolescentes sean adaptadas a un ritmo acelerado, pero con ninguna se han alineado los planetas como ocurrió con los vampiritos que brillan. Sin embargo, cuando me enteré del concepto de Vampire Academy pensé que tal vez estaríamos frente a un nuevo gran fenómeno que nos haría agitar la cabeza de decepción a todos los fanáticos del terror; aunque afortunadamente parece que estaba equivocado. 

Si tuviera que describirla sin duda lo que diría es que es una mezcla entre Twilight, Harry Potter y Mean Girls (si, leyeron bien) debido a que todo el tiempo se nota la tremenda necesidad por tratar de captar la atención del público a la que va dirigida mostrándoles conceptos o diferentes tipos de personajes con los que ya están más que familiarizados, pero agregándoles una cierta dosis de humor y, por medio de su protagonista, brindar una idea de que no se toma tan en serio. Una fórmula que al inicio funciona, pero que después de 10/15 minutos se torna exasperante; mucho más cuando Waters básicamente se limita a mostrarnos la misma situación una y otra vez mientras rellena el resto del metraje con escenas random.

Esa repetitividad hace que carezca de terror, sangre, tensión o algún tipo de acción a gran escala, pero el mayor problema que genera es que el punto central de la historia, que supuestamente es la pelea entre dos bandos, básicamente nunca tenga importancia salvo por unos breves lapsos en donde se acordaron que la tenían que integrar. Como consecuencia lo que nos terminan ofreciendo es un trabajo que se sustenta en las peleas, una guerra y problemas amorosos adolescentes, pero solo estos últimos son los que abundan en pantalla.

El final es meh. Quieren añadirle un giro que se puede descifrar sin problemas desde varios minutos antes.

El casting es bastante extenso, pero la única que logra diferenciarse de todos es la propia Deutch; quien en términos generales me parece hace un trabajo aceptable con su personaje al darle un toque cómico y hasta cierto punto sexy. La producción tampoco está mal, pero está alejada de muchas otras películas de corte similar: el trabajo de fotografía está ok, la dirección de arte no es nada del otro mundo, los efectos son mínimos y las caracterizaciones poco imaginativas.

Opinión final: Una película más totalmente enfocada para el público adolescente que terminará siendo odiada y olvidada rápidamente.

Ojometro:
**

lunes, 5 de mayo de 2014

Crítica: I, Frankenstein (2014)

Película basada en la novela gráfica creada por Kevin Grevioux, la cual significa el debut dentro del género del director Stuart Beattie. Se estrenó en cines a inicios de año recaudando a nivel mundial 71 millones de dólares en taquilla; mientras que su salida en formato físico se estará dando durante este mes de mayo.

Sinopsis:

La criatura creada por el Dr. Victor Frankenstein ha sobrevivido durante 200 años ocultándose de la humanidad en los rincones más remotos del planeta. Sin embargo, un día decide regresar a la metrópolis y ahí se encontrará en medio de una guerra entre dos bandos milenarios donde él será una pieza clave.  


Comentarios generales:

Por lo regular este tipo de películas suelo tenerlas siempre en consideración porque soy bastante fan del nuevo enfoque que presentan sobre historias que ya conocemos; casi siempre las voy a ver al cine, pero esta simplemente no me genero nada en su momento. Tal vez fue por su caótica fase de producción, pero después de checarla no me arrepiento de no haberla visto en la pantalla grande.

I, Frankenstein es, tal como la propia creación de Victor, una integración de varios elementos e ideas cuyo único propósito era que esto fuera un mega hit de proporciones importantes para poder explotarla de diferentes maneras en el aspecto comercial, incluso tal vez con más secuelas, pero todo esta manejado de una manera tan pobre que al final no ocurrió (ni ocurrirá) nada de eso. En gran medida porque Beattie saca a relucir su inexperiencia al no lograr crear algo que se sienta original, algo con lo que digas: “Wow, esto nunca antes lo había visto”. Ya que todo se limita a un ritmo frenético, ciertas duplicas a otros trabajos y a grandes explosiones para maquillar una supuesta guerra que no tiene nada épica, la cual por momentos simplemente se siente ajena a todo lo que esta sucediendo.

Aunque el principal error a mi juicio es el hecho de que nunca se nos dan motivos suficientes para simpatizar con el personaje central. Pasan los minutos y este es solo un monstruo que mata demonios porque si, provocando que te de lo mismo si logra su objetivo o no gracias al poco esfuerzo dedicado a un personaje que por naturaleza es complejo.

El final es lo más rescatable gracias a que contiene una buena dosis de acción y son los únicos minutos en donde la guerra verdaderamente luce como algo importante.

En las actuaciones Aaron Eckhart debe de ser el Frankenstein más plano y con menos personalidad que recuerde, mientras que Bill Nighy y Strahovski carecen de carisma todo el tiempo. La producción es por mucho lo mejor: visualmente es bastante espectacular en muchas escenas, la peculiar y variada de dirección de arte está bien lograda, así como los efectos especiales (salvo ciertos detalles con el CGI en el rostro de los enemigos); aunque por otra parte, la caracterización de Eckhart es bastante pobre.

Opinión final: I, Frankenstein me decepcionó, está muy lejos de otros trabajos similares.

Ojometro:
**

sábado, 3 de mayo de 2014

Crítica: Death Do Us Part (2014)

Primer largometraje del director Nicholas Humphries, cuyo guión corrió a cargo de Ryan Copple, Peter y Julia Benson. Salió a la venta en DVD el pasado 15 de abril, aunque no pude encontrar información sobre si también se tiene planeada su salida en otros formatos.

Sinopsis:

Kennedy Jamieson (Julia Benson) es una socialité que está a pocos días de tener su boda soñada, pero antes tratara de pasar un fin de semana con su prometido, hermana y varios amigos para celebrar su despedida de soltera. Para ello rentan una remota cabaña, lugar que convertirá dicha celebración en una pesadilla.



Comentarios generales:

Humphries hasta ahora se había destacado por hacer cortometrajes y por eso su salto a los largometrajes me llamo poderosamente la atención; especialmente porque dicha transición no es sencilla de lograr si no se tiene la capacidad para identificar el manejo de los tiempos. Una situación que aquí se nota de manera más que clara porque a Death Do Us Part lo puedo describir como un trabajo de dos partes: la primera siendo un intro de una hora y la segunda como un caótico cortometraje de casi 30 minutos.

Ya que es evidente que el director aquí nunca capto el hecho de que tenía todo el tiempo del mundo para ir construyendo poco a poco una historia que se adaptara acorde a las necesidades de lo que quería contar, provocando así que gran parte de su contenido sea bastante aburrido o, como ocurre con el caso del personaje Bo, totalmente omitible.

Y es que si algo tiene positivo es el hecho de que, contrario a muchas otras películas similares, aquí se le trata de dar un background a básicamente todo el mundo, lo cual es un punto que beneficia enormemente los últimos 30 minutos precisamente porque al tener tantos personajes con motivos suficientes para ser el asesino se logra crear dudas muy razonables y un misterio natural. Sin embargo, al ser este background tan mal abordado te termina importando poco, a pesar de que tendría que tener mucha relevancia y eso, junto al hecho de que el ritmo es muy pausado, hace de la película poco memorable, sin muchas emociones y con un grado de tensión ínfimo.

El final es bastante agradable por las dudas que genera y porque muestra no uno, sino dos giros que apuesto casi nadie los va a esperar.

Las actuaciones en general no están mal; no diría que son espectaculares, pero no hay nadie que desentone realmente. La producción es discreta, pero efectiva: el trabajo de fotografía es tal vez lo mejor de todo, aunque en el departamento de efectos/maquillaje se queda corto al mostrar realmente poco.   

Opinión final: Death Do Us Part tiene sus puntos interesantes, pero en general se siente como una película más.

Ojometro:
**